Страница:
Искусство
Современная иллюстрированная энциклопедия
Д
ДАВИ́Д (david) Жак Луи (1748, Париж – 1825, Брюссель), французский живописец, портретист, автор исторических картин; представитель стиля ампир. Сын коммерсанта. В 1766—74 гг. обучался в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже у живописца Ж. М. Вьена. Испытал влияние Ф. Буше. В 1775—80 гг. жил в Риме, где изучал античное наследие, произведения мастеров эпохи Возрождения и барокко.
Ж. Л. Давид. «Клятва Горациев». 1784 г. Лувр. Париж
В своих картинах Давид стремился придать сюжетам из античной истории современное, актуальное звучание. Его живописная манера, отличающаяся лаконизмом, чётким рисунком и суровым ритмом, выразительной светотеневой моделировкой, сродни возвышенному языку античной трагедии («Андромаха, оплакивающая Гектора», 1783). Художник наделял своих героев высокими нравственными качествами и несгибаемой силой воли. Согласно эстетике классицизма, мужество исторических персонажей, примеры патриотизма должны были служить образцами для подражания потомкам. Гражданственный пафос с особенной силой выразился в творчестве Давида в период, связанный с событиями Великой французской революции («Клятва Горациев», 1784; «Смерть Сократа», 1787; «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей», 1789).
Ж. Л. Давид. «Смерть Марата». 1793 г. Музей современного искусства. Брюссель
Некоторые работы художника напрямую отражали события современной действительности (эскиз неосуществлённой картины «Клятва в зале для игры в мяч», 1791; «Коронование Жозефины», 1805—07). Поразительной силой воздействия на зрителя обладает монументальная и трагичная в своей суровой простоте «Смерть Марата» (1793). Художник проявил себя как талантливый портретист. В его парадных и камерных портретах (врача А. Леруа, 1783; учёного-химика А. Л. Лавуазье с женой, 1788; мадам Рекамье, 1800, и др.), а также «Автопортрете с палитрой» (1794) сочетаются традиции классицизма и рококо. В «Портрете молодого Энгра» (ок. 1798 г.), конном парадном портрете «Наполеон при переходе через Сен-Бернар» (1800) ощущаются веяния романтизма.
Ж. Л. Давид. «Наполеон при переходе через Сен-Бернар». 1800 г. Национальный музей Версаля и Трианонов
Во время французской революции деятельность Давида не ограничивалась областью живописи. Он руководил организацией празднеств, в которых прославлялись идеи Свободы, Равенства и Братства, вносил предложения относительно реформирования Лувра, превращённого в это время в музей, активно участвовал в политической жизни страны: голосовал за казнь короля Людовика XVI, в 1792 г. стал депутатом Конвента. В период правления Наполеона I Давид воспевал императора и величие Французской империи. После восстановления королевской власти художник был вынужден покинуть родину и уехать в Брюссель.
Ж. Л. Давид. «Портрет мадам Трюден». Ок. 1790—91 гг. Лувр
Из мастерской Давида вышли такие крупные живописцы, как А. Гро, Ф. Жерар и Ж. О. Д. Энгр.
ДАДАИ́ЗМ (от франц. dada – конёк, деревянная лошадка; детский лепет), авангардистское литературно-художественное течение. Возникло в 1916 г. в Цюрихе (Швейцария) среди эмигрантов разных национальностей как протест против Первой мировой войны и европейской цивилизации в целом как её первопричины. Название «дада», по довольно противоречивым свидетельствам, было случайно найдено в словаре Ларусс одним из основателей течения румынским поэтом Тристаном Тцарой (настоящее имя Самуил Розеншток). Поэта привлекла неопределённость значения слова в разных языках. Тцара собрал вокруг себя интернациональную группу, в которую вошли его соотечественник литератор, художник, архитектор М. Янко, скульптор, художник и поэт из Эльзаса Ж. Арп, немецкие писатели-эмигранты Г. Балль и Р. Гюльзенбек и др. В 1917—20 гг. выходил журнал «Дада», выдержавший семь изданий.
Обложка журнала «Дада»
Теоретическое оформление течения произошло в 1918 г., когда Тцара опубликовал первый «Манифест Дада», за которым последовало ещё шесть. Дадаисты отказывались от общечеловеческих ценностей – разума, религии, морали, красоты – в пользу свободы: «Мы с лёгкостью издевались надо всем, ничего не было для нас святого, мы всё оплёвывали… мы представляли собой чистый нигилизм, и нашим символом являлось Ничто, Пустота, Дыра». В 1919 г. Тцара вместе со своими единомышленниками перебрался в Париж. Дадаистские группы возникли также в Берлине (Р. Гюльзенбек, Г. Гросс, Р. Хаусманн), Ганновере (К. Швиттерс), Кёльне (Ж. Арп), Голландии (Т. ван Дусбург), Нью-Йорке (М. Дюшан, Ф. Пикабиа, М. Рей). Движение Дада стало не столько направлением в искусстве, сколько интеллектуальным бунтом. Цюрихский клуб «Кабаре Вольтер» устраивал эксцентричные акции антисоциального и антикультурного характера, провоцируя публику на ответную реакцию возмущения. Скандально известная попытка Дюшана выставить писсуар в качестве произведения искусства для экспонирования на Нью-Йоркской выставке 1917 г., перерисовки технических чертежей в полотнах Пикабиа, коллажи Швиттерса и Арпа из случайных предметов стали зримым выражением кризиса европейской культуры первой четверти 20 в. и поисков новых путей в искусстве. Движение просуществовало до 1922 г., после чего дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии – с экспрессионизмом.
М. Дюшан. «Фонтан». 1917 г. Музей искусств. Филадельфия
ДАЛИ́ (dali) Сальвадор (полное имя Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменик) (1904, Фигерас, Испания – 1989, там же), испанский живописец, график, скульптор, декоратор, ювелир, дизайнер; один из лидеров сюрреализма. Жизнь художника была таким же произведением искусства, как и его творения. Он с юности отличался эксцентричной манерой поведения, читал лекции и выпускал книги, в которых воспевал себя и своё искусство («Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим» и др.). В 1924—26 гг. Дали учился в Академии Сан-Фернандо в Мадриде, изучал живопись старых мастеров, интересовался современными течениями в живописи («Автопортрет с “Ла Публичитат”», «Венера и моряк»), одновременно создавая работы в манере «магической вещественности» («Девушка, стоящая у окна», 1925). В годы учёбы сблизился с выдающимися деятелями испанской культуры – поэтом Ф. Гарсиа Лоркой и кинорежиссёром-сюрреалистом Л. Бюнюэлем; увлёкся сочинениями австрийского психиатра, создателя теории психоанализа З. Фрейда. Учение Фрейда о роли бессознательного в жизни человека оказало значительное воздействие на сложение творческого метода Дали. Первая персональная выставка художника в Барселоне (1925) была встречена очень благосклонно, а уже в 1926 г. Дали был исключён из Академии за подстрекательство к беспорядкам среди студентов. С 1929 г. жил в Париже, где сблизился с сюрреалистами.
С. Дали. «Искушение св. Антония». 1946 г. Королевский музей изобразительных искусств. Брюссель
С. Дали. «Постоянство памяти». 1931 г. Музей современного искусства. Нью-Йорк
В Париже художник вместе с Бюнюэлем снял фильмы «Андалузский пёс» (1928) и «Золотой век» (1930). Шокирующие кадры из «Андалузского пса» с лезвием, разрезающим глаз человека, придумал именно Дали. Вернувшись в Испанию, художник познакомился с женой поэта Поля Элюара Еленой Дьяконовой, русской по происхождению. В 1934 г. она стала супругой Дали. Гала, как называл её художник, на протяжении всей его жизни оставалась для него возлюбленной, подругой, музой, менеджером. Дали часто изображал её в своих картинах («Градива» и др.).
С. Дали. Брошь «Глаз времени». 1949 г.
С. Дали. «Мягкая конструкция с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны». 1936 г. Музей изобразительных искусств. Филадельфия
Видения художника предстают в его полотнах как кошмарная реальность. Свой художественный метод мастер называл «параноидально-критическим» (его обоснование содержится в книге Дали «Видимая женщина», 1920). В картинах, написанных в оптически иллюзорной манере, призванной убедить зрителя в достоверности изображённого, фигуры и предметы растягиваются (мягкие часы в картине «Постоянство памяти», 1931), растворяются, превращаются в другие (два пассажира в «Призрачной повозке», 1933, оказываются башнями далёкого города). С сер. 1930-х гг. Дали создавал сюрреалистические объекты («Телефон-омар», 1936; «Диван-губы», 1936—37, и др.). Его эксцентричные выходки привлекали внимание публики и прессы. На Международной выставке сюрреалистов в Лондоне (1936) художник появился в костюме водолаза, подходящем, по его мнению, для погружения в подсознание. Для выставки в Париже он создал композицию «Дождливое такси»: в машине сидел обнажённый манекен, его тело было покрыто живыми улитками; в салон лилась вода из дыр в крыше. Переживания по поводу гражданской войны в Испании Дали выразил в «Осеннем каннибализме» (1936) и «Мягкой конструкции с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны» (1936). Постоянное стремление Дали к мистификациям и публичным скандалам, а также его сочувственное отношение к фашистским режимам вызвали конфликт художника с парижскими сюрреалистами. В 1939 г. Дали вышел из объединения, заявив, что является единственным подлинным сюрреалистом: «Сюрреализм – это я».
С. Дали. «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения». 1944 г. Собрание Тиссен-Борнемиса. Лугано
С. Дали. «Гиперкубическое тело» («Распятие»). 1954 г.
В 1940—48 гг. Дали и Гала жили в США. Среди известных картин этого времени – «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944). В Америке Дали нажил большое состояние, участвуя в коммерческих проектах, работая в театре, создавая дизайн ювелирных украшений и модной одежды, рекламную продукцию. После возвращения в Испанию (1948) художник всё больше проникался идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для картин 1950-х гг. («Тайная вечеря», 1955; «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба», 1958—59). С 1970-х гг. художник нередко прибегал к методам, позволяющим как можно убедительнее передать объём (наподобие голографии). В 1974 г. Дали построил Театр-музей Дали в Фигерасе и ещё один музей в Кливленде. В последние годы он часто обращался к фотографии.
С. Дали. «Сон». 1937 г. Частное собрание
С. Дали. «Моя жена, обнажённая, смотрит на собственное тело, ставшее лесенкой, тремя позвонками колонны, небом и архитектурой». 1945 г. Музей современного искусства. Нью-Йорк
Творчество Дали оказало значительное влияние на изобразительное искусство 20 в. Его идеи в области дизайна и рекламы остаются актуальными по сей день.
ДЕГÁ (degas) Эдгар (1834, Париж – 1917, там же), французский живописец, график, скульптор; участник выставок импрессионистов. Сын банкира. Вопреки желанию родителей, посвятил себя живописи. В 1855—56 гг. учился в Школе изящных искусств в Париже, копировал работы прославленных европейских мастеров (Рафаэля, Энгра и др.), в картинах которых его привлекало совершенство рисунка. Рисунок занял значительное место и в творчестве Дега, но линия приобрела у него иное качество. Она не подчёркивает контуры совершенных форм, не акцентирует состояние гармонии и покоя, а помогает передать движение, выразить сложную внутреннюю жизнь героя. Прерывистая и подвижная, она сама воплощает биение жизни. Герои произведений Дега – его современники, обитатели Парижа (балерины, жокеи, модистки, прачки, посетители кафе). Эти качества сближают творчество художника с искусством импрессионистов, с которыми он тесно общался. Дега показывал и праздничную сторону жизни, и её прозаичные будни, ежедневный упорный труд людей, их обыденные занятия. Художник метко подмечал характерные жесты и позы. В любом сюжете, будь то залитая лучами прожекторов сцена, утомительные репетиции танцовщиц, тренировки жокеев, сценки в кафе, утренний туалет женщин, он видел поэзию и красоту («Голубые танцовщицы», ок. 1879 г.; «Прима-балерина на сцене», «Певица в кафе-шантане»; обе – 1878; «Танцовщицы на репетиции», ок. 1881 г.; «Таз», 1886; «Женщина, расчёсывающая волосы», ок. 1895 г.; «Жокеи под дождём», ок. 1881 г.). Дега много работал в технике пастели. Цветовые пятна, то нежные и матовые, то сверкающие и насыщенные, оттеняются рисунком отдельных линий, с помощью которых художник ставит необходимые акценты («Проездка скаковых лошадей», ок. 1880 г.). В 1870– 71 гг. Дега принимал участие в обороне Парижа от прусских войск; простудившись, стал испытывать проблемы со зрением. Отчасти по этой причине с 1880-х гг. он обратился к скульптуре. Герои и темы его скульптурных произведений остались теми же: изображённые в быстром движении танцовщицы и кони, женщины за туалетом. Многие статуэтки носят эскизный характер, отличаясь острой наблюдательностью и непринуждённостью поз.
Э. Дега. «Танцовщица, завязывающая ленту туфельки». 1880 г.
Э. Дега. «Семейство Беллелли». 1860—62 гг. Музей д'Орсэ. Париж
Э. Дега. «Голубые танцовщицы». Пастель. Ок. 1879 г. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва
ДЕИСУ́СНЫЙ ЧИН, см. в ст. Иконостас.
ДЕЙНÉКА Александр Александрович (1899, Курск – 1969, Москва), русский живописец, скульптор, график, монументалист. Учился в Харьковском художественном училище (1915—17), во Вхутемасе (1920—25) у В. А. Фаворского и И. И. Нивинского, тогда же познакомился с В. В. Маяковским и плакатистом Д. С. Моором. Член-учредитель Общества станковистов (ОСТ), член общества «Октябрь», член Российской ассоциации пролетарских художников.
Дейнека – мастер книжной и журнальной графики, которую отличает особая, «плакатная» выразительность. Художественные средства живописи обогатил элементами новых видов искусства: кино, фотографии, плаката. Картины 1920-х гг. тяготеют к монументальным формам, их пространственное и ритмическое построение напоминает об опыте конструктивизма. В полотнах, посвящённых возведению нового мира («Перед спуском в шахту», 1925; «На стройке новых цехов», 1926), Дейнека «монтирует» на плоскости объёмные, взятые крупным планом фигуры людей и ажурное кружево конструкций. Он словно выхватывает фрагменты из панорамы огромной стройки, в которую превратилась вся страна. В «Обороне Петрограда» (1927) две контрастные по ритму и пластике шеренги бойцов и раненых образуют двухъярусную композицию; монохромная цветовая гамма усиливает эмоциональную напряжённость.
В 1930-е гг. картины Дейнеки насыщаются светом и радостью. «Мать» (1932) воссоздаёт образ материнства, исполненный нежности и любви. Художник обращается также к темам спорта и авиации. В «Будущих лётчиках» (1937) фигурки мальчиков, наблюдающих полёт гидроплана, воплощают молодость и мечту о светлом будущем. Великая Отечественная война нашла отражение в полотнах «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 г.» (1941), «Оборона Севастополя» (1942). В 1930—50-е гг. Дейнека активно работал как скульптор, писал панно для международных выставок, выполнил мозаики для станций метро «Маяковская» (1938), «Новокузнецкая» (1940—43), мозаичные портреты учёных для нового здания МГУ им. М. В. Ломоносова (1947—53). Преподавал во Вхутеине (1928—30) и др. учебных заведениях. Живопись Дейнеки (особенно периода ОСТа) оказала влияние на творческие поиски художников «сурового стиля».
ДЕКÓР (от лат. decoro – украшаю), система украшения здания (фасада, интерьера) или изделия. Выступая в единстве с их объёмно-пространственной композицией, декор акцентирует конструктивные элементы или, наоборот, зрительно преобразует конструкцию, внося иные масштабные соотношения, ритм, колорит (декор в виде колонн трёх ордеров зрительно облегчает массивную арочную конструкцию Колизея; в барочных зданиях обильная лепнина, прерывистые линии карнизов, собранные в пучки колонны придают живописность гладкой стене).
ДЕКОРАТИ́ВНО-ПРИКЛАДНÓЕ ИСКУ́ССТВО, создание художественных изделий, имеющих практическое назначение (домашняя утварь, посуда, ткани, игрушки, украшения и др.), а также художественная обработка утилитарных предметов (мебели, одежды, оружия и т. д.). Мастера декоративно-прикладного искусства используют самые разнообразные материалы – металл (бронзу, серебро, золото, платину, различные сплавы), дерево, глину, стекло, камень, текстиль (натуральные и искусственные ткани) и др. Изготовление изделий из глины называют керамикой, из драгоценных металлов и камней – ювелирным искусством.
Подвеска с пчёлами. Золото. 16 в. до н. э. Остров Крит. Археологический музей. Ираклион
В процессе создания художественных произведений из металла используются техники литья, ковки, чеканки, гравирования; текстиль украшают вышивкой или набойкой (на ткань накладывают покрытую краской деревянную или медную доску и ударяют по ней специальным молотком, получая отпечаток); деревянные предметы – резьбой, инкрустациями и красочными росписями. Роспись керамической посуды называют вазописью.
Харин. Фигурная ойнохойя в виде женской головы. Кон. 6 в. до н. э. Древняя Греция. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
Декоративно-прикладные изделия должны быть прежде всего удобны в использовании и красивы. Они создают предметную среду вокруг человека, воздействуя на его душевное состояние и настроение. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием, поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность обработки играют в нём важнейшую роль. В форме вазы, игрушки, предмета мебели, в системе их украшений мастер стремится выявить прозрачность стекла, пластичность глины, теплоту дерева и текстуру его поверхности, твёрдость камня и естественный рисунок его прожилок. При этом форма изделия может быть как абстрактной, так и напоминать цветок, дерево, фигуру человека или животного.
Часы-колесница. Бронза, фарфор. 18 в.
В украшениях широко применяются различные орнаменты. Часто именно декор превращает бытовой предмет в произведение искусства (хохломская чаша простой формы, расписанная яркими узорами по золоту; платье скромного фасона, украшенное вышивкой или кружевами). При этом очень важно, чтобы орнаменты и фигуративные изображения не противоречили форме изделия, а выявляли её. Так, в древнегреческих вазах узорные полосы отделяют тулово (центральную часть) от ножки и горловины, роспись тулова подчёркивает его выпуклость.
П. Беренс. Лампа. 1902 г.
Декоративно-прикладное искусство существует с глубокой древности. Художественные изделия тесно связаны с бытовым укладом и обычаями определённой эпохи, народа или социальной группы (дворян, крестьян и т. д.). Уже первобытные мастера украшали резьбой и узорами посуду, изготавливали примитивные украшения из звериных клыков, раковин и камней. В этих предметах воплотились представления древних людей о красоте, о строении мира и о месте человека в нём. Традиции древнего искусства продолжают жить в фольклоре, в изделиях народных промыслов. В дальнейшем выделяется утварь для исполнения священных обрядов и предметы роскоши, призванные подчеркнуть богатство и властную силу своих владельцев. В этих изделиях использовались редкие, драгоценные материалы и богатый декор. Развитие промышленного производства в 19 в. позволило создавать произведения декоративно-прикладного искусства для массового потребителя. При этом замысел, эскиз росписи, форма для изготовления и т. д. принадлежали крупным мастерам, а готовые изделия тиражировались работниками фабрик и заводов (шпалеры по эскизам известных мастеров, изделия фарфоровых заводов и т. д.). Применение промышленных технологий положило начало искусству дизайна.
Ч. Макинтош. Стул. 1900 г.
ДЕЛАКРУÁ (delacroix) Эжен (1798, Сен-Морис, близ Парижа – 1863, Париж), французский художник, один из самых ярких представителей романтизма. Родился в семье министра правительства Директории, получил классическое образование в Императорском лицее. Возможно, настоящим его отцом был знаменитый дипломат наполеоновской эпохи Талейран, который неизменно ему покровительствовал. Оставшись в 16 лет сиротой, Делакруа поступил в мастерскую П. Н. Герена, а затем в Школу изящных искусств (1817). Из современников художник высоко ценил Дж. Констебла, А. Гро, но считал себя последователем Т. Жерико. Первая картина, доставившая ему известность, – «Ладья Данте» (1822), написанная на сюжет «Божественной комедии», поразила современников страстной патетикой, мощью сумрачного света. На тему трагедии Дж. Н. Г. Байрона создано огромное полотно «Смерть Сарданапала» (1827), в котором изображён ассирийский правитель, повелевший сжечь себя на костре вместе с прекрасными рабынями. Влечение к могучим страстям – отличительная черта живописи Делакруа. Художника волновали события современной истории. Борьбе греков за национальную независимость посвящены картины «Резня на острове Хиос» и «Греция на развалинах Миссолунги» (обе – 1826). Сюжет картины «Свобода, ведущая народ» (1830—31) навеян революционным восстанием в Париже в июле 1830 г. В образе прекрасной женщины, олицетворяющей Свободу, художник нашёл пластическую формулу революционной Франции. Во время путешествия в Англию Делакруа был потрясён трагедиями Шекспира и в течение всей дальнейшей жизни обращался к сюжетам и персонажам великого драматурга («Гамлет», 1839; «Смерть Офелии», 1844; «Дездемона, проклинаемая отцом», 1852, и др.).
Э. Делакруа. «Львиная охота в Марокко». 1854 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
В 1830-х гг. Делакруа посетил Марокко, открыв для себя влекущий мир Арабского Востока, которому посвятил множество картин и зарисовок. В «Алжирских женщинах» (1833—34) перед европейским зрителем впервые предстал мир мусульманского гарема. Художник создал также серию портретов представителей творческой интеллигенции, многие из которых были его друзьями (портреты Н. Паганини, Ф. Шопена, Г. Берлиоза и др.).
Э. Делакруа. «Ладья Данте». 1822 г. Лувр. Париж
В поздний период творчества художник исполнил несколько монументальных росписей: центральный плафон в галерее Аполлона в Лувре (1850); две грандиозные композиции в церкви Сен-Сюльпис в Париже (1861) – «Изгнание Илиодора из храма» и «Битва Иакова с ангелом». В последние годы жизни, в период господства реалистического направления во французской живописи, Делакруа по-прежнему оставался верен романтизму. В «Охоте на львов» (1854) тела зверей и людей извиваются, подобно языкам пламени, сплетаясь в смертельной схватке.
Э. Делакруа. «Свобода, ведущая народ». 1830—31 гг. Лувр. Париж
Художник был всесторонне одарён, обладал музыкальным и литературным талантом. Его дневники, статьи о художниках – интереснейшие документы эпохи. Его теоретические исследования законов цвета оказали огромное влияние на будущих импрессионистов и особенно на В. Ван Гога. Влияние Делакруа вышло далеко за пределы романтизма, оно ощутимо во всей французской живописи 19 в.
ДЕСЮДЕПÓРТ (франц. dessus de porte, буквально – над дверью), декоративное панно, расположенное над дверью (чаще всего живописное, реже скульптурное). Обрамление десюдепорта связывает его с общим лепным или резным деревянным оформлением дверного проёма. Десюдепорты широко применялись в отделке дворцовых интерьеров в Европе в 17–18 вв., в России – в 18 в.
А. Ринальди. Китайский дворец. Интерьер. Государственный музей-заповедник Ораниенбаум. Ломоносов
Справа: Десюдепорт в зале Китайского дворца. Государственный музей-заповедник Ораниенбаум. Ломоносов
ДЖОКÓНДА, см. в ст.Леонардо да Винчи.
ДЖОРДЖÓНЕ (giorgione) (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) (1476 или 1477, Кастельфранко, близ Венеции – 1510, Венеция), итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения. В юности приехал в Венецию, где, по всей вероятности, учился у Джованни Беллини. Был близок к кругу венецианских гуманистов. Славился также как певец и музыкант. В 1507—08 гг. участвовал в украшении Дворца дожей, расписывал фресками Немецкое подворье в Венеции (сохранился фрагмент с изображением женской фигуры). Искусство Джорджоне обогатило венецианскую живопись новым пониманием проблем композиции, цвета и живописной фактуры, расширило круг её сюжетов.
Джорджоне. «Спящая Венера». 1509—10 гг. Картинная галерея. Дрезден
Творческая деятельность художника продолжалась всего 10–12 лет. Не сохранилось ни одной подписанной картины Джорджоне; некоторые из его произведений известны только по копиям и гравюрам. Кисти художника предположительно приписывают такие произведения, как: «Мадонна да Кастельфранко» (ок. 1504—05 гг.); «Женский портрет» (т. н. «Лаура», 1506); «Портрет юноши», «Гроза», «Три философа» (все – 1505—06); «Спящая Венера», «Сельский концерт» (1509—10; некоторые историки искусства считают его работой Тициана), и др. Ранние произведения, исполненные до 1506 г., пронизаны поэтическим, созерцательным чувством. Природа в них – не фон для действия, а одушевлённое, живое существо. Джорджоне одним из первых в Венеции стал писать картины масляными красками, которые позволяли добиваться чистоты цвета и мягкого перехода тонов. Около 1505—06 гг. художник создал один из своих шедевров – «Юдифь». Юная и прекрасная девушка пробралась во вражеский лагерь и отрубила голову полководцу Олоферну, спасая свой народ. Она стоит в задумчивости, опираясь на меч, её нога попирает голову поверженного врага. Внимание зрителя привлекают не меч, не отрубленная голова Олоферна, а прежде всего фигура девушки с печально опущенными глазами на фоне предрассветного неба. В прозрачных голубых красках далёкого туманного гористого пейзажа ощущается утренний холодок.
В своих картинах Давид стремился придать сюжетам из античной истории современное, актуальное звучание. Его живописная манера, отличающаяся лаконизмом, чётким рисунком и суровым ритмом, выразительной светотеневой моделировкой, сродни возвышенному языку античной трагедии («Андромаха, оплакивающая Гектора», 1783). Художник наделял своих героев высокими нравственными качествами и несгибаемой силой воли. Согласно эстетике классицизма, мужество исторических персонажей, примеры патриотизма должны были служить образцами для подражания потомкам. Гражданственный пафос с особенной силой выразился в творчестве Давида в период, связанный с событиями Великой французской революции («Клятва Горациев», 1784; «Смерть Сократа», 1787; «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей», 1789).
Некоторые работы художника напрямую отражали события современной действительности (эскиз неосуществлённой картины «Клятва в зале для игры в мяч», 1791; «Коронование Жозефины», 1805—07). Поразительной силой воздействия на зрителя обладает монументальная и трагичная в своей суровой простоте «Смерть Марата» (1793). Художник проявил себя как талантливый портретист. В его парадных и камерных портретах (врача А. Леруа, 1783; учёного-химика А. Л. Лавуазье с женой, 1788; мадам Рекамье, 1800, и др.), а также «Автопортрете с палитрой» (1794) сочетаются традиции классицизма и рококо. В «Портрете молодого Энгра» (ок. 1798 г.), конном парадном портрете «Наполеон при переходе через Сен-Бернар» (1800) ощущаются веяния романтизма.
Во время французской революции деятельность Давида не ограничивалась областью живописи. Он руководил организацией празднеств, в которых прославлялись идеи Свободы, Равенства и Братства, вносил предложения относительно реформирования Лувра, превращённого в это время в музей, активно участвовал в политической жизни страны: голосовал за казнь короля Людовика XVI, в 1792 г. стал депутатом Конвента. В период правления Наполеона I Давид воспевал императора и величие Французской империи. После восстановления королевской власти художник был вынужден покинуть родину и уехать в Брюссель.
Из мастерской Давида вышли такие крупные живописцы, как А. Гро, Ф. Жерар и Ж. О. Д. Энгр.
ДАДАИ́ЗМ (от франц. dada – конёк, деревянная лошадка; детский лепет), авангардистское литературно-художественное течение. Возникло в 1916 г. в Цюрихе (Швейцария) среди эмигрантов разных национальностей как протест против Первой мировой войны и европейской цивилизации в целом как её первопричины. Название «дада», по довольно противоречивым свидетельствам, было случайно найдено в словаре Ларусс одним из основателей течения румынским поэтом Тристаном Тцарой (настоящее имя Самуил Розеншток). Поэта привлекла неопределённость значения слова в разных языках. Тцара собрал вокруг себя интернациональную группу, в которую вошли его соотечественник литератор, художник, архитектор М. Янко, скульптор, художник и поэт из Эльзаса Ж. Арп, немецкие писатели-эмигранты Г. Балль и Р. Гюльзенбек и др. В 1917—20 гг. выходил журнал «Дада», выдержавший семь изданий.
Теоретическое оформление течения произошло в 1918 г., когда Тцара опубликовал первый «Манифест Дада», за которым последовало ещё шесть. Дадаисты отказывались от общечеловеческих ценностей – разума, религии, морали, красоты – в пользу свободы: «Мы с лёгкостью издевались надо всем, ничего не было для нас святого, мы всё оплёвывали… мы представляли собой чистый нигилизм, и нашим символом являлось Ничто, Пустота, Дыра». В 1919 г. Тцара вместе со своими единомышленниками перебрался в Париж. Дадаистские группы возникли также в Берлине (Р. Гюльзенбек, Г. Гросс, Р. Хаусманн), Ганновере (К. Швиттерс), Кёльне (Ж. Арп), Голландии (Т. ван Дусбург), Нью-Йорке (М. Дюшан, Ф. Пикабиа, М. Рей). Движение Дада стало не столько направлением в искусстве, сколько интеллектуальным бунтом. Цюрихский клуб «Кабаре Вольтер» устраивал эксцентричные акции антисоциального и антикультурного характера, провоцируя публику на ответную реакцию возмущения. Скандально известная попытка Дюшана выставить писсуар в качестве произведения искусства для экспонирования на Нью-Йоркской выставке 1917 г., перерисовки технических чертежей в полотнах Пикабиа, коллажи Швиттерса и Арпа из случайных предметов стали зримым выражением кризиса европейской культуры первой четверти 20 в. и поисков новых путей в искусстве. Движение просуществовало до 1922 г., после чего дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии – с экспрессионизмом.
ДАЛИ́ (dali) Сальвадор (полное имя Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменик) (1904, Фигерас, Испания – 1989, там же), испанский живописец, график, скульптор, декоратор, ювелир, дизайнер; один из лидеров сюрреализма. Жизнь художника была таким же произведением искусства, как и его творения. Он с юности отличался эксцентричной манерой поведения, читал лекции и выпускал книги, в которых воспевал себя и своё искусство («Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим» и др.). В 1924—26 гг. Дали учился в Академии Сан-Фернандо в Мадриде, изучал живопись старых мастеров, интересовался современными течениями в живописи («Автопортрет с “Ла Публичитат”», «Венера и моряк»), одновременно создавая работы в манере «магической вещественности» («Девушка, стоящая у окна», 1925). В годы учёбы сблизился с выдающимися деятелями испанской культуры – поэтом Ф. Гарсиа Лоркой и кинорежиссёром-сюрреалистом Л. Бюнюэлем; увлёкся сочинениями австрийского психиатра, создателя теории психоанализа З. Фрейда. Учение Фрейда о роли бессознательного в жизни человека оказало значительное воздействие на сложение творческого метода Дали. Первая персональная выставка художника в Барселоне (1925) была встречена очень благосклонно, а уже в 1926 г. Дали был исключён из Академии за подстрекательство к беспорядкам среди студентов. С 1929 г. жил в Париже, где сблизился с сюрреалистами.
В Париже художник вместе с Бюнюэлем снял фильмы «Андалузский пёс» (1928) и «Золотой век» (1930). Шокирующие кадры из «Андалузского пса» с лезвием, разрезающим глаз человека, придумал именно Дали. Вернувшись в Испанию, художник познакомился с женой поэта Поля Элюара Еленой Дьяконовой, русской по происхождению. В 1934 г. она стала супругой Дали. Гала, как называл её художник, на протяжении всей его жизни оставалась для него возлюбленной, подругой, музой, менеджером. Дали часто изображал её в своих картинах («Градива» и др.).
Видения художника предстают в его полотнах как кошмарная реальность. Свой художественный метод мастер называл «параноидально-критическим» (его обоснование содержится в книге Дали «Видимая женщина», 1920). В картинах, написанных в оптически иллюзорной манере, призванной убедить зрителя в достоверности изображённого, фигуры и предметы растягиваются (мягкие часы в картине «Постоянство памяти», 1931), растворяются, превращаются в другие (два пассажира в «Призрачной повозке», 1933, оказываются башнями далёкого города). С сер. 1930-х гг. Дали создавал сюрреалистические объекты («Телефон-омар», 1936; «Диван-губы», 1936—37, и др.). Его эксцентричные выходки привлекали внимание публики и прессы. На Международной выставке сюрреалистов в Лондоне (1936) художник появился в костюме водолаза, подходящем, по его мнению, для погружения в подсознание. Для выставки в Париже он создал композицию «Дождливое такси»: в машине сидел обнажённый манекен, его тело было покрыто живыми улитками; в салон лилась вода из дыр в крыше. Переживания по поводу гражданской войны в Испании Дали выразил в «Осеннем каннибализме» (1936) и «Мягкой конструкции с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны» (1936). Постоянное стремление Дали к мистификациям и публичным скандалам, а также его сочувственное отношение к фашистским режимам вызвали конфликт художника с парижскими сюрреалистами. В 1939 г. Дали вышел из объединения, заявив, что является единственным подлинным сюрреалистом: «Сюрреализм – это я».
В 1940—48 гг. Дали и Гала жили в США. Среди известных картин этого времени – «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944). В Америке Дали нажил большое состояние, участвуя в коммерческих проектах, работая в театре, создавая дизайн ювелирных украшений и модной одежды, рекламную продукцию. После возвращения в Испанию (1948) художник всё больше проникался идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для картин 1950-х гг. («Тайная вечеря», 1955; «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба», 1958—59). С 1970-х гг. художник нередко прибегал к методам, позволяющим как можно убедительнее передать объём (наподобие голографии). В 1974 г. Дали построил Театр-музей Дали в Фигерасе и ещё один музей в Кливленде. В последние годы он часто обращался к фотографии.
Творчество Дали оказало значительное влияние на изобразительное искусство 20 в. Его идеи в области дизайна и рекламы остаются актуальными по сей день.
ДЕГÁ (degas) Эдгар (1834, Париж – 1917, там же), французский живописец, график, скульптор; участник выставок импрессионистов. Сын банкира. Вопреки желанию родителей, посвятил себя живописи. В 1855—56 гг. учился в Школе изящных искусств в Париже, копировал работы прославленных европейских мастеров (Рафаэля, Энгра и др.), в картинах которых его привлекало совершенство рисунка. Рисунок занял значительное место и в творчестве Дега, но линия приобрела у него иное качество. Она не подчёркивает контуры совершенных форм, не акцентирует состояние гармонии и покоя, а помогает передать движение, выразить сложную внутреннюю жизнь героя. Прерывистая и подвижная, она сама воплощает биение жизни. Герои произведений Дега – его современники, обитатели Парижа (балерины, жокеи, модистки, прачки, посетители кафе). Эти качества сближают творчество художника с искусством импрессионистов, с которыми он тесно общался. Дега показывал и праздничную сторону жизни, и её прозаичные будни, ежедневный упорный труд людей, их обыденные занятия. Художник метко подмечал характерные жесты и позы. В любом сюжете, будь то залитая лучами прожекторов сцена, утомительные репетиции танцовщиц, тренировки жокеев, сценки в кафе, утренний туалет женщин, он видел поэзию и красоту («Голубые танцовщицы», ок. 1879 г.; «Прима-балерина на сцене», «Певица в кафе-шантане»; обе – 1878; «Танцовщицы на репетиции», ок. 1881 г.; «Таз», 1886; «Женщина, расчёсывающая волосы», ок. 1895 г.; «Жокеи под дождём», ок. 1881 г.). Дега много работал в технике пастели. Цветовые пятна, то нежные и матовые, то сверкающие и насыщенные, оттеняются рисунком отдельных линий, с помощью которых художник ставит необходимые акценты («Проездка скаковых лошадей», ок. 1880 г.). В 1870– 71 гг. Дега принимал участие в обороне Парижа от прусских войск; простудившись, стал испытывать проблемы со зрением. Отчасти по этой причине с 1880-х гг. он обратился к скульптуре. Герои и темы его скульптурных произведений остались теми же: изображённые в быстром движении танцовщицы и кони, женщины за туалетом. Многие статуэтки носят эскизный характер, отличаясь острой наблюдательностью и непринуждённостью поз.
ДЕИСУ́СНЫЙ ЧИН, см. в ст. Иконостас.
ДЕЙНÉКА Александр Александрович (1899, Курск – 1969, Москва), русский живописец, скульптор, график, монументалист. Учился в Харьковском художественном училище (1915—17), во Вхутемасе (1920—25) у В. А. Фаворского и И. И. Нивинского, тогда же познакомился с В. В. Маяковским и плакатистом Д. С. Моором. Член-учредитель Общества станковистов (ОСТ), член общества «Октябрь», член Российской ассоциации пролетарских художников.
Дейнека – мастер книжной и журнальной графики, которую отличает особая, «плакатная» выразительность. Художественные средства живописи обогатил элементами новых видов искусства: кино, фотографии, плаката. Картины 1920-х гг. тяготеют к монументальным формам, их пространственное и ритмическое построение напоминает об опыте конструктивизма. В полотнах, посвящённых возведению нового мира («Перед спуском в шахту», 1925; «На стройке новых цехов», 1926), Дейнека «монтирует» на плоскости объёмные, взятые крупным планом фигуры людей и ажурное кружево конструкций. Он словно выхватывает фрагменты из панорамы огромной стройки, в которую превратилась вся страна. В «Обороне Петрограда» (1927) две контрастные по ритму и пластике шеренги бойцов и раненых образуют двухъярусную композицию; монохромная цветовая гамма усиливает эмоциональную напряжённость.
В 1930-е гг. картины Дейнеки насыщаются светом и радостью. «Мать» (1932) воссоздаёт образ материнства, исполненный нежности и любви. Художник обращается также к темам спорта и авиации. В «Будущих лётчиках» (1937) фигурки мальчиков, наблюдающих полёт гидроплана, воплощают молодость и мечту о светлом будущем. Великая Отечественная война нашла отражение в полотнах «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 г.» (1941), «Оборона Севастополя» (1942). В 1930—50-е гг. Дейнека активно работал как скульптор, писал панно для международных выставок, выполнил мозаики для станций метро «Маяковская» (1938), «Новокузнецкая» (1940—43), мозаичные портреты учёных для нового здания МГУ им. М. В. Ломоносова (1947—53). Преподавал во Вхутеине (1928—30) и др. учебных заведениях. Живопись Дейнеки (особенно периода ОСТа) оказала влияние на творческие поиски художников «сурового стиля».
ДЕКÓР (от лат. decoro – украшаю), система украшения здания (фасада, интерьера) или изделия. Выступая в единстве с их объёмно-пространственной композицией, декор акцентирует конструктивные элементы или, наоборот, зрительно преобразует конструкцию, внося иные масштабные соотношения, ритм, колорит (декор в виде колонн трёх ордеров зрительно облегчает массивную арочную конструкцию Колизея; в барочных зданиях обильная лепнина, прерывистые линии карнизов, собранные в пучки колонны придают живописность гладкой стене).
ДЕКОРАТИ́ВНО-ПРИКЛАДНÓЕ ИСКУ́ССТВО, создание художественных изделий, имеющих практическое назначение (домашняя утварь, посуда, ткани, игрушки, украшения и др.), а также художественная обработка утилитарных предметов (мебели, одежды, оружия и т. д.). Мастера декоративно-прикладного искусства используют самые разнообразные материалы – металл (бронзу, серебро, золото, платину, различные сплавы), дерево, глину, стекло, камень, текстиль (натуральные и искусственные ткани) и др. Изготовление изделий из глины называют керамикой, из драгоценных металлов и камней – ювелирным искусством.
В процессе создания художественных произведений из металла используются техники литья, ковки, чеканки, гравирования; текстиль украшают вышивкой или набойкой (на ткань накладывают покрытую краской деревянную или медную доску и ударяют по ней специальным молотком, получая отпечаток); деревянные предметы – резьбой, инкрустациями и красочными росписями. Роспись керамической посуды называют вазописью.
Декоративно-прикладные изделия должны быть прежде всего удобны в использовании и красивы. Они создают предметную среду вокруг человека, воздействуя на его душевное состояние и настроение. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием, поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность обработки играют в нём важнейшую роль. В форме вазы, игрушки, предмета мебели, в системе их украшений мастер стремится выявить прозрачность стекла, пластичность глины, теплоту дерева и текстуру его поверхности, твёрдость камня и естественный рисунок его прожилок. При этом форма изделия может быть как абстрактной, так и напоминать цветок, дерево, фигуру человека или животного.
В украшениях широко применяются различные орнаменты. Часто именно декор превращает бытовой предмет в произведение искусства (хохломская чаша простой формы, расписанная яркими узорами по золоту; платье скромного фасона, украшенное вышивкой или кружевами). При этом очень важно, чтобы орнаменты и фигуративные изображения не противоречили форме изделия, а выявляли её. Так, в древнегреческих вазах узорные полосы отделяют тулово (центральную часть) от ножки и горловины, роспись тулова подчёркивает его выпуклость.
Декоративно-прикладное искусство существует с глубокой древности. Художественные изделия тесно связаны с бытовым укладом и обычаями определённой эпохи, народа или социальной группы (дворян, крестьян и т. д.). Уже первобытные мастера украшали резьбой и узорами посуду, изготавливали примитивные украшения из звериных клыков, раковин и камней. В этих предметах воплотились представления древних людей о красоте, о строении мира и о месте человека в нём. Традиции древнего искусства продолжают жить в фольклоре, в изделиях народных промыслов. В дальнейшем выделяется утварь для исполнения священных обрядов и предметы роскоши, призванные подчеркнуть богатство и властную силу своих владельцев. В этих изделиях использовались редкие, драгоценные материалы и богатый декор. Развитие промышленного производства в 19 в. позволило создавать произведения декоративно-прикладного искусства для массового потребителя. При этом замысел, эскиз росписи, форма для изготовления и т. д. принадлежали крупным мастерам, а готовые изделия тиражировались работниками фабрик и заводов (шпалеры по эскизам известных мастеров, изделия фарфоровых заводов и т. д.). Применение промышленных технологий положило начало искусству дизайна.
ДЕЛАКРУÁ (delacroix) Эжен (1798, Сен-Морис, близ Парижа – 1863, Париж), французский художник, один из самых ярких представителей романтизма. Родился в семье министра правительства Директории, получил классическое образование в Императорском лицее. Возможно, настоящим его отцом был знаменитый дипломат наполеоновской эпохи Талейран, который неизменно ему покровительствовал. Оставшись в 16 лет сиротой, Делакруа поступил в мастерскую П. Н. Герена, а затем в Школу изящных искусств (1817). Из современников художник высоко ценил Дж. Констебла, А. Гро, но считал себя последователем Т. Жерико. Первая картина, доставившая ему известность, – «Ладья Данте» (1822), написанная на сюжет «Божественной комедии», поразила современников страстной патетикой, мощью сумрачного света. На тему трагедии Дж. Н. Г. Байрона создано огромное полотно «Смерть Сарданапала» (1827), в котором изображён ассирийский правитель, повелевший сжечь себя на костре вместе с прекрасными рабынями. Влечение к могучим страстям – отличительная черта живописи Делакруа. Художника волновали события современной истории. Борьбе греков за национальную независимость посвящены картины «Резня на острове Хиос» и «Греция на развалинах Миссолунги» (обе – 1826). Сюжет картины «Свобода, ведущая народ» (1830—31) навеян революционным восстанием в Париже в июле 1830 г. В образе прекрасной женщины, олицетворяющей Свободу, художник нашёл пластическую формулу революционной Франции. Во время путешествия в Англию Делакруа был потрясён трагедиями Шекспира и в течение всей дальнейшей жизни обращался к сюжетам и персонажам великого драматурга («Гамлет», 1839; «Смерть Офелии», 1844; «Дездемона, проклинаемая отцом», 1852, и др.).
В 1830-х гг. Делакруа посетил Марокко, открыв для себя влекущий мир Арабского Востока, которому посвятил множество картин и зарисовок. В «Алжирских женщинах» (1833—34) перед европейским зрителем впервые предстал мир мусульманского гарема. Художник создал также серию портретов представителей творческой интеллигенции, многие из которых были его друзьями (портреты Н. Паганини, Ф. Шопена, Г. Берлиоза и др.).
В поздний период творчества художник исполнил несколько монументальных росписей: центральный плафон в галерее Аполлона в Лувре (1850); две грандиозные композиции в церкви Сен-Сюльпис в Париже (1861) – «Изгнание Илиодора из храма» и «Битва Иакова с ангелом». В последние годы жизни, в период господства реалистического направления во французской живописи, Делакруа по-прежнему оставался верен романтизму. В «Охоте на львов» (1854) тела зверей и людей извиваются, подобно языкам пламени, сплетаясь в смертельной схватке.
Художник был всесторонне одарён, обладал музыкальным и литературным талантом. Его дневники, статьи о художниках – интереснейшие документы эпохи. Его теоретические исследования законов цвета оказали огромное влияние на будущих импрессионистов и особенно на В. Ван Гога. Влияние Делакруа вышло далеко за пределы романтизма, оно ощутимо во всей французской живописи 19 в.
ДЕСЮДЕПÓРТ (франц. dessus de porte, буквально – над дверью), декоративное панно, расположенное над дверью (чаще всего живописное, реже скульптурное). Обрамление десюдепорта связывает его с общим лепным или резным деревянным оформлением дверного проёма. Десюдепорты широко применялись в отделке дворцовых интерьеров в Европе в 17–18 вв., в России – в 18 в.
Справа: Десюдепорт в зале Китайского дворца. Государственный музей-заповедник Ораниенбаум. Ломоносов
ДЖОКÓНДА, см. в ст.Леонардо да Винчи.
ДЖОРДЖÓНЕ (giorgione) (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) (1476 или 1477, Кастельфранко, близ Венеции – 1510, Венеция), итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения. В юности приехал в Венецию, где, по всей вероятности, учился у Джованни Беллини. Был близок к кругу венецианских гуманистов. Славился также как певец и музыкант. В 1507—08 гг. участвовал в украшении Дворца дожей, расписывал фресками Немецкое подворье в Венеции (сохранился фрагмент с изображением женской фигуры). Искусство Джорджоне обогатило венецианскую живопись новым пониманием проблем композиции, цвета и живописной фактуры, расширило круг её сюжетов.
Творческая деятельность художника продолжалась всего 10–12 лет. Не сохранилось ни одной подписанной картины Джорджоне; некоторые из его произведений известны только по копиям и гравюрам. Кисти художника предположительно приписывают такие произведения, как: «Мадонна да Кастельфранко» (ок. 1504—05 гг.); «Женский портрет» (т. н. «Лаура», 1506); «Портрет юноши», «Гроза», «Три философа» (все – 1505—06); «Спящая Венера», «Сельский концерт» (1509—10; некоторые историки искусства считают его работой Тициана), и др. Ранние произведения, исполненные до 1506 г., пронизаны поэтическим, созерцательным чувством. Природа в них – не фон для действия, а одушевлённое, живое существо. Джорджоне одним из первых в Венеции стал писать картины масляными красками, которые позволяли добиваться чистоты цвета и мягкого перехода тонов. Около 1505—06 гг. художник создал один из своих шедевров – «Юдифь». Юная и прекрасная девушка пробралась во вражеский лагерь и отрубила голову полководцу Олоферну, спасая свой народ. Она стоит в задумчивости, опираясь на меч, её нога попирает голову поверженного врага. Внимание зрителя привлекают не меч, не отрубленная голова Олоферна, а прежде всего фигура девушки с печально опущенными глазами на фоне предрассветного неба. В прозрачных голубых красках далёкого туманного гористого пейзажа ощущается утренний холодок.