Страница:
квартет, квинтет и т.д. Большие - бэнд (Band) или биг-бэнд (Big Band). Так
что, если с некоторых пор употреблялось слово "группа", то сразу было ясно,
что речь идет о рок-группе, о рок-музыке, а не о джазе. Помимо гитар в
рок-группы иногда добавлялся электроорган, а позднее - более совершенные
клавишные инструменты - синтезаторы. Кроме того, постепенно в рок-группах,
особенно направления джаз-рок, стали использоваться как отдельные духовые
(саксофоны, флейты), так и секции духовых инструментов, включая трубы и
тромбоны. Со временем стали вводить и различные перкашн (конго, бонги,
маракасы, бубны, маримбофоны, коубэллы, куики, шейкеры,табла и т. п.). И все
же, основным инструментом, определяющим образ рок-группы, осталась
электрогитара, постепенно менявшая свой звук за счет применения все новых и
новых моделей, технических эффектов, электронных устройств, преобразующих
сигнал, идущий со звукоснимателя на усилитель. Так вошли в употребление
"fuzz" и "distortion", "compressor" и "booster", "phaser" и "flanger",
различные эффекты задержки и повторения звука. Рок отделился от джаза,
сделавшись полностью электрифицированным. Для того чтобы озвучить
рок-группу, понадобились совершенно новые технические средства. Появились
мощные акустические системы, состоящие из многоканального пульта,
принимающего сигналы со всех инструментов и микрофонов на сцене и
"раздающего" усиленный звук на звуковые колонки, которые направлены в зал, а
также на специальные колонки - мониторы, стоящие перед исполнителями и
помогающие им слышать друг друга. Во второй половине 60-х вопрос применения
электроники был чуть ли не единственным критерием при определении
водораздела между джазом и рок-музыкой. Я прекрасно помню время, когда
джазовый по своей сути состав, применяющий бас-гитару вместо контрабаса,
клавишные вместо рояля или электрогитару с "примочками" вместо обычной
полуаккустической гитары, считали уже рок-группой. Позднее, когда за
электронику взялись такие гиганты джаза как Майлз Дэйвис, Джо Завинул, Хэрби
Хэнкок или Чик Кориа, все зто снивелировалось, получив другие названия.
Как показала дальнейшая практика, далеко не все ансамбли, имеющие
состав, номинально соответствующий тому, что стало принято считать
рок-группой, то есть внешне похожие на "группу", относятся к рок-музыке.
Одним из главных отличительных признаков рок-групп, по сравнению с
эстрадными гитарными ансамблями (или, как было принято в СССР называть их -
ВИА) является то, что авторами текстов, музыки и оркестровки выступают сами
исполнители. Это создает особую атмосферу сплоченности, стилистического
единства и смысловой целенаправленности. Поэтому весьма важным принципом
существования рок-группы стало относительное равноправие всех ее членов, что
обеспечило успешность метода коллективного творчества. Об этом говорят еще и
те факты, что у подавляющего большинства рок-групп в названии нет имени
руководителя. Каждая группа придумывала себе особое название. Если в
интервью с известными рок-группами журналисты пытались выяснить, кто же у
них главный, то обычно ответа не получали. Если в джазовой традиции малые
или большие составы назывались по имени лидера (например, "Оркестр Каунта
Бэйси" или "Трио Билла Эванса"), то в рок- традиции это стало лишь редким
исключением. Рок-культура, напротив, принесла с собой бесконечное
разнообразие названий групп, чего не было до этого в джазовой традиции.
Существует и много других примет для определения того, что же есть
рок-музыка в чистом виде, что - ее имитация, а что вообще не имеет к ней
никакого отношения. Критерии эти со временем трансформируются и нередко
носят субъективный характер. Мы же, касаясь чисто профессиональных вопросов
исполнительства и аранжировки, постараемся коротко проанализировать основные
отличительные черты рок-музыки, а также показать ее неразрывную связь с
окружающей музыкальной культурой. В рассуждениях, которые последуют, не
учитывается воздействие на рок тех явлений, которых мы еще не касались в
предыдущих статьях - негритянского фанки-соул и диско, панк-культуры и новой
волны, стилей евродиско и электро-поп, движения хип-хоп. Главным образом,
пока останемся в рамках "золотого века" рок-музыки - период 1966 - 1975
годов.
Говоря о ритмических особенностях рок-музыки, лучше всего прибегнуть к
сопоставлению с джазом - искусством, где впервые зародились профессиональные
понятия "драйв", "свинг" или "бит", где от музыканта требуется не просто
развитое чувство ритма. а наличие специфической эмоциональной энергии и
особого исполнительского чувства, а также умение передать все это слушателю.
В этом смысле джаз и рок подчиняются абсолютно одним и тем же законам и
требованиям. Но при наличии общих черт ритмика этих двух жанров во многом
различна. Среди специалистов утвердилось мнение. что джаз базируется на
свингующем ритме, имеющем в основе триольное деление четверти на две
неравные восьмые, а рок-музыка имеет в основе ровный ритм, так называемый
ритм "восемь восьмых". Это верно лишь в ряде случаев. На самом деле, как
показывает простой анализ, разница не в этом. В принципе, вся основа
ритм-энд-блюза и рок-н-ролла с самого начала была свинговой, триольной, то
есть абсолюто такой же, как в традиционном джазе. Но в 1959 году произошло
как-бы пресыщение свингом, причем одновременно и в джазе, и в поп-музыке.
Пионер джазового авангарда Орнетт Коулмен выпускает свою первую пластинку
"The Shape of Jazz to Come" с пьесами на "восемь-восьмых". А появившийся с
легкой руки Чабби Чеккера твист, а также шейк, вытесняют триольный
рок-н-ролл. Несколько позже такие джазмены, как Чарльз Ллойд, Хорэс Сильвер
и Эдди Хэррис также переходят на ритмическую основу "восемь восьмых". А в
сфере рок-музыки, особенно в стилях блюз-рок или хард-рок, музыканты
продолжают использовать и по-своему совершенствовать свинговый драйв,
который, правда, реализуется здесь несколько иным способом, чем в джазе. Так
что, на мой взгляд, джаз и рок разделяет не столько триольная ритмическая
концепция, сколько сама манера исполнения, моменты стиля, прежде всего, на
ударных и неразрывно связанных с ними инструментах ритм-группы.
В джазе, начиная с 40-х годов - со времени появления так называемых
"combo" (т. е. малых составов с комбинированным набором инструментов),
образовалось понятие "ритм-секция" (Rhythm-section). Как правило, это
означает совокупность исполнителей на таких инструментах, как ударные,
контрабас и фортепиано. На основе ритм-секции составляются квартеты,
квинтеты и секстеты, путем добавлением чаще всего духовых инструментов.
Функции трех участников ритм-секции были четко разделены, создавая вместе
ритмико-гармоническую фактуру, служившую опорой для изложения темы и
исполнения импровизаций. В оркестровых "тутти", когда все играют вместе,
аккомпанемент ритм-группы обычно фиксированный, записанный на ноты или
выученный. Но когда начинает играть солист-импровизатор, то здесь
ритм-группе дается полная свобода и допускается взаимодействие между ее
членами. Таким образом, аккомпанемент меняется в зависимости от того, что и
как играет импровизатор.
Что же представляет собой игра барабанщика в джазовом комбо, не важно,
в каком стиле, будь то современный свинг, би-боп или хард-боп? Ритмический
пульс достигается ударами палочки правой рукой по тарелке восьмыми (или
четвертями). Кроме того, используется звук закрывающегося хайхэта
(hi-hat)<<13>> на второй и четвертой долях. Удары левой рукой по
малому барабану и правой ногой по "бочке" (прошу извинить за жаргонное
обозначение большого барабана, принятое в среде джазменов и рок-музыкантов)
носят более или менее свободный характер. Таким образом, барабанщик
использует удары по малому и большому барабанам не монотонно, а лишь там,
где надо подчеркнуть фразу солиста, обострит ритм исполнением неожиданных
синкоп. Кстати, в старом довоенном свинге бочкой играли ровно, ударяя на
каждую четверть, держа ритм. В послевоенном модерн-джазе от этого
отказались, но монотонность ритма и игра бочкой на каждую четверть вернулась
уже в 70-х, в музыке "диско". Кроме бочки, малого барабана, хайхэта и
тарелок в ударной установке есть еще барабаны под названием "томы". Они
крепятся, главным образом, на подставке, высоко над бочкой и используются
для исполнения "сбивок" или "брэйков" (break), то есть специальных рисунков,
обычно завершающих какой-либо музыкальный отрезок, подчеркивающих крупные
элементы формы. Аккомпанирующая партия джазового баса, исполняемая на
акустическом контрабасе, выполняет ритмико-мелодическую функцию,
представляет собой регулярный ритмический рисунок, который строится по
принципу "опевания" нижних нот проходящих аккордов. Так называемый "гуляющий
бас"( Walkin' bass) - это мелодия, но состоящая в основном из ровных
нот-четвертей, которые должны абсолютно сливаться ритмически с игрой
барабанщика, иначе такое сочетание ритм-группой не назовешь.
Совершенно иной принцип тандема ударных и бас-гитары в традиционной
рок-группе. Техника игры рок-барабанщика в корне отличается от джазовой по
многим параметрам. Необходимость создания ровного, монотонного драйва,
продиктованная танцевальностью самого ритм-эн-блюза, привела к изменению
роли бочки и малого барабана, к изменению самого звука ударных инструментов.
Стали иными звукоизвлечение, настройка и озвучивание барабанов. Схема
простейшей партии ударных отражает главный принцип: бочка акцентирует
сильные доли, малый барабан - слабые. Ровные восьмые ноты исполняются на
хайхэте или тарелках. При этом звук из хайхэта извлекается ударом палочки в
правой руке, а не только при помощи закрывания его тарелок. Мастерство игры
рок-барабанщиков развивалось на основе этой схемы, в сторону ее усложнения,
за счет более изощренного использования бочки при подчеркивании синкоп. Игра
рок-музыкантов на бас-гитаре также отличается от игры на контрабасе в
джазовом комбо. Излюбленным приемом, сложившемся в блюз-роке или хард-роке,
является дублирование ритмического рисунка бочки, что создает усиленный
низкочастотный фундамент звучания всей оркестровки. Такие группы, как "Deeр
Рurрle", "Led Zeррelin", "Black Sabbath" или "Grand Funk Rail Road" ввели в
обиход особые приемы, по которым их сразу можно узнать. Наиболее яркий из
них состоит в том, что бас-гитара играет не аккомпанемент, а мелодическую
партию. С нею вместе ту же мелодию играют в унисон и гитары, в низком
регистре. Контрапунктом к этой мелодии является вокальная партия, то есть
сама песня. Это полифонический принцип, где никто не берет аккордов, так что
вертикальная<<14>> гармония отсутствует. Более того, нижняя,
басовая тема нередко бывает гораздо ярче, чем верхняя, вокальная. Она и
создает образ песни. Как пример здесь можно вспомнить песню "Black Dog"
группы "Led Zeррelin".
Говоря о принципиальной разнице в технике игры джазовых и
рок-барабанщиков, надо обратить внимание на принцип разложения ритмического
рисунка на различные инструменты. Джазовая техника исполнения коротких
"сбивок", брейков или длинных соло сводится, главным образом, к игре руками
по малому и том-барабанам, по тарелкам и хайхэту. Удары по бочке чаще всего
лишь завершают рисунки, сыгранные руками. Один из пионеров современной игры
на барабанах в джазе - Кенни Кларк - еще в 40-е годы получил прозвище "клук
моп" из-за того, что, показывая ученикам свою, революционную по тем
временам, систему игры брейков, он называл словом "клук" короткий пассаж
палочками по барабанам, а завершающий удар бочкой - "моп".
Рок-барабанщики применяют иную технику, где вместо двух рук для
исполнения того же рисунка используются рука и нога, т. е. малый барабан и
бочка. Освободившаяся правая рука ведет независимую, более ровную партию по
тарелке или хайхэту, лишь иногда принимая участие в более сложных
ритмических комбинациях из трех составляющих. Образно говоря, барабанщик при
такой технике играет как бы тремя руками. Позднее наиболее виртуозные
рок-исполнители стали использовать две бочки, чтобы играть одновременно
двумя ногами и двумя руками, что внесло еще большее разнообразие в технику
игры на ударных инструментах.
*.*
Касаясь гармонических особенностей рок-музыки, мы сталкиваемся с
огромным разнообразием подходов не только в различных ее направлениях, но и
у различных рок-групп. Когда я в начале 70-х годов, будучи уже довольно
опытным музыкантом, изучившим различные гармонические концепции,
применявшиеся в джазе, начал внимательно и не предвзято слушать все, что
накопилось к тому времени в рок-музыке, меня прежде всего поразила свежесть
и нестандартность гармонического мышления рок-композиторов. Совершенно
нелогичные для джазмена переходы из одного аккорда в другой поразили меня
своей новизной, а главное - красотой и простотой. Ведь к тому времени джаз
настолько усложнился гармонически, что стал похож на "игру в бисер" для
узкого круга посвященных. Даже несложная в гармоническом отношении музыка
"Deep Purple" или "Led Zeppelin" показалась откровением при ближайшем
рассмотрении. Ну, а когда я услышал "Tarkus" Эмерсона, "Pink Floyd", "Jethro
Tull" или "Procol Harum", то осознал, что появилась иная гармоническая
культура.
При всем многообразии подходов к гармонии как в джазе, так и в
рок-музыке, можно выделить один принцип, по которому можно разделить эти два
явления. Известно, что на гармонический строй джаза заметно повлияла
американская песенная культура, идущая от бродвейских мюзиклов,
кинопродукции Голливуда, издательской индустрии "Tin Рan Alley". Песни таких
выдающихся композиторов, как Джордж Гершвин, Ирвинг Берлин, Джером Керн,
Ричард Роджерс, Хоги Кармайкл и др., служили не одному поколению джазовых
исполнителей материалом для инструментальных обработок, постепенно став тем,
что называют словом "стандарт". Джазовый стандарт характерен богатством
гармоний, большим количеством модуляций, то есть уходов из основной
тональности, и, конечно, возвратом обратно в тонику. В джазе чаще всего
приход к основной тональности происходит путем смены аккордов на кварту
вверх, то есть - из доминанты - в тонику. В рок-музыке - наоборот. Начиная с
простых гармоний ритм-энд-блюза, кантри и рок-н-ролла, продолжая в рамках
фолк-рока, арт- и классик-рока, установился другой вектор смены аккордов.
Рок-музыка, с самого начала противопоставившая себя традициям мюзикла и
коммерческого джаза, впитала в себя гармонические идеи европейской
средневековой музыки, идущей от творчества бардов и менестрелей, идей
классического наследия, а также современного городского и сельского
фольклора. А для этих видов музыки более характерно совсем другое правило
разрешения аккордов, движения по квартам вниз, когда в тонику мы приходим не
через доминанту, а через субдоминанту. Как, например, в припеве песни
"Beatles" - "With a Little Help From My Friends". Мы видим движение из
седьмой пониженной ступени в четвертую (субдоминанту), а из субдоминанты в
тонику, по квартам вниз.
Уже во второй половине 60-х годов у некоторых рок-групп выявилась
гармоническая тенденция, привнесенная из классики и почти не наблюдавшаяся в
джазе. Речь идет о применении так называемых обращений, когда аккорд берется
таким образом, что его нижней нотой оказывается не главная ступень - тоника,
а любая другая, второстепенная ступень - третья, пятая, седьмая. Такое
обращение аккорда заметно меняет весь стиль музыки, особенно, когда нижняя
нота усилена звучанием низкого инструмента, скажем, бас-гитары. При смене
аккордов, в таком случае, линия баса делается более плавной, без больших
скачков. Наиболее ярко этот подход к гармонии проявился в музыке таких групп
как "Queen", "Procol Harum", "Yes". Что касается джазовой традиции, то
контрабас здесь обычно фиксирует внизу первую ступень каждого проходящего
аккорда, откуда при смене аккордов происходят характерные скачки на такие
интервалы, как кварты, сексты и тритоны.
Традиционное джазовое обозначение аккордов в виде букв с
дополнительными значками ( например, D - это "ре-мажор", Dm - "ре-минор",
Dm7 - "ре-минор септаккорд") постепенно сменилось, благодаря новому подходу,
на другое изображение. Аккорды стали записывать в виде дробей. Например, D/A
стало обозначать "ре-мажор", но с условием, что нижней нотой у него будет
"ля". При этом числитель обозначает саму функцию, знаменатель - нижнюю,
басовую ноту аккорда.
*.*
Хотелось бы коснуться еще одного важного различия между джазом и
рок-музыкой, состоящего в подходе к гармонии с позиций импровизаторов.
Главный способ импровизации - обыгрывание сменяющихся аккордов - всегда
доминировал в джазе. Профессионализм джазового импровизатора оценивается по
тому, насколько изощренно и разнообразно он может сочинять мелодии или
играть пассажи, не выходя за рамки постоянно сменяющейся гармонии. Время от
времени мир узнавал о новых принципах построения гармонии в джазе. В 1959
году одновременно появились две новые системы гармонического мышления -
политональная "гармолодика"<<15>> Орнетта Коулмена и
ладово-модальный принцип Майлза Дэйвиса. В 60-е годы развился авангардный
"фри-джаз", отменивший всякие гармонические правила. На заре своего
существования ритм-энд-блюз, блюз-рок а затем и хард-рок базировались на тех
же, что и в джазе, блюзовых гармонических принципах импровизации. Так же
обыгрывались смены аккордов, только самих аккордов было немного, всего три -
тоника, доминанта и субдоминанта. В конце сороковых - начале пятидесятых
годов Чарли Паркер, Диззи Гиллеспи и Телониус Монк изобрели бибоп - новую
сложную систему построения и обыгрывания гармоний, совершенно иной язык в
джазе. Дальнейшая трансформация бибопа в хард-боп до предела усложнила лицо
современного джаза, сделав его скорее изощренной забавой для профессионалов,
чем музыкой для среднего слушателя. Характерно, что рок-культура, всегда
тяготевшая к популярности, не восприняла богатого наследия хард-бопа, не
встала на путь усложнения гармоний и правил их обыгрывания. Гармоническое
богатство, накопленное в традиционном джазе, так и не перешло в рок-музыку.
Вместе с этим не привилось рок-исполнителям и искусство обыгрывания сложных
гармоний. Как это ни парадоксально, рок охотнее воспринял идеи
ладово-модального и авангардного джаза, игнорируя более ранние гармонические
традиции. Период начала формирования прогрессив-рока, 1966 - 1967 годы,
совпал с расцветом идей Джона Колтрэйна, с развитием авангардного фри-джаза,
с появлением ряда новых, ориентированных на молодежь джазовых составов,
таких как ансамбль Майлза Дэйвиса, Квинтет Джона Хэнди, Квартет Чарлза
Ллойда. Полная свобода от ритма и гармонии во фри-джазе, простота и
задушевность ладовой музыки привлекли рок-музыкантов гораздо больше, чем
би-боп, скованный строгими канонами и ставший к тому времени скорее школой
игры, чем искусством. Поэтому можно отметить влияние на рок скорее Дэйвиса и
Колтрэйна, чем Паркера или Монка.
Творчество выдающегося гитариста Джона Маклафлина-Махавишну, одного из
наиболее ярких представителей стиля джаз-рок и фьюжн, может служить ярким
примером. Живя в Лондоне, он был одним из ранних представителей британского
ритм-энд-блюза, общаясь с компанией Алексиса Корнера и Сирилл Дэйвиса. В то
послевоенное время в Англии, как и в СССР, многие музыканты получали
информацию из-за океана через эфир, через передачи "Голоса Америки" - "Music
USA", которые вел известный на весь мир комментатор Уиллис Коновер. Джон
Маклафлин, под неодобрительные замечания своих родственников постоянно
"ловил" ночами эти передачи. И вот однажды он услышал музыку Джона
Колтрэйна. По собственному его признанию, он был настолько поражен игрой
Колтрэйна, что решил перевести его саксофоновые пассажи в гитарную технику,
удивившись, почему никто до него до этого не додумался. Проделав сложнйшую
аналитическую работу, Маклафлин приобрел свою, неповторимую манеру игры на
гитаре.
*.*
Прогрессив-рок, с его новыми творческими задачами, с его пренебрежением
к поп-бизнесу, внес значительные изменения в представления у рок-музыкантов
о форме произведений. До середины 60-х годов продолжительность звучания
песни была стандартной: 3-4 минуты. Это диктовалось размером сингла и
требованием радиовещания, т. е. факторами, лежащими в основе поп-музыки.
Конструкция была предельно простой: куплет, припев, короткий проигрыш,
куплет и кода. Но такие группы, как "Pink Floyd", "King Crimson", "Emerson,
Lake and Рalmer", "Yes" и многие другие, игнорируя эти требования и
руководствуясь лишь своими художественными замыслами, начали значительно
усложнять форму. Это было не просто удлинение композиций за счет развернутых
соло, как в случае с группой "Cream" или "Jefferson Airрlane", а именно
усложнение самой формы, связанное с переходом к многочастности, с
увеличением роли инструментальной музыки и импровизационных эпизодов.
Стремление к серьезной тематике требовало использования различных контрастов
и нюансов, смены темпов и характера ритма в рамках одной пьесы и много
другого, почерпнутого из сферы выразительных средств камерной или
симфонической музыки. Постепенно в некоторых рок-композициях появились
размеры на 3/4, 5/4, 7/4, ( песня "Money" группы "Pink Floyd" ), а также
переменные, постоянно меняющиеся по ходу пьесы, размеры. Нередко в образцах
рок-музыки того периода можно встретить части, исполняющиеся без ритм-группы
и вообще без ритма, в свободном темпе, rubato, а также с замедлением или
ускорением. Все это было невозможным в обычном ритм-энд-блюзе и бит-музыке,
все это кануло в вечность с наступлением эры диско.
Отношение к принципам построения формы произведений во многом
определяет судьбу жанра. На мой взгляд, консерватизм джазовых
традиционалистов в отношении формы, а можеть быть, определенный снобизм и
замкнутость, привели к устареванию джаза вообще, к превращению его в
искусство прошлого, в классику. К концу 60-х годов в традиционных
направлениях джаза, представленных малыми составами, комбо, преобладала
такая форма построения пьес: вступление, оркестровое изложение темы,
несколько квадратов импровизации одного солиста, затем несколько квадратов
другого и третьего, потом игра солистов по четыре такта с барабанщиком,
затем снова тема и кода. Иногда между соло вставлялись "прокладки" - восьми-
шестнадцати-тактовые оркестровые туттийные части. Форма композиций,
предложенная джазовыми авангардистами и подхваченная некоторыми
рок-музыкантами, прежде всего освободила солиста от обязательного соблюдения
в импровизации тех же гармоний, что и в теме. Получив возможность выйти из
клетки квадрата,<<16>> а иногда и за рамки лада, не будучи
скованными психологически, солисты стали совершенно иначе выражать себя.
Пьеса, начавшись с одной темы, могла, после соло, перейти на другую, просто
закончиться или сойти на-нет. Нередко тема отсутствовала вообще, а главным
материалом пьесы становилась фактура, музыкальная ткань, состоящая из
хитросплетений ритмической основы и ряда подголосков. Усложнение формы и
удлинение произведений популярных рок-групп привело к изменению их стратегии
и тактики в поп-бизнесе. Многие группы стали отказываться от записи синглов,
ориентируясь на создание долгоиграющего альбома, представляющего собой
единое произведение. На какое-то время, связанное с популярностью
прогрессив-рока, значительно увеличилось количество L. Р. в хит-парадах,
роль синглов несколько снизилась.
В середине 70-х годов, когда наблюдался определенный спад интереса к
концептуальной рок-музыке, новое поколение слушателей и покупателей
пластинок оказалось сориентированным уже на иные формы коммерческого
искусства, замешанные, в основном, на диско. Многие прогрессивные группы
отошли в тень, став "классиками", другие вынуждены были стилистически
трансформироваться, часть групп просто распалась. Традицию поиска сложных,
необычных форм продолжили тогда наиболее яркие представители стиля "фьюжн"
(Fusion).
Рок проявился в таком разнообразии стилей и форм, какое, пожалуй, не
наблюдалось ранее ни в одном из видов музыкальной культуры, включая и такое
широко распространенное явление, как джаз. Этому способствовали, с одной
стороны, свобода от академических условностей, с другой - открытость по
отношению ко всем традиционным и современным видам искусства. Как говорилось
еще во введении, рок подразделяется на направления весьма условно, так как
музыка многих групп уже сама по себе содержит признаки разных стилей. С
другой стороны, нередко та или иная рок-группа является единственным
представителем собственного стиля, единственного и неповторимого. Да и можно
ли повторить "Pink Floyd", "King Crimson", "Doors", "Genesis", "Jethro Tull"
или "Led Zeррelin"?
Наиболее фанатичные приверженцы рок-музыки и ее ярые противники
сходятся в одном утверждении, что рок - это контр-культура, противопоставляя
рок-музыку всем другим жанрам. Чтобы внести ясность в этот вопрос, автору
будет необходимо показать, какой смысл вкладывается в понятие
что, если с некоторых пор употреблялось слово "группа", то сразу было ясно,
что речь идет о рок-группе, о рок-музыке, а не о джазе. Помимо гитар в
рок-группы иногда добавлялся электроорган, а позднее - более совершенные
клавишные инструменты - синтезаторы. Кроме того, постепенно в рок-группах,
особенно направления джаз-рок, стали использоваться как отдельные духовые
(саксофоны, флейты), так и секции духовых инструментов, включая трубы и
тромбоны. Со временем стали вводить и различные перкашн (конго, бонги,
маракасы, бубны, маримбофоны, коубэллы, куики, шейкеры,табла и т. п.). И все
же, основным инструментом, определяющим образ рок-группы, осталась
электрогитара, постепенно менявшая свой звук за счет применения все новых и
новых моделей, технических эффектов, электронных устройств, преобразующих
сигнал, идущий со звукоснимателя на усилитель. Так вошли в употребление
"fuzz" и "distortion", "compressor" и "booster", "phaser" и "flanger",
различные эффекты задержки и повторения звука. Рок отделился от джаза,
сделавшись полностью электрифицированным. Для того чтобы озвучить
рок-группу, понадобились совершенно новые технические средства. Появились
мощные акустические системы, состоящие из многоканального пульта,
принимающего сигналы со всех инструментов и микрофонов на сцене и
"раздающего" усиленный звук на звуковые колонки, которые направлены в зал, а
также на специальные колонки - мониторы, стоящие перед исполнителями и
помогающие им слышать друг друга. Во второй половине 60-х вопрос применения
электроники был чуть ли не единственным критерием при определении
водораздела между джазом и рок-музыкой. Я прекрасно помню время, когда
джазовый по своей сути состав, применяющий бас-гитару вместо контрабаса,
клавишные вместо рояля или электрогитару с "примочками" вместо обычной
полуаккустической гитары, считали уже рок-группой. Позднее, когда за
электронику взялись такие гиганты джаза как Майлз Дэйвис, Джо Завинул, Хэрби
Хэнкок или Чик Кориа, все зто снивелировалось, получив другие названия.
Как показала дальнейшая практика, далеко не все ансамбли, имеющие
состав, номинально соответствующий тому, что стало принято считать
рок-группой, то есть внешне похожие на "группу", относятся к рок-музыке.
Одним из главных отличительных признаков рок-групп, по сравнению с
эстрадными гитарными ансамблями (или, как было принято в СССР называть их -
ВИА) является то, что авторами текстов, музыки и оркестровки выступают сами
исполнители. Это создает особую атмосферу сплоченности, стилистического
единства и смысловой целенаправленности. Поэтому весьма важным принципом
существования рок-группы стало относительное равноправие всех ее членов, что
обеспечило успешность метода коллективного творчества. Об этом говорят еще и
те факты, что у подавляющего большинства рок-групп в названии нет имени
руководителя. Каждая группа придумывала себе особое название. Если в
интервью с известными рок-группами журналисты пытались выяснить, кто же у
них главный, то обычно ответа не получали. Если в джазовой традиции малые
или большие составы назывались по имени лидера (например, "Оркестр Каунта
Бэйси" или "Трио Билла Эванса"), то в рок- традиции это стало лишь редким
исключением. Рок-культура, напротив, принесла с собой бесконечное
разнообразие названий групп, чего не было до этого в джазовой традиции.
Существует и много других примет для определения того, что же есть
рок-музыка в чистом виде, что - ее имитация, а что вообще не имеет к ней
никакого отношения. Критерии эти со временем трансформируются и нередко
носят субъективный характер. Мы же, касаясь чисто профессиональных вопросов
исполнительства и аранжировки, постараемся коротко проанализировать основные
отличительные черты рок-музыки, а также показать ее неразрывную связь с
окружающей музыкальной культурой. В рассуждениях, которые последуют, не
учитывается воздействие на рок тех явлений, которых мы еще не касались в
предыдущих статьях - негритянского фанки-соул и диско, панк-культуры и новой
волны, стилей евродиско и электро-поп, движения хип-хоп. Главным образом,
пока останемся в рамках "золотого века" рок-музыки - период 1966 - 1975
годов.
Говоря о ритмических особенностях рок-музыки, лучше всего прибегнуть к
сопоставлению с джазом - искусством, где впервые зародились профессиональные
понятия "драйв", "свинг" или "бит", где от музыканта требуется не просто
развитое чувство ритма. а наличие специфической эмоциональной энергии и
особого исполнительского чувства, а также умение передать все это слушателю.
В этом смысле джаз и рок подчиняются абсолютно одним и тем же законам и
требованиям. Но при наличии общих черт ритмика этих двух жанров во многом
различна. Среди специалистов утвердилось мнение. что джаз базируется на
свингующем ритме, имеющем в основе триольное деление четверти на две
неравные восьмые, а рок-музыка имеет в основе ровный ритм, так называемый
ритм "восемь восьмых". Это верно лишь в ряде случаев. На самом деле, как
показывает простой анализ, разница не в этом. В принципе, вся основа
ритм-энд-блюза и рок-н-ролла с самого начала была свинговой, триольной, то
есть абсолюто такой же, как в традиционном джазе. Но в 1959 году произошло
как-бы пресыщение свингом, причем одновременно и в джазе, и в поп-музыке.
Пионер джазового авангарда Орнетт Коулмен выпускает свою первую пластинку
"The Shape of Jazz to Come" с пьесами на "восемь-восьмых". А появившийся с
легкой руки Чабби Чеккера твист, а также шейк, вытесняют триольный
рок-н-ролл. Несколько позже такие джазмены, как Чарльз Ллойд, Хорэс Сильвер
и Эдди Хэррис также переходят на ритмическую основу "восемь восьмых". А в
сфере рок-музыки, особенно в стилях блюз-рок или хард-рок, музыканты
продолжают использовать и по-своему совершенствовать свинговый драйв,
который, правда, реализуется здесь несколько иным способом, чем в джазе. Так
что, на мой взгляд, джаз и рок разделяет не столько триольная ритмическая
концепция, сколько сама манера исполнения, моменты стиля, прежде всего, на
ударных и неразрывно связанных с ними инструментах ритм-группы.
В джазе, начиная с 40-х годов - со времени появления так называемых
"combo" (т. е. малых составов с комбинированным набором инструментов),
образовалось понятие "ритм-секция" (Rhythm-section). Как правило, это
означает совокупность исполнителей на таких инструментах, как ударные,
контрабас и фортепиано. На основе ритм-секции составляются квартеты,
квинтеты и секстеты, путем добавлением чаще всего духовых инструментов.
Функции трех участников ритм-секции были четко разделены, создавая вместе
ритмико-гармоническую фактуру, служившую опорой для изложения темы и
исполнения импровизаций. В оркестровых "тутти", когда все играют вместе,
аккомпанемент ритм-группы обычно фиксированный, записанный на ноты или
выученный. Но когда начинает играть солист-импровизатор, то здесь
ритм-группе дается полная свобода и допускается взаимодействие между ее
членами. Таким образом, аккомпанемент меняется в зависимости от того, что и
как играет импровизатор.
Что же представляет собой игра барабанщика в джазовом комбо, не важно,
в каком стиле, будь то современный свинг, би-боп или хард-боп? Ритмический
пульс достигается ударами палочки правой рукой по тарелке восьмыми (или
четвертями). Кроме того, используется звук закрывающегося хайхэта
(hi-hat)<<13>> на второй и четвертой долях. Удары левой рукой по
малому барабану и правой ногой по "бочке" (прошу извинить за жаргонное
обозначение большого барабана, принятое в среде джазменов и рок-музыкантов)
носят более или менее свободный характер. Таким образом, барабанщик
использует удары по малому и большому барабанам не монотонно, а лишь там,
где надо подчеркнуть фразу солиста, обострит ритм исполнением неожиданных
синкоп. Кстати, в старом довоенном свинге бочкой играли ровно, ударяя на
каждую четверть, держа ритм. В послевоенном модерн-джазе от этого
отказались, но монотонность ритма и игра бочкой на каждую четверть вернулась
уже в 70-х, в музыке "диско". Кроме бочки, малого барабана, хайхэта и
тарелок в ударной установке есть еще барабаны под названием "томы". Они
крепятся, главным образом, на подставке, высоко над бочкой и используются
для исполнения "сбивок" или "брэйков" (break), то есть специальных рисунков,
обычно завершающих какой-либо музыкальный отрезок, подчеркивающих крупные
элементы формы. Аккомпанирующая партия джазового баса, исполняемая на
акустическом контрабасе, выполняет ритмико-мелодическую функцию,
представляет собой регулярный ритмический рисунок, который строится по
принципу "опевания" нижних нот проходящих аккордов. Так называемый "гуляющий
бас"( Walkin' bass) - это мелодия, но состоящая в основном из ровных
нот-четвертей, которые должны абсолютно сливаться ритмически с игрой
барабанщика, иначе такое сочетание ритм-группой не назовешь.
Совершенно иной принцип тандема ударных и бас-гитары в традиционной
рок-группе. Техника игры рок-барабанщика в корне отличается от джазовой по
многим параметрам. Необходимость создания ровного, монотонного драйва,
продиктованная танцевальностью самого ритм-эн-блюза, привела к изменению
роли бочки и малого барабана, к изменению самого звука ударных инструментов.
Стали иными звукоизвлечение, настройка и озвучивание барабанов. Схема
простейшей партии ударных отражает главный принцип: бочка акцентирует
сильные доли, малый барабан - слабые. Ровные восьмые ноты исполняются на
хайхэте или тарелках. При этом звук из хайхэта извлекается ударом палочки в
правой руке, а не только при помощи закрывания его тарелок. Мастерство игры
рок-барабанщиков развивалось на основе этой схемы, в сторону ее усложнения,
за счет более изощренного использования бочки при подчеркивании синкоп. Игра
рок-музыкантов на бас-гитаре также отличается от игры на контрабасе в
джазовом комбо. Излюбленным приемом, сложившемся в блюз-роке или хард-роке,
является дублирование ритмического рисунка бочки, что создает усиленный
низкочастотный фундамент звучания всей оркестровки. Такие группы, как "Deeр
Рurрle", "Led Zeррelin", "Black Sabbath" или "Grand Funk Rail Road" ввели в
обиход особые приемы, по которым их сразу можно узнать. Наиболее яркий из
них состоит в том, что бас-гитара играет не аккомпанемент, а мелодическую
партию. С нею вместе ту же мелодию играют в унисон и гитары, в низком
регистре. Контрапунктом к этой мелодии является вокальная партия, то есть
сама песня. Это полифонический принцип, где никто не берет аккордов, так что
вертикальная<<14>> гармония отсутствует. Более того, нижняя,
басовая тема нередко бывает гораздо ярче, чем верхняя, вокальная. Она и
создает образ песни. Как пример здесь можно вспомнить песню "Black Dog"
группы "Led Zeррelin".
Говоря о принципиальной разнице в технике игры джазовых и
рок-барабанщиков, надо обратить внимание на принцип разложения ритмического
рисунка на различные инструменты. Джазовая техника исполнения коротких
"сбивок", брейков или длинных соло сводится, главным образом, к игре руками
по малому и том-барабанам, по тарелкам и хайхэту. Удары по бочке чаще всего
лишь завершают рисунки, сыгранные руками. Один из пионеров современной игры
на барабанах в джазе - Кенни Кларк - еще в 40-е годы получил прозвище "клук
моп" из-за того, что, показывая ученикам свою, революционную по тем
временам, систему игры брейков, он называл словом "клук" короткий пассаж
палочками по барабанам, а завершающий удар бочкой - "моп".
Рок-барабанщики применяют иную технику, где вместо двух рук для
исполнения того же рисунка используются рука и нога, т. е. малый барабан и
бочка. Освободившаяся правая рука ведет независимую, более ровную партию по
тарелке или хайхэту, лишь иногда принимая участие в более сложных
ритмических комбинациях из трех составляющих. Образно говоря, барабанщик при
такой технике играет как бы тремя руками. Позднее наиболее виртуозные
рок-исполнители стали использовать две бочки, чтобы играть одновременно
двумя ногами и двумя руками, что внесло еще большее разнообразие в технику
игры на ударных инструментах.
*.*
Касаясь гармонических особенностей рок-музыки, мы сталкиваемся с
огромным разнообразием подходов не только в различных ее направлениях, но и
у различных рок-групп. Когда я в начале 70-х годов, будучи уже довольно
опытным музыкантом, изучившим различные гармонические концепции,
применявшиеся в джазе, начал внимательно и не предвзято слушать все, что
накопилось к тому времени в рок-музыке, меня прежде всего поразила свежесть
и нестандартность гармонического мышления рок-композиторов. Совершенно
нелогичные для джазмена переходы из одного аккорда в другой поразили меня
своей новизной, а главное - красотой и простотой. Ведь к тому времени джаз
настолько усложнился гармонически, что стал похож на "игру в бисер" для
узкого круга посвященных. Даже несложная в гармоническом отношении музыка
"Deep Purple" или "Led Zeppelin" показалась откровением при ближайшем
рассмотрении. Ну, а когда я услышал "Tarkus" Эмерсона, "Pink Floyd", "Jethro
Tull" или "Procol Harum", то осознал, что появилась иная гармоническая
культура.
При всем многообразии подходов к гармонии как в джазе, так и в
рок-музыке, можно выделить один принцип, по которому можно разделить эти два
явления. Известно, что на гармонический строй джаза заметно повлияла
американская песенная культура, идущая от бродвейских мюзиклов,
кинопродукции Голливуда, издательской индустрии "Tin Рan Alley". Песни таких
выдающихся композиторов, как Джордж Гершвин, Ирвинг Берлин, Джером Керн,
Ричард Роджерс, Хоги Кармайкл и др., служили не одному поколению джазовых
исполнителей материалом для инструментальных обработок, постепенно став тем,
что называют словом "стандарт". Джазовый стандарт характерен богатством
гармоний, большим количеством модуляций, то есть уходов из основной
тональности, и, конечно, возвратом обратно в тонику. В джазе чаще всего
приход к основной тональности происходит путем смены аккордов на кварту
вверх, то есть - из доминанты - в тонику. В рок-музыке - наоборот. Начиная с
простых гармоний ритм-энд-блюза, кантри и рок-н-ролла, продолжая в рамках
фолк-рока, арт- и классик-рока, установился другой вектор смены аккордов.
Рок-музыка, с самого начала противопоставившая себя традициям мюзикла и
коммерческого джаза, впитала в себя гармонические идеи европейской
средневековой музыки, идущей от творчества бардов и менестрелей, идей
классического наследия, а также современного городского и сельского
фольклора. А для этих видов музыки более характерно совсем другое правило
разрешения аккордов, движения по квартам вниз, когда в тонику мы приходим не
через доминанту, а через субдоминанту. Как, например, в припеве песни
"Beatles" - "With a Little Help From My Friends". Мы видим движение из
седьмой пониженной ступени в четвертую (субдоминанту), а из субдоминанты в
тонику, по квартам вниз.
Уже во второй половине 60-х годов у некоторых рок-групп выявилась
гармоническая тенденция, привнесенная из классики и почти не наблюдавшаяся в
джазе. Речь идет о применении так называемых обращений, когда аккорд берется
таким образом, что его нижней нотой оказывается не главная ступень - тоника,
а любая другая, второстепенная ступень - третья, пятая, седьмая. Такое
обращение аккорда заметно меняет весь стиль музыки, особенно, когда нижняя
нота усилена звучанием низкого инструмента, скажем, бас-гитары. При смене
аккордов, в таком случае, линия баса делается более плавной, без больших
скачков. Наиболее ярко этот подход к гармонии проявился в музыке таких групп
как "Queen", "Procol Harum", "Yes". Что касается джазовой традиции, то
контрабас здесь обычно фиксирует внизу первую ступень каждого проходящего
аккорда, откуда при смене аккордов происходят характерные скачки на такие
интервалы, как кварты, сексты и тритоны.
Традиционное джазовое обозначение аккордов в виде букв с
дополнительными значками ( например, D - это "ре-мажор", Dm - "ре-минор",
Dm7 - "ре-минор септаккорд") постепенно сменилось, благодаря новому подходу,
на другое изображение. Аккорды стали записывать в виде дробей. Например, D/A
стало обозначать "ре-мажор", но с условием, что нижней нотой у него будет
"ля". При этом числитель обозначает саму функцию, знаменатель - нижнюю,
басовую ноту аккорда.
*.*
Хотелось бы коснуться еще одного важного различия между джазом и
рок-музыкой, состоящего в подходе к гармонии с позиций импровизаторов.
Главный способ импровизации - обыгрывание сменяющихся аккордов - всегда
доминировал в джазе. Профессионализм джазового импровизатора оценивается по
тому, насколько изощренно и разнообразно он может сочинять мелодии или
играть пассажи, не выходя за рамки постоянно сменяющейся гармонии. Время от
времени мир узнавал о новых принципах построения гармонии в джазе. В 1959
году одновременно появились две новые системы гармонического мышления -
политональная "гармолодика"<<15>> Орнетта Коулмена и
ладово-модальный принцип Майлза Дэйвиса. В 60-е годы развился авангардный
"фри-джаз", отменивший всякие гармонические правила. На заре своего
существования ритм-энд-блюз, блюз-рок а затем и хард-рок базировались на тех
же, что и в джазе, блюзовых гармонических принципах импровизации. Так же
обыгрывались смены аккордов, только самих аккордов было немного, всего три -
тоника, доминанта и субдоминанта. В конце сороковых - начале пятидесятых
годов Чарли Паркер, Диззи Гиллеспи и Телониус Монк изобрели бибоп - новую
сложную систему построения и обыгрывания гармоний, совершенно иной язык в
джазе. Дальнейшая трансформация бибопа в хард-боп до предела усложнила лицо
современного джаза, сделав его скорее изощренной забавой для профессионалов,
чем музыкой для среднего слушателя. Характерно, что рок-культура, всегда
тяготевшая к популярности, не восприняла богатого наследия хард-бопа, не
встала на путь усложнения гармоний и правил их обыгрывания. Гармоническое
богатство, накопленное в традиционном джазе, так и не перешло в рок-музыку.
Вместе с этим не привилось рок-исполнителям и искусство обыгрывания сложных
гармоний. Как это ни парадоксально, рок охотнее воспринял идеи
ладово-модального и авангардного джаза, игнорируя более ранние гармонические
традиции. Период начала формирования прогрессив-рока, 1966 - 1967 годы,
совпал с расцветом идей Джона Колтрэйна, с развитием авангардного фри-джаза,
с появлением ряда новых, ориентированных на молодежь джазовых составов,
таких как ансамбль Майлза Дэйвиса, Квинтет Джона Хэнди, Квартет Чарлза
Ллойда. Полная свобода от ритма и гармонии во фри-джазе, простота и
задушевность ладовой музыки привлекли рок-музыкантов гораздо больше, чем
би-боп, скованный строгими канонами и ставший к тому времени скорее школой
игры, чем искусством. Поэтому можно отметить влияние на рок скорее Дэйвиса и
Колтрэйна, чем Паркера или Монка.
Творчество выдающегося гитариста Джона Маклафлина-Махавишну, одного из
наиболее ярких представителей стиля джаз-рок и фьюжн, может служить ярким
примером. Живя в Лондоне, он был одним из ранних представителей британского
ритм-энд-блюза, общаясь с компанией Алексиса Корнера и Сирилл Дэйвиса. В то
послевоенное время в Англии, как и в СССР, многие музыканты получали
информацию из-за океана через эфир, через передачи "Голоса Америки" - "Music
USA", которые вел известный на весь мир комментатор Уиллис Коновер. Джон
Маклафлин, под неодобрительные замечания своих родственников постоянно
"ловил" ночами эти передачи. И вот однажды он услышал музыку Джона
Колтрэйна. По собственному его признанию, он был настолько поражен игрой
Колтрэйна, что решил перевести его саксофоновые пассажи в гитарную технику,
удивившись, почему никто до него до этого не додумался. Проделав сложнйшую
аналитическую работу, Маклафлин приобрел свою, неповторимую манеру игры на
гитаре.
*.*
Прогрессив-рок, с его новыми творческими задачами, с его пренебрежением
к поп-бизнесу, внес значительные изменения в представления у рок-музыкантов
о форме произведений. До середины 60-х годов продолжительность звучания
песни была стандартной: 3-4 минуты. Это диктовалось размером сингла и
требованием радиовещания, т. е. факторами, лежащими в основе поп-музыки.
Конструкция была предельно простой: куплет, припев, короткий проигрыш,
куплет и кода. Но такие группы, как "Pink Floyd", "King Crimson", "Emerson,
Lake and Рalmer", "Yes" и многие другие, игнорируя эти требования и
руководствуясь лишь своими художественными замыслами, начали значительно
усложнять форму. Это было не просто удлинение композиций за счет развернутых
соло, как в случае с группой "Cream" или "Jefferson Airрlane", а именно
усложнение самой формы, связанное с переходом к многочастности, с
увеличением роли инструментальной музыки и импровизационных эпизодов.
Стремление к серьезной тематике требовало использования различных контрастов
и нюансов, смены темпов и характера ритма в рамках одной пьесы и много
другого, почерпнутого из сферы выразительных средств камерной или
симфонической музыки. Постепенно в некоторых рок-композициях появились
размеры на 3/4, 5/4, 7/4, ( песня "Money" группы "Pink Floyd" ), а также
переменные, постоянно меняющиеся по ходу пьесы, размеры. Нередко в образцах
рок-музыки того периода можно встретить части, исполняющиеся без ритм-группы
и вообще без ритма, в свободном темпе, rubato, а также с замедлением или
ускорением. Все это было невозможным в обычном ритм-энд-блюзе и бит-музыке,
все это кануло в вечность с наступлением эры диско.
Отношение к принципам построения формы произведений во многом
определяет судьбу жанра. На мой взгляд, консерватизм джазовых
традиционалистов в отношении формы, а можеть быть, определенный снобизм и
замкнутость, привели к устареванию джаза вообще, к превращению его в
искусство прошлого, в классику. К концу 60-х годов в традиционных
направлениях джаза, представленных малыми составами, комбо, преобладала
такая форма построения пьес: вступление, оркестровое изложение темы,
несколько квадратов импровизации одного солиста, затем несколько квадратов
другого и третьего, потом игра солистов по четыре такта с барабанщиком,
затем снова тема и кода. Иногда между соло вставлялись "прокладки" - восьми-
шестнадцати-тактовые оркестровые туттийные части. Форма композиций,
предложенная джазовыми авангардистами и подхваченная некоторыми
рок-музыкантами, прежде всего освободила солиста от обязательного соблюдения
в импровизации тех же гармоний, что и в теме. Получив возможность выйти из
клетки квадрата,<<16>> а иногда и за рамки лада, не будучи
скованными психологически, солисты стали совершенно иначе выражать себя.
Пьеса, начавшись с одной темы, могла, после соло, перейти на другую, просто
закончиться или сойти на-нет. Нередко тема отсутствовала вообще, а главным
материалом пьесы становилась фактура, музыкальная ткань, состоящая из
хитросплетений ритмической основы и ряда подголосков. Усложнение формы и
удлинение произведений популярных рок-групп привело к изменению их стратегии
и тактики в поп-бизнесе. Многие группы стали отказываться от записи синглов,
ориентируясь на создание долгоиграющего альбома, представляющего собой
единое произведение. На какое-то время, связанное с популярностью
прогрессив-рока, значительно увеличилось количество L. Р. в хит-парадах,
роль синглов несколько снизилась.
В середине 70-х годов, когда наблюдался определенный спад интереса к
концептуальной рок-музыке, новое поколение слушателей и покупателей
пластинок оказалось сориентированным уже на иные формы коммерческого
искусства, замешанные, в основном, на диско. Многие прогрессивные группы
отошли в тень, став "классиками", другие вынуждены были стилистически
трансформироваться, часть групп просто распалась. Традицию поиска сложных,
необычных форм продолжили тогда наиболее яркие представители стиля "фьюжн"
(Fusion).
Рок проявился в таком разнообразии стилей и форм, какое, пожалуй, не
наблюдалось ранее ни в одном из видов музыкальной культуры, включая и такое
широко распространенное явление, как джаз. Этому способствовали, с одной
стороны, свобода от академических условностей, с другой - открытость по
отношению ко всем традиционным и современным видам искусства. Как говорилось
еще во введении, рок подразделяется на направления весьма условно, так как
музыка многих групп уже сама по себе содержит признаки разных стилей. С
другой стороны, нередко та или иная рок-группа является единственным
представителем собственного стиля, единственного и неповторимого. Да и можно
ли повторить "Pink Floyd", "King Crimson", "Doors", "Genesis", "Jethro Tull"
или "Led Zeррelin"?
Наиболее фанатичные приверженцы рок-музыки и ее ярые противники
сходятся в одном утверждении, что рок - это контр-культура, противопоставляя
рок-музыку всем другим жанрам. Чтобы внести ясность в этот вопрос, автору
будет необходимо показать, какой смысл вкладывается в понятие