Страница:
Большое влияние на Дебюсси оказали великие русские композиторы Римский-Корсаков, Балакирев, Мусоргский. Их творчество стало для него примером новаторского использования национальных музыкальных традиций.
Искусство Дебюсси необыкновенно многогранно. Он создавал поэтичные и яркие пейзажные зарисовки (пьесы «Ветер на равнине», «Сады под дождем» и др.), жанровые композиции (оркестровая сюита «Иберия»), лирические миниатюры (песни, романсы), дифирамбические поэмы («Остров радости»), символические драмы («Пеллеас и Мелизанда»).
В числе лучших произведений Дебюсси – «Послеполуденный отдых фавна», в котором в полную силу проявилось колористическое мастерство автора. Произведение изобилует необыкновенно тонкими тембровыми оттенками, в создании которых большое участие принимают деревянные духовые инструменты. Слушатель словно погружается в пронизанную жаркими солнечными лучами атмосферу чудесного летнего дня. «Послеполуденный отдых фавна» показывает вариант симфонизма, характерный для большинства произведений Дебюсси. Музыке композитора свойственны колористическое изящество, тончайшая звукопись жанровых сцен и изображений природы.
Большой интерес представляют также «Ноктюрны» (1897 – 1899), состоящие из трех частей («Облака», «Празднества», «Сирены»). В импрессионистических «Облаках» отразилось представление музыканта о небе, покрытом грозовыми облаками над Сеной, а «Празднества» навеяны воспоминаниями о народных гуляньях в Булонском лесу. Партитура первой части «Ноктюрнов» изобилует колористическими сопоставлениями, создающими впечатление мерцающих световых бликов, пробивающих себе дорогу сквозь тучи. В отличие от этой проникнутой созерцательностью картины «Празднества» рисуют слушателю веселую сцену, наполненную мелодиями звучащих вдали песен и танцев, завершающуюся звуками приближающегося праздничного шествия.
Но наиболее полно импрессионистические принципы выразились в третьем ноктюрне – «Сиренах». Картина представляет море в серебристом лунном свете, нежные голоса сирен, раздающиеся откуда-то издалека. Партитура этого произведения более колоритна, чем две предыдущие, но она и самая статичная из них.
В 1902 году Дебюсси завершил работу над оперой «Пеллеас и Мелизанда», в основу которой была положена пьеса бельгийского драматурга и поэта-символиста М. Метерлинка. Чтобы передать тончайшие оттенки человеческих переживаний, композитор построил произведения на едва уловимых нюансах и необыкновенно легких акцентах. Он воспользовался ариозно-речитативной мелодией, лишенной контрастов, даже в самые драматические моменты не выходящей за рамки спокойной повествовательности. Музыке свойственны ровные ритмы, плавные движения мелодии, что придает вокальной партии оттенок камерности.
Оркестровые эпизоды в опере невелики, но тем не менее играют значительную роль в ходе действия, как бы досказывая содержание предыдущей картины и подготавливая слушателя к следующей. Оркестровка поражает богатством красочных переливов, она помогает создать нужное настроение, передать самые трудноуловимые движения чувств.
Символистской драме Метерлинка присуще ощущение пессимизма и обреченности. Пьеса, так же как и опера Дебюсси, передает умонастроения некоторой части современников композитора и поэта. Это явление охарактеризовал в 1907 году Р. Роллан: «Атмосфера, в которой развивается драма Метерлинка, – это усталая покорность, отдающая волю к жизни во власть рока. Ничто не может ничего изменить в порядке событий. Наперекор иллюзиям человеческой гордыни, мнящей себя господином, неведомые и непреодолимые силы определяют от начала до конца трагическую комедию жизни. Никто не ответствен за то, чего хочет, за то, что любит... Живут и умирают, не зная зачем. Фатализм этот, отражающий усталость духовной аристократии Европы, был чудесно передан музыкой Дебюсси, которая прибавила к нему свою собственную поэзию и чувственное очарование, сделавшие его еще более заразительным и непреодолимым».
Лучшая оркестровая работа Дебюсси – «Море», написанная в 1903 – 1905 годах у моря, где композитор пребывал в летние месяцы. Произведение состоит из трех симфонических эскизов. Отказавшись от эмоциональных романтических зарисовок, Дебюсси создал настоящую «натурную» картину, основанную на звукозаписи стихии моря. «Море» восхищает слушателя своим красочным богатством и выразительностью. Здесь композитор вновь обратился к импрессионистическим приемам передачи непосредственных впечатлений, и ему удалось показать изменчивость морской стихии, спокойной и тихой или разгневанной и бурной.
В 1908 году Дебюсси написал партитуру «Иберии», вошедшую в трехчастный симфонический цикл «Образы» (1906 – 1912). Две другие его части носят названия «Печальные жиги» и «Весенние хороводы». В «Иберии» отразился интерес музыканта к испанской теме, волновавшей воображение и других французских композиторов.
Партитура произведения состоит из трех частей – «На улицах и дорогах», «Ароматы ночи», «Утро праздничного дня». Создавая их, Дебюсси использовал ритмы и интонации народного музыкального искусства. «Иберия» – одно из самых радостных и жизнеутверждающих произведений французского музыканта.
В этот период композитор написал и целый ряд замечательных вокальных работ, в том числе «Три баллады Франсуа Вийона» (1910), мистерию «Мученичество святого Себастьяна» (1911).
Значительное место в творчестве Дебюсси отведено музыке для фортепиано. В основном это небольшие пьесы, отличающиеся жанровостью, картинностью, а иногда – программностью. Уже в раннем фортепианном произведении музыканта, «Бергамасской сюите» (1890), где еще чувствуется связь с академическими традициями, ощущается необыкновенная красочность – качество, выделяющее Дебюсси из числа других композиторов.
Особенно хорош «Остров радости» (1904) – самая крупная фортепианная работа Дебюсси. Ее живая, энергичная музыка заставляет слушателя почувствовать брызги морской волны, увидеть веселые танцы и праздничные шествия.
В 1908 году композитор написал альбом «Детский уголок», включающий ряд нетрудных пьес, интересных не только для детей, но и для взрослых.
Но настоящим шедевром фортепианного творчества музыканта стали двадцать четыре прелюдии (первая тетрадь появилась в 1910, вторая – в 1913 году). Автор объединил в них пейзажи, картины-настроения, жанровые сцены. О содержании прелюдий говорят уже их названия: «Ветер на равнине», «Холмы Анакапри», «Ароматы и звуки реют в вечернем воздухе», «Прерванная серенада», «Фейерверк», «Девушка с волосами цвета льна». Дебюсси виртуозно передает не только картины природы или конкретные сцены, например фейерверк, но и рисует верные психологические портреты. Прелюдии, быстро вошедшие в репертуар самых известных пейзажистов, интересны еще и тем, что содержат сюжеты и фрагменты из других произведений композитора.
В 1915 году появились «Двенадцать этюдов для фортепиано» Дебюсси, в которых автор ставит перед исполнителями новые задачи. Каждый отдельный этюд раскрывает конкретную техническую проблему.
В творческом наследии композитора есть и несколько произведений для камерного ансамбля.
До последних дней жизни Дебюсси не покидала слава. Музыкант, которого современники считали самым значительным композитором Франции, умер в Париже в 1918 году.
Морис Равель
Мануэль де Фалья
Отторино Респиги
Кароль Шимановский
Искусство Дебюсси необыкновенно многогранно. Он создавал поэтичные и яркие пейзажные зарисовки (пьесы «Ветер на равнине», «Сады под дождем» и др.), жанровые композиции (оркестровая сюита «Иберия»), лирические миниатюры (песни, романсы), дифирамбические поэмы («Остров радости»), символические драмы («Пеллеас и Мелизанда»).
В числе лучших произведений Дебюсси – «Послеполуденный отдых фавна», в котором в полную силу проявилось колористическое мастерство автора. Произведение изобилует необыкновенно тонкими тембровыми оттенками, в создании которых большое участие принимают деревянные духовые инструменты. Слушатель словно погружается в пронизанную жаркими солнечными лучами атмосферу чудесного летнего дня. «Послеполуденный отдых фавна» показывает вариант симфонизма, характерный для большинства произведений Дебюсси. Музыке композитора свойственны колористическое изящество, тончайшая звукопись жанровых сцен и изображений природы.
Большой интерес представляют также «Ноктюрны» (1897 – 1899), состоящие из трех частей («Облака», «Празднества», «Сирены»). В импрессионистических «Облаках» отразилось представление музыканта о небе, покрытом грозовыми облаками над Сеной, а «Празднества» навеяны воспоминаниями о народных гуляньях в Булонском лесу. Партитура первой части «Ноктюрнов» изобилует колористическими сопоставлениями, создающими впечатление мерцающих световых бликов, пробивающих себе дорогу сквозь тучи. В отличие от этой проникнутой созерцательностью картины «Празднества» рисуют слушателю веселую сцену, наполненную мелодиями звучащих вдали песен и танцев, завершающуюся звуками приближающегося праздничного шествия.
Но наиболее полно импрессионистические принципы выразились в третьем ноктюрне – «Сиренах». Картина представляет море в серебристом лунном свете, нежные голоса сирен, раздающиеся откуда-то издалека. Партитура этого произведения более колоритна, чем две предыдущие, но она и самая статичная из них.
В 1902 году Дебюсси завершил работу над оперой «Пеллеас и Мелизанда», в основу которой была положена пьеса бельгийского драматурга и поэта-символиста М. Метерлинка. Чтобы передать тончайшие оттенки человеческих переживаний, композитор построил произведения на едва уловимых нюансах и необыкновенно легких акцентах. Он воспользовался ариозно-речитативной мелодией, лишенной контрастов, даже в самые драматические моменты не выходящей за рамки спокойной повествовательности. Музыке свойственны ровные ритмы, плавные движения мелодии, что придает вокальной партии оттенок камерности.
Оркестровые эпизоды в опере невелики, но тем не менее играют значительную роль в ходе действия, как бы досказывая содержание предыдущей картины и подготавливая слушателя к следующей. Оркестровка поражает богатством красочных переливов, она помогает создать нужное настроение, передать самые трудноуловимые движения чувств.
Символистской драме Метерлинка присуще ощущение пессимизма и обреченности. Пьеса, так же как и опера Дебюсси, передает умонастроения некоторой части современников композитора и поэта. Это явление охарактеризовал в 1907 году Р. Роллан: «Атмосфера, в которой развивается драма Метерлинка, – это усталая покорность, отдающая волю к жизни во власть рока. Ничто не может ничего изменить в порядке событий. Наперекор иллюзиям человеческой гордыни, мнящей себя господином, неведомые и непреодолимые силы определяют от начала до конца трагическую комедию жизни. Никто не ответствен за то, чего хочет, за то, что любит... Живут и умирают, не зная зачем. Фатализм этот, отражающий усталость духовной аристократии Европы, был чудесно передан музыкой Дебюсси, которая прибавила к нему свою собственную поэзию и чувственное очарование, сделавшие его еще более заразительным и непреодолимым».
Лучшая оркестровая работа Дебюсси – «Море», написанная в 1903 – 1905 годах у моря, где композитор пребывал в летние месяцы. Произведение состоит из трех симфонических эскизов. Отказавшись от эмоциональных романтических зарисовок, Дебюсси создал настоящую «натурную» картину, основанную на звукозаписи стихии моря. «Море» восхищает слушателя своим красочным богатством и выразительностью. Здесь композитор вновь обратился к импрессионистическим приемам передачи непосредственных впечатлений, и ему удалось показать изменчивость морской стихии, спокойной и тихой или разгневанной и бурной.
В 1908 году Дебюсси написал партитуру «Иберии», вошедшую в трехчастный симфонический цикл «Образы» (1906 – 1912). Две другие его части носят названия «Печальные жиги» и «Весенние хороводы». В «Иберии» отразился интерес музыканта к испанской теме, волновавшей воображение и других французских композиторов.
Партитура произведения состоит из трех частей – «На улицах и дорогах», «Ароматы ночи», «Утро праздничного дня». Создавая их, Дебюсси использовал ритмы и интонации народного музыкального искусства. «Иберия» – одно из самых радостных и жизнеутверждающих произведений французского музыканта.
В этот период композитор написал и целый ряд замечательных вокальных работ, в том числе «Три баллады Франсуа Вийона» (1910), мистерию «Мученичество святого Себастьяна» (1911).
Значительное место в творчестве Дебюсси отведено музыке для фортепиано. В основном это небольшие пьесы, отличающиеся жанровостью, картинностью, а иногда – программностью. Уже в раннем фортепианном произведении музыканта, «Бергамасской сюите» (1890), где еще чувствуется связь с академическими традициями, ощущается необыкновенная красочность – качество, выделяющее Дебюсси из числа других композиторов.
Особенно хорош «Остров радости» (1904) – самая крупная фортепианная работа Дебюсси. Ее живая, энергичная музыка заставляет слушателя почувствовать брызги морской волны, увидеть веселые танцы и праздничные шествия.
В 1908 году композитор написал альбом «Детский уголок», включающий ряд нетрудных пьес, интересных не только для детей, но и для взрослых.
Но настоящим шедевром фортепианного творчества музыканта стали двадцать четыре прелюдии (первая тетрадь появилась в 1910, вторая – в 1913 году). Автор объединил в них пейзажи, картины-настроения, жанровые сцены. О содержании прелюдий говорят уже их названия: «Ветер на равнине», «Холмы Анакапри», «Ароматы и звуки реют в вечернем воздухе», «Прерванная серенада», «Фейерверк», «Девушка с волосами цвета льна». Дебюсси виртуозно передает не только картины природы или конкретные сцены, например фейерверк, но и рисует верные психологические портреты. Прелюдии, быстро вошедшие в репертуар самых известных пейзажистов, интересны еще и тем, что содержат сюжеты и фрагменты из других произведений композитора.
В 1915 году появились «Двенадцать этюдов для фортепиано» Дебюсси, в которых автор ставит перед исполнителями новые задачи. Каждый отдельный этюд раскрывает конкретную техническую проблему.
В творческом наследии композитора есть и несколько произведений для камерного ансамбля.
До последних дней жизни Дебюсси не покидала слава. Музыкант, которого современники считали самым значительным композитором Франции, умер в Париже в 1918 году.
Морис Равель
Морис Равель родился в 1875 году в Сибуре, департамент Атлантические Пиренеи, в семье инженера. Музыкальные способности мальчика проявились очень рано: в 7 лет он начал учиться игре на рояле, в 12 – гармонии, контрапункту и композиции.
В 1889 году Равель успешно сдал вступительные экзамены в Парижскую консерваторию, где его наставниками стали Форе (композиция), Пессар (гармония), Жедальжа (контрапункт). В свободное время, которого, впрочем, было не так уж много, молодой человек изучал живопись, литературу, японское искусство, работы философов-просветителей.
Начиная с 1901 года Равель неоднократно принимал участие в конкурсе на Римскую премию, но победить в нем ему не удавалось. По окончании консерватории юный композитор целиком посвятил себя музыке, сочиняя один за другим различные произведения. Среди них фортепианные циклы «Отражения», «Ночной Гаспар», вокальный цикл «Естественные истории», оркестровая Испанская рапсодия, опера «Испанский час» и др.
В 1912 году Дягилев заказывает Равелю балет «Дафнис и Хлоя», который вызвал восторженный интерес у публики и заслужил одобрительные отзывы критиков. Тогда же были поставлены еще два балета: «Сон Флорины» (на основе сюиты для фортепиано в четыре руки «Матушка-гусыня») и «Аделаида» (оркестровая версия фортепианного цикла «Благородные и сентиментальные вальсы»).
После начала Первой мировой войны композитор, официально признанный освобожденным от воинской повинности, вступил в действующую армию. Сначала он работал в госпитале, потом был шофером грузовика Красного Креста. В 1917 году его демобилизовали в связи с резким ухудшением состояния здоровья и он вновь обратился к музыке. В том же году появилось его сочинение, созданное им в память о товарищах, погибших во время войны. Называется данное произведение «Гробница Куперена». Оно же, по словам Равеля, явилось «данью уважения не только Куперену, но и всей французской музыке XVIII века».
В последующие годы появляются лучшие произведения Равеля: хореографическая поэма «Вальс» (1920), скрипичная рапсодия «Цыганка» (1924), опера «Дитя и волшебство» (1925), знаменитое «Болеро», написанное композитором специально для выдающейся балерины Иды Рубинштейн (1928), два концерта для фортепиано с оркестром, причем один из них – ре-мажор, для одной только левой руки – создан для австрийского пианиста П. Витгенштейна, лишившегося правой руки на фронте.
Творчество Равеля достигает в ту пору своего расцвета, но врачи находят у гениального композитора опухоль мозга и выносят ему смертный приговор. Его последним сочинением стали «Три песни Дон Кихота к Дульцинее» (1932). В 1935 году Равель отправляется в путешествие, во время которого посещает Испанию и Марокко. Умирает он в 1937 году в Париже.
Кроме вышеупомянутых сочинений, творческое наследие Равеля составляют также камерно-инструментальные ансамбли, фортепианные пьесы, сочинения для фортепиано в четыре руки и пьесы для голоса с фортепиано.
В 1889 году Равель успешно сдал вступительные экзамены в Парижскую консерваторию, где его наставниками стали Форе (композиция), Пессар (гармония), Жедальжа (контрапункт). В свободное время, которого, впрочем, было не так уж много, молодой человек изучал живопись, литературу, японское искусство, работы философов-просветителей.
Начиная с 1901 года Равель неоднократно принимал участие в конкурсе на Римскую премию, но победить в нем ему не удавалось. По окончании консерватории юный композитор целиком посвятил себя музыке, сочиняя один за другим различные произведения. Среди них фортепианные циклы «Отражения», «Ночной Гаспар», вокальный цикл «Естественные истории», оркестровая Испанская рапсодия, опера «Испанский час» и др.
В 1912 году Дягилев заказывает Равелю балет «Дафнис и Хлоя», который вызвал восторженный интерес у публики и заслужил одобрительные отзывы критиков. Тогда же были поставлены еще два балета: «Сон Флорины» (на основе сюиты для фортепиано в четыре руки «Матушка-гусыня») и «Аделаида» (оркестровая версия фортепианного цикла «Благородные и сентиментальные вальсы»).
После начала Первой мировой войны композитор, официально признанный освобожденным от воинской повинности, вступил в действующую армию. Сначала он работал в госпитале, потом был шофером грузовика Красного Креста. В 1917 году его демобилизовали в связи с резким ухудшением состояния здоровья и он вновь обратился к музыке. В том же году появилось его сочинение, созданное им в память о товарищах, погибших во время войны. Называется данное произведение «Гробница Куперена». Оно же, по словам Равеля, явилось «данью уважения не только Куперену, но и всей французской музыке XVIII века».
В последующие годы появляются лучшие произведения Равеля: хореографическая поэма «Вальс» (1920), скрипичная рапсодия «Цыганка» (1924), опера «Дитя и волшебство» (1925), знаменитое «Болеро», написанное композитором специально для выдающейся балерины Иды Рубинштейн (1928), два концерта для фортепиано с оркестром, причем один из них – ре-мажор, для одной только левой руки – создан для австрийского пианиста П. Витгенштейна, лишившегося правой руки на фронте.
Творчество Равеля достигает в ту пору своего расцвета, но врачи находят у гениального композитора опухоль мозга и выносят ему смертный приговор. Его последним сочинением стали «Три песни Дон Кихота к Дульцинее» (1932). В 1935 году Равель отправляется в путешествие, во время которого посещает Испанию и Марокко. Умирает он в 1937 году в Париже.
Кроме вышеупомянутых сочинений, творческое наследие Равеля составляют также камерно-инструментальные ансамбли, фортепианные пьесы, сочинения для фортепиано в четыре руки и пьесы для голоса с фортепиано.
Мануэль де Фалья
Испанский композитор и пианист Мануэль де Фалья родился в 1876 году. Первые уроки музыкального мастерства он получил от матери-пианистки. Позднее Фалья обучался в Мадридской консерватории под руководством Ф. Педреля (композиция) и Х. Траго (фортепиано). В 1905 году он принял участие в конкурсе на лучшую национальную оперу и завоевал премию Мадридской академии изящных искусств. Его двухактная опера «Жизнь коротка» (1905) показала необыкновенное дарование музыканта, воспитанного на традициях андалузского песенного искусства.
В основу произведения положена драма в типично испанском духе, хотя в ней и присутствуют некоторые черты веризма. Действие происходит в Гранаде в окрестностях города. Опера рассказывает о печальной судьбе бедной испанской девушки, обманутой возлюбленным. Выразительность образов, яркость жанровых сцен, своеобразный конструктивный строй – все это делает работу молодого композитора необыкновенно интересной и привлекательной. Хор, не принимающий участия в происходящих событиях, противопоставлен им. Действие первой картины сопровождается мужским хором. Голоса, доносящиеся из кузницы, подчеркивают остроту конфликта, который уже начал разрастаться.
Хор, прославляющий красоту мавританского дворца Альгамбры и очарование природы, выходит на первый план во второй картине. Здесь композитор использует разнообразные варианты андалузской мелодики, напоминающей восточные мотивы. Интонации и ритмы народных напевов ощущаются в музыке танца во втором действии (танец получил необыкновенную популярность благодаря переложению для скрипки с фортепиано, сделанному Ф. Крейслером).
«Жизнь коротка», премьера которой состоялась в 1913 году в Ницце и в Париже, а немного позже – в Мадриде, привлекла внимание публики и принесла славу автору.
В 1907 – 1914 годах Фалья жил в Париже, где сблизился с К. Дебюсси, П. Дюка, М. Равелем и в его творчестве появились импрессионистические тенденции.
Во Франции Фалья впервые обратился к балету. Живописность оркестрового письма, мелодическое разнообразие, импрессионистическое начало, обогащенное элементами испанской национальной музыки – все это присутствует в чудесных балетах композитора «Любовь-волшебница» (1915) и «Треуголка» (1919).
Одноактный балет «Любовь-волшебница» проникнут романтическим духом. Жанровые особенности здесь лишь слегка намечены. Вызывает восхищение цельность развития, лирическая взволнованность и поэтичность музыки, что делает балет интересным не только в хореографическом, но и в концертном исполнении.
Несколько иное впечатление вызывает «Треуголка», произведение, полное тонкого юмора. Балету, в котором преобладают элементы жанровости, особое очарование придают отзвуки испанского народного танца.
В числе шедевров Фальи – «Ночи в садах Испании» для фортепиано с оркестром (1909 – 1915) – жанровая картина, переданная с помощью тончайших красочных нюансов и неожиданных ритмических противопоставлений. Композитор необыкновенно удачно соединил прекрасную разработку партии фортепиано с мастерством оркестровки. Сам автор назвал свое произведение «симфоническими впечатлениями для фортепиано и оркестра».
«Ночи в садах Испании» состоят из трех частей. Первая, получившая название «В Хенералифе», изображает картину южной природы, овеянную ночным мраком. Ее настроение – безмятежно-лиричное, созерцательное.
Более динамична вторая часть цикла, «Отдаленный танец», как бы подготавливающая слушателя к восприятию финального произведения «В садах Сьерры Кордовы», где на первый план выходит танцевальное начало. Хотя фортепианный стиль «Ночей в садах Испании» необыкновенно живописен и выразителен, отдельные технические приемы (репетиционная техника, унисонные пассажи) придают ему некоторое однообразие.
По своему импрессионистическому стилю «Ночи в садах Испании» близки к пейзажам М. Равеля, но это не лишает произведение Фальи глубоко национального духа. Выразительное и оригинальное, наполненное отзвуками народных песен, оно передает всю прелесть яркой и солнечной испанской природы.
В 1922 году появились «Семь испанских песен» для голоса с фортепиано, где Фалья использовал в неизменном виде народные мелодии в сопровождении фортепиано. Тщательно проработанный аккомпанемент оттеняет эмоциональное и образное содержание песен, подчеркивает прелесть музыки, созданной народом. Благодаря своей выразительности и красочности «Семь испанских песен» пользовались необыкновенной популярностью не только на родине автора, но и далеко за ее пределами.
В произведениях, написанных Фальей в 1920-х годах, ощущается влияние конструктивизма. Его элементы присутствуют в камерной опере «Балаганчик мастера Педро» (1923), персонажами которой являются марионетки. Яркие жанровые сцены переплетаются здесь с гротескными моментами, что заставляет слушателя вспомнить сочинения И. Стравинского.
Конструктивистские черты нарастают в дальнейшем творчестве Фальи. Особенно заметны они в концерте для клавичембало в сопровождении флейты, гобоя, кларнета и виолончели (1926). Это произведение стало одним из последних в творчестве композитора, вскоре переставшего сочинять музыку. Единственным исключением явилась оратория «Атлантида», которую Фалья так и не смог завершить.
В 1939 году музыкант переехал в Аргентину. Здесь он иногда выступал как дирижер и пианист, но к композиторскому творчеству он никогда уже не обращался. Умер Фалья в 1946 году.
Хотя в наследии испанского композитора немного произведений (помимо вышеназванных, существует еще несколько фортепианных пьес и романсов Фальи), каждое из них свидетельствует о необыкновенном таланте их автора, сумевшего в эпоху борьбы самых разнообразных течений сохранить свою индивидуальность и развить национальные традиции.
В основу произведения положена драма в типично испанском духе, хотя в ней и присутствуют некоторые черты веризма. Действие происходит в Гранаде в окрестностях города. Опера рассказывает о печальной судьбе бедной испанской девушки, обманутой возлюбленным. Выразительность образов, яркость жанровых сцен, своеобразный конструктивный строй – все это делает работу молодого композитора необыкновенно интересной и привлекательной. Хор, не принимающий участия в происходящих событиях, противопоставлен им. Действие первой картины сопровождается мужским хором. Голоса, доносящиеся из кузницы, подчеркивают остроту конфликта, который уже начал разрастаться.
Хор, прославляющий красоту мавританского дворца Альгамбры и очарование природы, выходит на первый план во второй картине. Здесь композитор использует разнообразные варианты андалузской мелодики, напоминающей восточные мотивы. Интонации и ритмы народных напевов ощущаются в музыке танца во втором действии (танец получил необыкновенную популярность благодаря переложению для скрипки с фортепиано, сделанному Ф. Крейслером).
«Жизнь коротка», премьера которой состоялась в 1913 году в Ницце и в Париже, а немного позже – в Мадриде, привлекла внимание публики и принесла славу автору.
В 1907 – 1914 годах Фалья жил в Париже, где сблизился с К. Дебюсси, П. Дюка, М. Равелем и в его творчестве появились импрессионистические тенденции.
Во Франции Фалья впервые обратился к балету. Живописность оркестрового письма, мелодическое разнообразие, импрессионистическое начало, обогащенное элементами испанской национальной музыки – все это присутствует в чудесных балетах композитора «Любовь-волшебница» (1915) и «Треуголка» (1919).
Одноактный балет «Любовь-волшебница» проникнут романтическим духом. Жанровые особенности здесь лишь слегка намечены. Вызывает восхищение цельность развития, лирическая взволнованность и поэтичность музыки, что делает балет интересным не только в хореографическом, но и в концертном исполнении.
Несколько иное впечатление вызывает «Треуголка», произведение, полное тонкого юмора. Балету, в котором преобладают элементы жанровости, особое очарование придают отзвуки испанского народного танца.
В числе шедевров Фальи – «Ночи в садах Испании» для фортепиано с оркестром (1909 – 1915) – жанровая картина, переданная с помощью тончайших красочных нюансов и неожиданных ритмических противопоставлений. Композитор необыкновенно удачно соединил прекрасную разработку партии фортепиано с мастерством оркестровки. Сам автор назвал свое произведение «симфоническими впечатлениями для фортепиано и оркестра».
«Ночи в садах Испании» состоят из трех частей. Первая, получившая название «В Хенералифе», изображает картину южной природы, овеянную ночным мраком. Ее настроение – безмятежно-лиричное, созерцательное.
Более динамична вторая часть цикла, «Отдаленный танец», как бы подготавливающая слушателя к восприятию финального произведения «В садах Сьерры Кордовы», где на первый план выходит танцевальное начало. Хотя фортепианный стиль «Ночей в садах Испании» необыкновенно живописен и выразителен, отдельные технические приемы (репетиционная техника, унисонные пассажи) придают ему некоторое однообразие.
По своему импрессионистическому стилю «Ночи в садах Испании» близки к пейзажам М. Равеля, но это не лишает произведение Фальи глубоко национального духа. Выразительное и оригинальное, наполненное отзвуками народных песен, оно передает всю прелесть яркой и солнечной испанской природы.
Гобой
Помимо вышеназванных работ, большой интерес вызывают «Испанские пьесы» для фортепиано (1908), немного похожие на аналогичные сочинения И. Альбениса, но более тонкие по своей мелодической ткани. «Испанские пьесы» Фальи представляют собой четырехчастную сюиту, куда входят пьесы «Арагонеса», «Кубана», «Монтаньеса», «Андалуса». В каждой из них присутствуют элементы пейзажа или портретной характеристики.В 1922 году появились «Семь испанских песен» для голоса с фортепиано, где Фалья использовал в неизменном виде народные мелодии в сопровождении фортепиано. Тщательно проработанный аккомпанемент оттеняет эмоциональное и образное содержание песен, подчеркивает прелесть музыки, созданной народом. Благодаря своей выразительности и красочности «Семь испанских песен» пользовались необыкновенной популярностью не только на родине автора, но и далеко за ее пределами.
В произведениях, написанных Фальей в 1920-х годах, ощущается влияние конструктивизма. Его элементы присутствуют в камерной опере «Балаганчик мастера Педро» (1923), персонажами которой являются марионетки. Яркие жанровые сцены переплетаются здесь с гротескными моментами, что заставляет слушателя вспомнить сочинения И. Стравинского.
Конструктивистские черты нарастают в дальнейшем творчестве Фальи. Особенно заметны они в концерте для клавичембало в сопровождении флейты, гобоя, кларнета и виолончели (1926). Это произведение стало одним из последних в творчестве композитора, вскоре переставшего сочинять музыку. Единственным исключением явилась оратория «Атлантида», которую Фалья так и не смог завершить.
В 1939 году музыкант переехал в Аргентину. Здесь он иногда выступал как дирижер и пианист, но к композиторскому творчеству он никогда уже не обращался. Умер Фалья в 1946 году.
Хотя в наследии испанского композитора немного произведений (помимо вышеназванных, существует еще несколько фортепианных пьес и романсов Фальи), каждое из них свидетельствует о необыкновенном таланте их автора, сумевшего в эпоху борьбы самых разнообразных течений сохранить свою индивидуальность и развить национальные традиции.
Отторино Респиги
Итальянский композитор, дирижер, скрипач, пианист, альтист и педагог Отторино Респиги родился в 1879 году. Обучался в музыкальном лицее Болоньи, где его преподавателями композиции были Д. Мартуччи и Л. Шорки. В период с 1901 по 1903 год он дважды был в России в качестве альтиста-концертмейстера оркестра Итальянской оперы. Будучи в Петербурге, Респиги в течение 5 месяцев занимался у Н. Римского-Корсакова. Последний оказал значительное воздействие на композиторскую манеру итальянского музыканта.
В 1903 – 1908 годах Респиги выступал с концертами как альтист и скрипач, а в 1908 – 1909 годах он был пианистом-концертмейстером в Берлинской школе вокального искусства Э. Гардини-Гестера. С 1913 года музыкант являлся профессором композиции Римской академии Санта-Чечилиа. В качестве дирижера и пианиста, исполнителя собственных произведений, Респиги побывал во многих городах Европы, Северной и Южной Америки.
Сочинения итальянского композитора во многом напоминают произведения К. Дебюсси, неслучайно Респиги называют наиболее значительным представителем импрессионизма в музыкальном искусстве Италии. Его гармонические и оркестровые приемы поражают своим разнообразием и красочностью, и в этом он близок Р. Штраусу. Интерес к современным выразительным средствам сочетается у Респиги с увлечением элементами григорианских хоралов («Григорианский концерт» для скрипки с оркестром, 1922).
В своем творчестве композитор обращался к таким темам, как природа, архитектура итальянских городов, жизнь народа, его традиции, праздники, развлечения. Этим темам посвящен знаменитый симфонический триптих, части которого называются «Фонтаны Рима» (1916), «Пинии Рима» (1924) и «Римские празднества» (1929). Яркая живописность образов, красочность оркестрового письма сделали триптих необыкновенно популярным у любителей музыкального искусства. В партитуры произведений автор включил интонации песенных итальянских мелодий, фанфар, а также птичьи голоса. Так, в «Пиниях Рима» можно услышать граммофонную запись соловьиных трелей. В мелодике творчества Респиги чувствуется огромный интерес к традициям старой итальянской музыки, композитор не только внимательно изучал ее, но и занимался обработкой многих старинных произведений, например «Плача Ариадны» К. Монтеверди для голоса и оркестра.
Респиги был автором самых разнообразных произведений. В его творческом наследии 10 опер (опера для кукольного театра «Спящая красавица», 1922; «Бельфагор», 1923; «Потонувший колокол», 1927 и др.), ряд балетов («Волшебная лавка», 1919; «Балксис, царица Сав-ская», 1932), кантаты («Весна», 1923; «Гимн в честь рождающихся», 1930), симфонические поэмы («Аретуза», 1911; «Недотрога», 1914), Драматическая симфония (1915), сюиты, концерты и пьесы для различных инструментов, романсы и т. д.
Умер Отторино Респиги в 1936 году.
В 1903 – 1908 годах Респиги выступал с концертами как альтист и скрипач, а в 1908 – 1909 годах он был пианистом-концертмейстером в Берлинской школе вокального искусства Э. Гардини-Гестера. С 1913 года музыкант являлся профессором композиции Римской академии Санта-Чечилиа. В качестве дирижера и пианиста, исполнителя собственных произведений, Респиги побывал во многих городах Европы, Северной и Южной Америки.
Сочинения итальянского композитора во многом напоминают произведения К. Дебюсси, неслучайно Респиги называют наиболее значительным представителем импрессионизма в музыкальном искусстве Италии. Его гармонические и оркестровые приемы поражают своим разнообразием и красочностью, и в этом он близок Р. Штраусу. Интерес к современным выразительным средствам сочетается у Респиги с увлечением элементами григорианских хоралов («Григорианский концерт» для скрипки с оркестром, 1922).
В своем творчестве композитор обращался к таким темам, как природа, архитектура итальянских городов, жизнь народа, его традиции, праздники, развлечения. Этим темам посвящен знаменитый симфонический триптих, части которого называются «Фонтаны Рима» (1916), «Пинии Рима» (1924) и «Римские празднества» (1929). Яркая живописность образов, красочность оркестрового письма сделали триптих необыкновенно популярным у любителей музыкального искусства. В партитуры произведений автор включил интонации песенных итальянских мелодий, фанфар, а также птичьи голоса. Так, в «Пиниях Рима» можно услышать граммофонную запись соловьиных трелей. В мелодике творчества Респиги чувствуется огромный интерес к традициям старой итальянской музыки, композитор не только внимательно изучал ее, но и занимался обработкой многих старинных произведений, например «Плача Ариадны» К. Монтеверди для голоса и оркестра.
Респиги был автором самых разнообразных произведений. В его творческом наследии 10 опер (опера для кукольного театра «Спящая красавица», 1922; «Бельфагор», 1923; «Потонувший колокол», 1927 и др.), ряд балетов («Волшебная лавка», 1919; «Балксис, царица Сав-ская», 1932), кантаты («Весна», 1923; «Гимн в честь рождающихся», 1930), симфонические поэмы («Аретуза», 1911; «Недотрога», 1914), Драматическая симфония (1915), сюиты, концерты и пьесы для различных инструментов, романсы и т. д.
Умер Отторино Респиги в 1936 году.
Кароль Шимановский
Польский композитор, пианист и педагог Кароль Шимановский родился в 1882 году в украинском селе Тимошовка. Первоначальные музыкальные знания он получил в семье, а затем – в фортепианной школе, руководителем которой был его дядя Густав Нейгауз. Вместе с Шимановским занимался и его двоюродный брат, Генрих Нейгауз, в дальнейшем ставший одним из самых знаменитых советских пианистов и педагогов.
Позднее Шимановский обучался в Варшавской консерватории. Уроки гармонии и контрапункта ему преподавали З. Носковский и М. Завирский. В Варшаве молодой композитор сблизился с дирижером Г. Фительбергом, пианистом А. Рубинштейном и скрипачом П. Коханским.
Шимановский много путешествовал, несколько лет прожил за границей. И хотя композитор был человеком необыкновенно многогранным, выделявшимся широтой интересов, он никогда не изменял своему главному призванию – музыке.
В 1918 году, после того как Польша стала независимой, Шимановский переехал в Варшаву. Здесь он стал прилагать все усилия для развития традиций национальной культуры, создания польской композиторской школы. К сожалению, музыкант встретил непонимание со стороны консервативных музыкальных кругов. Ему пришлось даже отказаться от должности ректора Музыкальной академии в Варшаве.
В ранних произведениях Шимановского ощущается влияние таких композиторов, как Ф. Шопен, Р. Штраус, А. Скрябин. Интересны его «Вариации на польскую народную тему» для фортепиано (1904), написанные в традициях романтического искусства. Хотя в этом произведении есть недостатки (чрезмерная сложность хроматического голосоведения, стремление к необычным гармониям и постоянству колористического звучания фортепиано), тонкое художественное чутье его автора делает работу изысканной и необыкновенно поэтичной.
В последующих сочинениях талант композитора раскрылся в большей мере. Шимановский постоянно обращался к польскому народному творчеству, стремясь к оригинальной разработке фольклорных элементов. В то же время большое влияние на него в этот период оказала эстетика французского импрессионизма. Увлеченный импрессионистическими опытами, музыкант отошел от интонационной основы национальной музыки. На первое место в его произведениях вышла игра светотени, сложная ритмика. Особенно интересовала Шимановского разработка системы динамических оттенков.
В то же время импрессионистические произведения музыканта отмечены печатью яркой индивидуальности их автора. Своеобразный почерк Шимановского виден во многих деталях его работ, в которых эмоциональная напряженность и экспрессия уступают место спокойной повествовательности.
Увлечение импрессионизмом сказалось и на тематике музыкальных сочинений Шимановского. В то же время в произведениях на мифологические и восточные сюжеты отразились впечатления, полученные композитором во время его путешествий по разным странам (он побывал в Италии, Сицилии, Алжире, Тунисе). В то же время античная и восточная тематика трактуется Шимановским несколько условно. Таковы трехчастные циклы «Метопы» для фортепиано (1915) и «Мифы» для скрипки и фортепиано (1915), а также фортепианная сюита «Маски» (1917).
В «Метопы», созданные под впечатлением от прочтения «Одиссеи» Гомера, включены три пьесы: «Остров сирен», «Калипсо» и «Навсикая». В этом импрессионистическом произведении, близком «Сиренам» К. Дебюсси, нет строгой простоты и торжественности, свойственной гомеровской поэме. Музыкальная ткань сочинения Шимановского кажется трепетной и необыкновенно легкой. В «Метопах» отсутствуют широкие мелодические фразы, их музыка изобилует короткими мотивными образованиями, а гармонический язык насыщен диссонирующими созвучиями.
Но наиболее ярко импрессионистический стиль проявился в «Мифах» для скрипки и фортепиано. Цикл состоит из трех пьес: «Фонтан Аретузы», «Нарцисс», «Дриады и Пан». Близкие символизму Малларме, они рисуют условный мифологический мир. Главное свойство музыки «Мифов» – колористичность, ей присущи сложность гармонического письма, скрупулезность разработки фактурных деталей. Наибольшую известность получила пьеса «Фонтан Аретузы», где в обрамлении фортепиано звучит нежная и безмятежная мелодия скрипки.
«Метопы» и «Мифы» свидетельствуют о сильном воздействии на творчество Шимановского музыки К. Дебюсси, что проявляется в легчайшей ткани пассажей, тщательности разработки техники сочетания диссонирующих созвучий, стремлении лишить музыку ее «материальной» сущности. Пьесы Шимановского – типичный образец импрессионистического искусства, и польский композитор подчас превосходит своих французских коллег в создании утонченных и предельно сложных произведений.
В подобном стиле написан и Первый концерт для скрипки с оркестром (1916), отразивший впечатления от стихотворения «Майская ночь» польского поэта Т. Мициньского. Восторженные и радостные чувства пронизывают музыку концерта, оркестровая ткань которого состоит из тончайших тембровых сочетаний.
Позднее Шимановский обучался в Варшавской консерватории. Уроки гармонии и контрапункта ему преподавали З. Носковский и М. Завирский. В Варшаве молодой композитор сблизился с дирижером Г. Фительбергом, пианистом А. Рубинштейном и скрипачом П. Коханским.
Шимановский много путешествовал, несколько лет прожил за границей. И хотя композитор был человеком необыкновенно многогранным, выделявшимся широтой интересов, он никогда не изменял своему главному призванию – музыке.
В 1918 году, после того как Польша стала независимой, Шимановский переехал в Варшаву. Здесь он стал прилагать все усилия для развития традиций национальной культуры, создания польской композиторской школы. К сожалению, музыкант встретил непонимание со стороны консервативных музыкальных кругов. Ему пришлось даже отказаться от должности ректора Музыкальной академии в Варшаве.
В ранних произведениях Шимановского ощущается влияние таких композиторов, как Ф. Шопен, Р. Штраус, А. Скрябин. Интересны его «Вариации на польскую народную тему» для фортепиано (1904), написанные в традициях романтического искусства. Хотя в этом произведении есть недостатки (чрезмерная сложность хроматического голосоведения, стремление к необычным гармониям и постоянству колористического звучания фортепиано), тонкое художественное чутье его автора делает работу изысканной и необыкновенно поэтичной.
В последующих сочинениях талант композитора раскрылся в большей мере. Шимановский постоянно обращался к польскому народному творчеству, стремясь к оригинальной разработке фольклорных элементов. В то же время большое влияние на него в этот период оказала эстетика французского импрессионизма. Увлеченный импрессионистическими опытами, музыкант отошел от интонационной основы национальной музыки. На первое место в его произведениях вышла игра светотени, сложная ритмика. Особенно интересовала Шимановского разработка системы динамических оттенков.
В то же время импрессионистические произведения музыканта отмечены печатью яркой индивидуальности их автора. Своеобразный почерк Шимановского виден во многих деталях его работ, в которых эмоциональная напряженность и экспрессия уступают место спокойной повествовательности.
Увлечение импрессионизмом сказалось и на тематике музыкальных сочинений Шимановского. В то же время в произведениях на мифологические и восточные сюжеты отразились впечатления, полученные композитором во время его путешествий по разным странам (он побывал в Италии, Сицилии, Алжире, Тунисе). В то же время античная и восточная тематика трактуется Шимановским несколько условно. Таковы трехчастные циклы «Метопы» для фортепиано (1915) и «Мифы» для скрипки и фортепиано (1915), а также фортепианная сюита «Маски» (1917).
В «Метопы», созданные под впечатлением от прочтения «Одиссеи» Гомера, включены три пьесы: «Остров сирен», «Калипсо» и «Навсикая». В этом импрессионистическом произведении, близком «Сиренам» К. Дебюсси, нет строгой простоты и торжественности, свойственной гомеровской поэме. Музыкальная ткань сочинения Шимановского кажется трепетной и необыкновенно легкой. В «Метопах» отсутствуют широкие мелодические фразы, их музыка изобилует короткими мотивными образованиями, а гармонический язык насыщен диссонирующими созвучиями.
Но наиболее ярко импрессионистический стиль проявился в «Мифах» для скрипки и фортепиано. Цикл состоит из трех пьес: «Фонтан Аретузы», «Нарцисс», «Дриады и Пан». Близкие символизму Малларме, они рисуют условный мифологический мир. Главное свойство музыки «Мифов» – колористичность, ей присущи сложность гармонического письма, скрупулезность разработки фактурных деталей. Наибольшую известность получила пьеса «Фонтан Аретузы», где в обрамлении фортепиано звучит нежная и безмятежная мелодия скрипки.
«Метопы» и «Мифы» свидетельствуют о сильном воздействии на творчество Шимановского музыки К. Дебюсси, что проявляется в легчайшей ткани пассажей, тщательности разработки техники сочетания диссонирующих созвучий, стремлении лишить музыку ее «материальной» сущности. Пьесы Шимановского – типичный образец импрессионистического искусства, и польский композитор подчас превосходит своих французских коллег в создании утонченных и предельно сложных произведений.
В подобном стиле написан и Первый концерт для скрипки с оркестром (1916), отразивший впечатления от стихотворения «Майская ночь» польского поэта Т. Мициньского. Восторженные и радостные чувства пронизывают музыку концерта, оркестровая ткань которого состоит из тончайших тембровых сочетаний.