Страница:
равнодушным к проблемам современной музыкальной жизни республики, не мог не
указывать на недостатки, мешающие органичному росту молодой национальной
культуры: _Я глубоко убежден, что в обязанности композитора входит не только
создание музыкальных произведений, но и пропаганда лучших образцов
музыкального искусства, активное участие в эстетическом воспитании
трудящихся. Как поставлено преподавание музыки в школах, какие песни поют на
праздниках дети, какая музыка интересует молодежь... и это должно волновать
композитора_. /Е. Орлова/
ШЕБАЛИН Виссарион Яковлевич (11 VI 1902, Омск - 28 V 1963, Москва)
Каждый человек должен быть зодчим, а Родина - его храмом.
В. Шебалин
В В. Шебалине неразрывно связаны Художник, Мастер, Гражданин. Цельность
его натуры и привлекательность творческого облика, скромность, отзывчивость,
бескомпромиссность отмечают все, кто знал Шебалина и когда-либо с ним
общался. _Это был удивительно прекрасный человек. Его доброта, честность,
исключительная принципиальность всегда восхищали меня_, - писал Д.
Шостакович. Шебалину было свойственно острое чувство современности. Он вошел
в мир искусства с желанием создавать произведения, созвучные времени, в
котором жил и свидетелем событий которого являлся. Темы его сочинений
выделяются своей актуальностью, значительностью и серьезностью. Но за
величием не исчезает их глубокая внутренняя наполненность и та этическая
сила выразительности, которую не передать внешними, иллюстративными
эффектами. Здесь требуются чистое сердце и щедрая душа. Шебалин родился в
семье интеллигентов. В 1921 г. он поступил в Омское музыкальное училище в
класс М. Невитова (ученика Р. Глиэра), у которого, переиграв огромное
количество сочинений различных авторов, впервые познакомился с
произведениями Н. Мясковского. Они поразили юношу настолько, что для себя он
твердо решил: в будущем продолжать учиться только у Мясковского. Это желание
исполнилось в 1923 г., когда, досрочно окончив училище, Шебалин приехал в
Москву и был принят в Московскую консерваторию. В творческом багаже молодого
композитора к этому времени было несколько оркестровых сочинений, ряд
фортепианных пьес, романсы на стихи Р. Демеля, А. Ахматовой, Сафо, начало
Первого квартета и др. Будучи студентом 2 курса консерватории, он написал
свою Первую симфонию (1925). И хотя она безусловно еще отражала влияние
Мясковского, которому, как вспоминает впоследствии Шебалин, он буквально
_смотрел в рот_ и относился как к _существу высшего порядка_, в ней все же,
уже в достаточной мере ощутимы и яркая творческая индивидуальность автора, и
его стремление к самостоятельному мышлению. Симфония была тепло принята в
Ленинграде в ноябре 1926 г. и получила самые положительные отклики прессы.
Несколькими месяцами позднее в журнале _Музыка и революция_ Б. Асафьев
писал: ..._Шебалин - несомненно крепкий и волевой талант... Это - молодой,
крепко вцепившийся корнями в почву дубок. Он еще развернется, раскинется и
пропоет мощный и полный радости гимн жизни_.
Эти слова оказались пророческими. Шебалин действительно год от года
набирает силы, растет его профессионализм и мастерство. После окончания
консерватории (1928) он становится одним из первых ее аспирантов, а также
приглашается на преподавательскую работу. С 1935 г. он профессор
консерватории, а с 1942 г. - ее директор. Одно за другим появляются
сочинения, написанные в самых разных жанрах: драматическая симфония _Ленин_
(для чтеца, солистов, хора и оркестра), являющаяся первым крупномасштабным
сочинением, написанным на стихи В. Маяковского, 5 симфоний, многочисленные
камерно-инструментальные ансамбли, в том числе 9 квартетов, 2 оперы
(_Укрощение строптивой_ и _Солнце над степью_), 2 балета (_Жаворонок,
Минувших дней воспоминанье_), оперетта _Жених из посольства_, 2 кантаты, 3
оркестровые сюиты, более 70 хоров, около 80 песен и романсов, музыка к
радиопостановкам, кинофильмам (22), театральным спектаклям (35).
Подобная жанровая разносторонность, широкоохватность очень типичны для
Шебалина. Своим ученикам он неоднократно повторял: _Композитор обязан уметь
делать все_. Такие слова несомненно мог сказать лишь тот, кто свободно
владел всеми секретами композиторского искусства и мог служить достойным
примером для подражания. Впрочем, в силу необычайной застенчивости и
скромности Виссарион Яковлевич, занимаясь со студентами, почти никогда не
ссылался на свои собственные композиции. Даже тогда, когда его поздравляли с
удачным исполнением того или иного произведения, он старался увести разговор
в сторону. Так, на комплименты в адрес успешной постановки его оперы
_Укрощение строптивой_ Шебалин, смущаясь и как бы оправдываясь, ответил:
_Там... крепкое либретто_.
Список его учеников (он преподавал также композицию в ЦМШ и в училище
при Московской консерватории) внушителен не только своим числом, но и
составом: Т. Хренников. А. Спадавеккиа, Т. Николаева, К. Хачатурян, А.
Пахмутова, С. Слонимский, Б. Чайковский, С. Губайдулина, Э. Денисов, А.
Николаев, Р. Леденев, Н. Каретников, В. Агафонников, В. Кучера (ЧССР), Л.
Аустер, В. Энке (Эстония) и др. Всех их объединяет любовь и огромное
уважение к учителю - человеку энциклопедических знаний и разносторонних
способностей, для которого поистине не было ничего невозможного. Он блестяще
знал поэзию и литературу, сам сочинял стихи, прекрасно разбирался в
изобразительном искусстве, владел латинским, французским, немецким языками и
пользовался собственными переводами (например, стихотворений Г. Гейне). Он
общался и был дружен со многими выдающимися людьми своего времени: с В.
Маяковским, Э. Багрицким, Н. Асеевым, М. Светловым, М. Булгаковым, А.
Фадеевым, Вс. Мейерхольдом, О. Книппер-Чеховой, В. Станицыным, Н. Хмелевым,
С. Эйзенштейном, Я. Протазановым и др.
Шебалин внес большой вклад в развитие традиций отечественной культуры.
Детальное, скрупулезное изучение им произведений русских классиков позволило
ему осуществить важную работу по восстановлению, завершению и редактированию
многих произведений М. Глинки (Симфония на 2 русские темы, Септет, экзерсисы
для голоса и др.), М. Мусоргского (_Сорочинская ярмарка_), С.
Гулака-Артемовского (II акт оперы _Запорожец за Дунаем_), П. Чайковского, С.
Танеева.
Творческая и общественная работа композитора была отмечена высокими
правительственными наградами. В 1948 г. Шебалин получил грамоту о присвоении
ему звания народного артиста республики, и этот же год стал для него годом
тяжких испытаний. В февральском Постановлении ЦК ВКП(б) _Об опере "Великая
дружба"_ В. Мурадели его творчество, как и творчество его товарищей и коллег
- Шостаковича, Прокофьева, Мясковского, Хачатуряна, подверглось резкой и
несправедливой критике. И хотя через 10 лет она была опровергнута, в то
время Шебалин был отстранен от руководства консерваторией и даже от
педагогической работы. Поддержка пришла из Института военных дирижеров, где
Шебалин стал преподавать, а затем и руководить кафедрой теории музыки.
Спустя 3 года по приглашению нового директора консерватории А. Свешникова он
вернулся в состав профессуры консерватории. Однако незаслуженное обвинение и
нанесенная рана отразились на состоянии здоровья: развивавшаяся
гипертоническая болезнь привела к инсульту и параличу правой руки... Но он
научился писать левой рукой. Композитор завершает ранее начатую оперу
_Укрощение строптивой_ - одно из лучших своих творений - и создает еще целый
ряд замечательных произведений. Это - сонаты для скрипки, альта, виолончели
с фортепиано, Восьмой и Девятый квартеты, а также великолепная Пятая
симфония, музыка которой воистину являет собой _мощный и полный радости гимн
жизни_ и отличается не только особой лучезарностью, светом, созидательным,
жизнеутверждающим началом, но и удивительной непринужденностью высказывания,
той простотой и естественностью, которые бывают присущи только самым высоким
образцам художественного творения. /Н. Симакова/
ШПНБЕРГ (Schonberg) Арнольд (13 IX 1874, Вена - 13 XII 1951,
Лос-Анджелес)
Всю темноту и вину мира новая музыка взяла на себя. Все ее счастье в
том, чтобы познать несчастье; вся ее красота в том, чтобы отказаться от
видимости красоты.
Т. Адорно
A. Шенберг вошел в историю музыки XX в. как создатель додекафонной
системы композиции. Но значение и масштаб деятельности австрийского мастера
не исчерпываются этим фактом. Шенберг был разносторонне одаренной личностью.
Он был блестящим педагогом, воспитавшим целую плеяду современных музыкантов,
среди которых такие известные мастера, как А. Веберн и А. Берг (вместе со
своим учителем они образовали так называемую нововенскую школу). Он был
интересным художником-живописцем, другом О. Кокошки; его картины
неоднократно появлялись на выставках и печатались в репродукциях в
мюнхенском журнале _Голубой всадник_ рядом с работами П. Сезанна, А.
Матисса, В. Ван Гога, B. Кандинского, П. Пикассо. Шенберг был литератором,
поэтом и прозаиком, автором текстов многих своих сочинений. Но прежде всего
он был композитором, оставившим значительное наследие, композитором,
прошедшим очень трудный, но честный и бескомпромиссный путь.
Творчество Шенберга тесно связано с музыкальным экспрессионизмом. Оно
отмечено той напряженностью переживаний и остротой реакции на окружающий
мир, которые характеризовали многих современных художников, творивших в
атмосфере встревоженности, предчувствия и свершения страшных социальных
катаклизмов (Шенберга объединяла с ними и общая жизненная судьба - скитания,
неустроенность, перспектива жить и умереть вдали от родины). Пожалуй, самая
близкая аналогия личности Шенберга - соотечественник и современник
композитора, австрийский писатель Ф. Кафка. Так же, как в романах и новеллах
Кафки, в музыке Шенберга обостренное жизневосприятие сгущается порой до
лихорадочных наваждений, изощренная лирика граничит с гротеском, превращаясь
в душевный кошмар наяву.
Создавая свое нелегкое и глубоко выстраданное искусство, Шенберг был до
фанатизма тверд в убеждениях. Всю жизнь он шел по пути наибольшего
сопротивления, борясь с насмешками, издевательствами, глухим непониманием,
терпя обиды, горькую нужду. _В Вене 1908 года - городе оперетт, классиков и
напыщенного романтизма - Шенберг поплыл против течения_, - писал Г. Эйслер.
Это был не совсем обычный конфликт художника-новатора с обывательской
средой. Мало сказать, что Шенберг был новатором, поставившим себе за правило
говорить в искусстве лишь то, что не было сказано до него. Как утверждают
некоторые исследователи его творчества, новое выступило здесь в чрезвычайно
специфическом, сгущенном варианте, в виде некоей эссенции.
Сверхконцентрированная впечатлительность, требующая адекватного же качества
от слушателя, объясняет особую трудность шенберговской музыки для
восприятия: даже на фоне своих современников-радикалов Шенберг - наиболее
_трудный_ композитор. Но это не отрицает ценности его искусства, субъективно
честного и серьезного, восстававшего против пошлого сладкозвучия и
легковесной мишуры.
Шенберг сочетал в себе способность к сильному чувствованию с
безжалостно дисциплинирующим интеллектом. Этим сочетанием он обязан
переломной эпохе. Вехи жизненного пути композитора отражают последовательную
устремленность от традиционно-романтических высказываний в духе Р. Вагнера
(инструментальные сочинения _Просветленная ночь, Пеллеас и Мелизанда_,
кантата _Песни Гурре_) к новому, строго выверенному творческому методу.
Впрочем, романтическая родословная Шенберга сказывалась и позже, давая
импульс повышенной возбужденности, гипертрофированной экспрессивности его
произведений рубежа 1900-10 гг. Такова, например, монодрама _Ожидание_
(1909, монолог женщины, пришедшей в лес на свидание с возлюбленным и
нашедшей его мертвым). Постромантический культ маски, рафинированная
аффектация в стиле _трагического кабаре_ ощущаются в мелодраме _Лунный
Пьеро_ (1912) для женского голоса и инструментального ансамбля. В этом
произведении Шенберг впервые воплотил принцип так называемого речевого пения
(Sprechgesang): сольная партия хотя и зафиксирована в партитуре нотами, но
звуковысотный строй ее приблизителен - как в декламации. И _Ожидание_ и
_Лунный Пьеро_ написаны в атональной манере, соответствующей новому,
экстраординарному складу образов. Но знаменательно и различие между
произведениями: оркестр-ансамбль с его скупыми, но дифференцированно
выразительными красками отныне притягивает композитора больше, чем полный
оркестровый состав позднеромантического типа.
Однако следующим и решающим шагом на пути к строго экономному письму
послужило создание двенадцатитоновой (додекафонной) системы композиции. В
основе инструментальных сочинений Шенберга 20-40-х гг., таких, как Сюита для
фортепиано, Вариации для оркестра, концерты, струнные квартеты, - лежат
серии из 12 неповторяющихся звуков, взятые в четырех основных вариантах
(техника, восходящая к старинному полифоническому варьированию).
Додекафонный метод композиции приобрел немало почитателей. Свидетельством
резонанса шенберговского изобретения в культурном мире послужило
_цитирование_ его Т. Манном в романе _Доктор Фаустус_; там же говорится об
опасности _интеллектуального холода_, которая подстерегает композитора,
использующего подобную манеру творчества. Универсальным и самодостаточным
этот метод не стал - даже для его создателя. Точнее он являлся таковым лишь
постольку, поскольку не мешал проявиться природной интуиции мастера и
накопленному им музыкально-слуховому опыту, подчас влекущему за собой -
вопреки всем _теориям избежания_ - многообразные ассоциации с тональной
музыкой. Расставание композитора с тональной традицией вообще не было
бесповоротным: известная сентенция _позднего_ Шенберга о том, что многое еще
можно сказать в до мажоре, вполне это подтверждает. Погруженный в проблемы
композиторской техники, Шенберг в то же время был далек от кабинетной
замкнутости. Весьма значительными композиторскими замыслами отозвались в нем
события второй мировой войны - страдания и гибель миллионов людей, ненависть
народов к фашизму. Так, _Ода Наполеону_ (1942, на ст. Дж. Байрона)
представляет собой гневный памфлет против тиранической власти, сочинение
исполнено убийственного сарказма. Текст кантаты _Уцелевший из Варшавы_
(1947), пожалуй, наиболее известного сочинения Шенберга, воспроизводит
подлинный рассказ одного из немногих людей, переживших трагедию варшавского
гетто. Произведение передает ужас и отчаяние последних дней узников гетто,
завершаясь старинной молитвой. Оба сочинения ярко публицистичны и
воспринимаются как документы эпохи. Но публицистическая острота высказывания
не отодвинула в тень природной склонности композитора к философствованию, к
проблематике надвременного звучания, которую он разрабатывал с помощью
мифологических сюжетов. Интерес к поэтике и символике библейского мифа
проявился еще в 30-е гг., в связи с проектом оратории _Лестница Иакова_.
Тогда же Шенберг начал работать над еще более монументальным произведением,
которому посвятил все последние годы своей жизни (впрочем, так и не завершив
его). Речь идет об опере _Моисей и Аарон_. Мифологическая основа послужила
для композитора лишь поводом для размышлений над актуальными вопросами
современности. Основной мотив этой _драмы идей_ - личность и народ, идея и
ее восприятие массой. Изображенный в опере непрерывный словесный поединок
Моисея и Аарона - это извечный конфликт между _мыслителем_ и _деятелем_,
между пророком-правдоискателем, пытающимся вывести свой народ из рабства, -
и оратором-демагогом, который в своей попытке сделать идею образно зримой и
доступной по сути дела предает ее (крах идеи сопровождается разгулом
стихийных сил, с удивительной яркостью воплощенным автором в оргиастическом
_Танце Золотого тельца_). Непримиримость позиций героев подчеркнута
музыкально: по-оперному красивой партии Аарона контрастирует
аскетично-декламационная партия Моисея, чуждая традиционному оперному пению.
В произведении широко представлено ораториальное начало. Хоровые эпизоды
оперы с их монументальной полифонической графикой восходят к баховским
_Страстям_. Здесь выявляется глубинная связь Шенберга с традицией
австро-немецкой музыки. Эта связь, равно как и наследование Шенбергом
духовного опыта европейской культуры в целом, вырисовывается со временем все
явственнее. Здесь - источник объективной оценки шенберговского творчества и
надежда на то, что _трудное_ искусство композитора найдет доступ к возможно
более широким кругам слушателей. /Т. Левая/
ШИМАНОВСКИЙ (Szymanowski) Кароль (Мацей) (6 X 1882, Тимошовка, быв.
Херсонской губ. - 29 III 1937, Лозанна)
Разносторонняя деятельность К. Шимановского - крупнейшее явление
музыкальной культуры Польши первых десятилетий нашего века. В нем
соединились дарования композитора, пианиста, педагога,
музыкально-общественного деятеля, критика и писателя. Такой многогранности
способствовало все окружение Шимановского, и в первую очередь - семья с
богатейшими культурными традициями. С раннего детства Шимановский находился
в атмосфере искусства: отец и брат композитора - пианисты, а сестра -
певица, художница и поэтесса. Уже в детские годы Кароль сочиняет оперы, в
домашних постановках которых участвовал его двоюродный брат, будущий
писатель Я. Ивашкевич. Мальчик обучается игре на фортепиано сначала под
руководством отца, а затем в Елизаветграде - в школе своего дяди Г. В.
Нейгауза (отца советского пианиста Генриха Нейгауза).
В 1901-1905 гг. Шимановский учится в Варшавской консерватории, где
овладевает композиторским мастерством в классе З. Носковского. В эти годы он
пишет главным образом фортепианные произведения: сонату, прелюдии, этюды.
Выбор жанров и музыкальный язык выдают приверженность стилю Ф. Шопена и А.
Скрябина. Вскоре начинают ощущаться влияния И. Брамса, М. Регера и в
особенности яркого, красочного оркестрового стиля Р. Штрауса (опера _Хагит_
- 1913, 2 первые симфонии, сочинения для голоса). Подобно многим своим
современникам (М. Равель, С. Прокофьев), Шимановский увлекался
неоклассическим возрождением старинных жанров (сарабанда, менуэт и т. п.).
Сочинение музыки постоянно сочеталось с ее пропагандой, интенсивной
концертной деятельностью, многочисленными поездками по странам мира. В 1985
г. композитор вошел в группу музыкантов _Молодая Польша_, боровшуюся против
академизма, за развитие нового, национально самобытного и высоко
профессионального искусства. В 190614 гг. жизнь Шимановского связана с
Берлином, Веной, поездками по Италии, Германии, Польше, Украине, в страны
Африки: Алжир и Тунис. Образы Востока, его философия и поэзия нашли
отражение в музыкальном творчестве: в Третьей симфонии _Песнь о ночи_
(1916), написанной по мотивам произведений средневекового персидского поэта
Джалаледдина Руми, в вокальных сочинениях _Любовные песни Хафиэа, Песни
безумного муэдзина_, в песнях на слова Р. Тагора. Увлечение Шимановского
Востоком было, во многом близко аналогичным устремлениям Дебюсси и Равеля.
Но не только это связывало польского композитора с французским
импрессионизмом: к годам первой мировой войны относится формирование нового
стиля Шимановского, более современного гармонического языка, уже не
укладывающегося в рамки классико-романтической гармонии. Главное для музыки
Шимановского этих лет - красочность, колористичность звуковой палитры. Это
сказалось в экзотической опере _Король Рогер_ (1918-24) - одной из вершин
творчества; в балетном дивертисменте _Мандрагора_, а произведениях,
навеянных образами античности (кантата _Деметра_, цикл поэм для фортепиано
_Метопы_). Годы первой мировой войны Шимановский провел главным образом на
Украине: в родной Тимошовке, Киеве, Елизаветграде (1917-19), Львове (1919),
он часто приезжал с концертами в Москву и Петроград. После революции
Шимановский принимал участие в создании новой советской культуры: работал в
музыкальном отделе Наркомпроса, выступал перед рабочими и солдатами, писал
статьи о воспитательном воздействии искусства на человека, о его роли в
обществе. Свои эстетические взгляды Шимановский изложил в философской
повести Эфеб и многочисленных статьях о музыке. В 1919 г. Шимановский
переезжает в Варшаву, а в 20-е гг. предпринимает большую гастрольную поездку
по Англии, Франции и Америке (Нью-Йорк, Флорида, Куба).
В 20-е гг. происходит новый поворот в эволюции стиля Шимановского.
Композитор обращается теперь к древнейшим пластам национального фольклора;
изощренная, сложнейшая хроматическая ткань уступила место старинным
диатоническим ладам (вокальный цикл _Слопевне_ на ст. Ю. Тувима). Проводя
много времени в Закопане (Польше), где он лечился от туберкулеза, композитор
изучал местную гуральскую песенность. Результатом собирания народной музыки
явились обработки курпевских и подгаляньских песен, музыка балета
_Разбойники_ (_Харнаси_, 1923-32), _Stabat mater_ (задумано как
_Крестьянский реквием_ - 1926), Четвертая симфония (симфония-концерт с
фортепиано - 1932), Второй квартет, Двадцать мазурок для фортепиано (1926).
Шимановский охватил в своем творчестве все жанры: он написал 2 оперы, 2
балета, оперетту, 6 кантат, 4 симфонии, музыку для фортепиано (3 сонаты,
миниатюры), скрипки (2 концерта, соната, цикл поэм _Мифы_), 2 квартета,
вокальные сочинения.
В последние годы жизни особое внимание Шимановский уделяет
педагогической деятельности; в 1927-33 гг. он возглавлял Варшавскую
консерваторию и был профессором композиции. Продолжались и концертные
выступления в качестве пианиста. В 1933 г. Шимановский приезжал в СССР, он
часто ездил лечиться в Закопане, Австрию и Швейцарию. Подобно многим своим
современникам, Шимановский прошел путь сложной творческой эволюции.
Обращаясь к различным манерам письма, он соединил национальную традицию с
приемами современной композиторской техники и тем самым положил начало
польской музыке XX в. /К. Зенкин/
ШНИТКЕ Альфред Гарриевич (р. 24 XI 1934, г. Энгельс, ныне Саратовской
обл.)
Искусство - вызов философии.
Всемирный философский
конгресс 1985 г.
А. Шнитке - один из самых крупных советских композиторов так
называемого второго поколения. Творчеству Шнитке присуще острое внимание к
проблемам современности, к судьбам человечества и человеческой культуры. Для
него характерны масштабные замыслы, контрастная драматургия, напряженная
экспрессия музыкального звука. В его сочинениях нашли резонанс и трагизм
атомной бомбардировки, и борьба с неотступным злом на земном шаре, и
моральная катастрофа человеческого предательства, и взывание к добру,
заложенному в человеческой личности.
Основные жанры творчества Шнитке - симфонические и камерные.
Композитором созданы 5 симфоний (1972, 1980, 1981, 1984, 1988); 4 концерта
для скрипки с оркестром (1957, 1966, 1978, 1984); концерты для гобоя и арфы
(1970), для фортепиано (1979), альта (1965), виолончели (1986); оркестровые
пьесы _Pianissimo_... (1968), _Пассакалия_ (1980), _Ритуал_ (1984), _(K)ein
Sommernachtstraum_ (_Не по Шекспиру_, 1985); 3 concerti grossi (1977, 1982,
1985); Серенада для 5 музыкантов (1968); фортепианный Квинтет (1976) и его
оркестровый вариант - _In memoriam_ (1978); _Жизнеописание_ для ударных
(1982), Гимны для ансамбля (1974-79), струнное Трио (1985); 2 сонаты для
скрипки с фортепиано (1963, 1968), Соната для виолончели с фортепиано
(1978), _Посвящение Паганини_ для скрипки solo (1982).
Несколько произведений Шнитке предназначены для сцены; балеты
_Лабиринты_ (1971), _Эскизы_ (1985), _Пер Гюнт_ (1987) и сценическая
композиция _Желтый звук_ (1974).
По мере эволюции стиля композитора все большее значение в его
творчестве приобретают вокальные и хоровые сочинения: Три стихотворения
Марины Цветаевой (1965), Реквием (1975), Три мадригала (1980), _Minnesang_
(1981), _История доктора Иоганна Фауста_ (1983), Концерт для хора на ст. Г.
Нарекаци (1985), _Стихи покаянные_ (1988, к 1000-летию крещения Руси).
Поистине новаторской является чрезвычайно интересная работа Шнитке над
музыкой в кино: _Агония, Стеклянная гармоника, Рисунки Пушкина, Восхождение,
Прощание, Маленькие трагедии, Мертвые души_ и др.
Среди постоянных исполнителей музыки Шнитке - крупнейшие советские
музыканты: Г. Рождественский, О. Каган, Ю. Башмет, Н. Гутман, Л. Исакадзе.
В. Полянский, квартеты Москонцерта, им. Л. Бетховена и др. Творчество
советского мастера пользуется широким признанием во всем мире.
Шнитке окончил Московскую консерваторию (1958) и аспирантуру (там же,
1961) по классу сочинения Е. Голубева. В 1961-72 гг. работал преподавателем
в Московской консерватории, а затем - свободный художник.
Первым произведением, которое открыло _зрелого Шнитке_ и предрешило
многие черты дальнейшего развития, стал Второй скрипичный концерт. Вечные
темы страдания, предательства, преодоления смерти воплотились здесь в яркой
контрастной драматургии, где линию _положительных персонажей_ образовали
солирующая скрипка и группа струнных, линию _отрицательных_ - отщепившийся
указывать на недостатки, мешающие органичному росту молодой национальной
культуры: _Я глубоко убежден, что в обязанности композитора входит не только
создание музыкальных произведений, но и пропаганда лучших образцов
музыкального искусства, активное участие в эстетическом воспитании
трудящихся. Как поставлено преподавание музыки в школах, какие песни поют на
праздниках дети, какая музыка интересует молодежь... и это должно волновать
композитора_. /Е. Орлова/
ШЕБАЛИН Виссарион Яковлевич (11 VI 1902, Омск - 28 V 1963, Москва)
Каждый человек должен быть зодчим, а Родина - его храмом.
В. Шебалин
В В. Шебалине неразрывно связаны Художник, Мастер, Гражданин. Цельность
его натуры и привлекательность творческого облика, скромность, отзывчивость,
бескомпромиссность отмечают все, кто знал Шебалина и когда-либо с ним
общался. _Это был удивительно прекрасный человек. Его доброта, честность,
исключительная принципиальность всегда восхищали меня_, - писал Д.
Шостакович. Шебалину было свойственно острое чувство современности. Он вошел
в мир искусства с желанием создавать произведения, созвучные времени, в
котором жил и свидетелем событий которого являлся. Темы его сочинений
выделяются своей актуальностью, значительностью и серьезностью. Но за
величием не исчезает их глубокая внутренняя наполненность и та этическая
сила выразительности, которую не передать внешними, иллюстративными
эффектами. Здесь требуются чистое сердце и щедрая душа. Шебалин родился в
семье интеллигентов. В 1921 г. он поступил в Омское музыкальное училище в
класс М. Невитова (ученика Р. Глиэра), у которого, переиграв огромное
количество сочинений различных авторов, впервые познакомился с
произведениями Н. Мясковского. Они поразили юношу настолько, что для себя он
твердо решил: в будущем продолжать учиться только у Мясковского. Это желание
исполнилось в 1923 г., когда, досрочно окончив училище, Шебалин приехал в
Москву и был принят в Московскую консерваторию. В творческом багаже молодого
композитора к этому времени было несколько оркестровых сочинений, ряд
фортепианных пьес, романсы на стихи Р. Демеля, А. Ахматовой, Сафо, начало
Первого квартета и др. Будучи студентом 2 курса консерватории, он написал
свою Первую симфонию (1925). И хотя она безусловно еще отражала влияние
Мясковского, которому, как вспоминает впоследствии Шебалин, он буквально
_смотрел в рот_ и относился как к _существу высшего порядка_, в ней все же,
уже в достаточной мере ощутимы и яркая творческая индивидуальность автора, и
его стремление к самостоятельному мышлению. Симфония была тепло принята в
Ленинграде в ноябре 1926 г. и получила самые положительные отклики прессы.
Несколькими месяцами позднее в журнале _Музыка и революция_ Б. Асафьев
писал: ..._Шебалин - несомненно крепкий и волевой талант... Это - молодой,
крепко вцепившийся корнями в почву дубок. Он еще развернется, раскинется и
пропоет мощный и полный радости гимн жизни_.
Эти слова оказались пророческими. Шебалин действительно год от года
набирает силы, растет его профессионализм и мастерство. После окончания
консерватории (1928) он становится одним из первых ее аспирантов, а также
приглашается на преподавательскую работу. С 1935 г. он профессор
консерватории, а с 1942 г. - ее директор. Одно за другим появляются
сочинения, написанные в самых разных жанрах: драматическая симфония _Ленин_
(для чтеца, солистов, хора и оркестра), являющаяся первым крупномасштабным
сочинением, написанным на стихи В. Маяковского, 5 симфоний, многочисленные
камерно-инструментальные ансамбли, в том числе 9 квартетов, 2 оперы
(_Укрощение строптивой_ и _Солнце над степью_), 2 балета (_Жаворонок,
Минувших дней воспоминанье_), оперетта _Жених из посольства_, 2 кантаты, 3
оркестровые сюиты, более 70 хоров, около 80 песен и романсов, музыка к
радиопостановкам, кинофильмам (22), театральным спектаклям (35).
Подобная жанровая разносторонность, широкоохватность очень типичны для
Шебалина. Своим ученикам он неоднократно повторял: _Композитор обязан уметь
делать все_. Такие слова несомненно мог сказать лишь тот, кто свободно
владел всеми секретами композиторского искусства и мог служить достойным
примером для подражания. Впрочем, в силу необычайной застенчивости и
скромности Виссарион Яковлевич, занимаясь со студентами, почти никогда не
ссылался на свои собственные композиции. Даже тогда, когда его поздравляли с
удачным исполнением того или иного произведения, он старался увести разговор
в сторону. Так, на комплименты в адрес успешной постановки его оперы
_Укрощение строптивой_ Шебалин, смущаясь и как бы оправдываясь, ответил:
_Там... крепкое либретто_.
Список его учеников (он преподавал также композицию в ЦМШ и в училище
при Московской консерватории) внушителен не только своим числом, но и
составом: Т. Хренников. А. Спадавеккиа, Т. Николаева, К. Хачатурян, А.
Пахмутова, С. Слонимский, Б. Чайковский, С. Губайдулина, Э. Денисов, А.
Николаев, Р. Леденев, Н. Каретников, В. Агафонников, В. Кучера (ЧССР), Л.
Аустер, В. Энке (Эстония) и др. Всех их объединяет любовь и огромное
уважение к учителю - человеку энциклопедических знаний и разносторонних
способностей, для которого поистине не было ничего невозможного. Он блестяще
знал поэзию и литературу, сам сочинял стихи, прекрасно разбирался в
изобразительном искусстве, владел латинским, французским, немецким языками и
пользовался собственными переводами (например, стихотворений Г. Гейне). Он
общался и был дружен со многими выдающимися людьми своего времени: с В.
Маяковским, Э. Багрицким, Н. Асеевым, М. Светловым, М. Булгаковым, А.
Фадеевым, Вс. Мейерхольдом, О. Книппер-Чеховой, В. Станицыным, Н. Хмелевым,
С. Эйзенштейном, Я. Протазановым и др.
Шебалин внес большой вклад в развитие традиций отечественной культуры.
Детальное, скрупулезное изучение им произведений русских классиков позволило
ему осуществить важную работу по восстановлению, завершению и редактированию
многих произведений М. Глинки (Симфония на 2 русские темы, Септет, экзерсисы
для голоса и др.), М. Мусоргского (_Сорочинская ярмарка_), С.
Гулака-Артемовского (II акт оперы _Запорожец за Дунаем_), П. Чайковского, С.
Танеева.
Творческая и общественная работа композитора была отмечена высокими
правительственными наградами. В 1948 г. Шебалин получил грамоту о присвоении
ему звания народного артиста республики, и этот же год стал для него годом
тяжких испытаний. В февральском Постановлении ЦК ВКП(б) _Об опере "Великая
дружба"_ В. Мурадели его творчество, как и творчество его товарищей и коллег
- Шостаковича, Прокофьева, Мясковского, Хачатуряна, подверглось резкой и
несправедливой критике. И хотя через 10 лет она была опровергнута, в то
время Шебалин был отстранен от руководства консерваторией и даже от
педагогической работы. Поддержка пришла из Института военных дирижеров, где
Шебалин стал преподавать, а затем и руководить кафедрой теории музыки.
Спустя 3 года по приглашению нового директора консерватории А. Свешникова он
вернулся в состав профессуры консерватории. Однако незаслуженное обвинение и
нанесенная рана отразились на состоянии здоровья: развивавшаяся
гипертоническая болезнь привела к инсульту и параличу правой руки... Но он
научился писать левой рукой. Композитор завершает ранее начатую оперу
_Укрощение строптивой_ - одно из лучших своих творений - и создает еще целый
ряд замечательных произведений. Это - сонаты для скрипки, альта, виолончели
с фортепиано, Восьмой и Девятый квартеты, а также великолепная Пятая
симфония, музыка которой воистину являет собой _мощный и полный радости гимн
жизни_ и отличается не только особой лучезарностью, светом, созидательным,
жизнеутверждающим началом, но и удивительной непринужденностью высказывания,
той простотой и естественностью, которые бывают присущи только самым высоким
образцам художественного творения. /Н. Симакова/
ШПНБЕРГ (Schonberg) Арнольд (13 IX 1874, Вена - 13 XII 1951,
Лос-Анджелес)
Всю темноту и вину мира новая музыка взяла на себя. Все ее счастье в
том, чтобы познать несчастье; вся ее красота в том, чтобы отказаться от
видимости красоты.
Т. Адорно
A. Шенберг вошел в историю музыки XX в. как создатель додекафонной
системы композиции. Но значение и масштаб деятельности австрийского мастера
не исчерпываются этим фактом. Шенберг был разносторонне одаренной личностью.
Он был блестящим педагогом, воспитавшим целую плеяду современных музыкантов,
среди которых такие известные мастера, как А. Веберн и А. Берг (вместе со
своим учителем они образовали так называемую нововенскую школу). Он был
интересным художником-живописцем, другом О. Кокошки; его картины
неоднократно появлялись на выставках и печатались в репродукциях в
мюнхенском журнале _Голубой всадник_ рядом с работами П. Сезанна, А.
Матисса, В. Ван Гога, B. Кандинского, П. Пикассо. Шенберг был литератором,
поэтом и прозаиком, автором текстов многих своих сочинений. Но прежде всего
он был композитором, оставившим значительное наследие, композитором,
прошедшим очень трудный, но честный и бескомпромиссный путь.
Творчество Шенберга тесно связано с музыкальным экспрессионизмом. Оно
отмечено той напряженностью переживаний и остротой реакции на окружающий
мир, которые характеризовали многих современных художников, творивших в
атмосфере встревоженности, предчувствия и свершения страшных социальных
катаклизмов (Шенберга объединяла с ними и общая жизненная судьба - скитания,
неустроенность, перспектива жить и умереть вдали от родины). Пожалуй, самая
близкая аналогия личности Шенберга - соотечественник и современник
композитора, австрийский писатель Ф. Кафка. Так же, как в романах и новеллах
Кафки, в музыке Шенберга обостренное жизневосприятие сгущается порой до
лихорадочных наваждений, изощренная лирика граничит с гротеском, превращаясь
в душевный кошмар наяву.
Создавая свое нелегкое и глубоко выстраданное искусство, Шенберг был до
фанатизма тверд в убеждениях. Всю жизнь он шел по пути наибольшего
сопротивления, борясь с насмешками, издевательствами, глухим непониманием,
терпя обиды, горькую нужду. _В Вене 1908 года - городе оперетт, классиков и
напыщенного романтизма - Шенберг поплыл против течения_, - писал Г. Эйслер.
Это был не совсем обычный конфликт художника-новатора с обывательской
средой. Мало сказать, что Шенберг был новатором, поставившим себе за правило
говорить в искусстве лишь то, что не было сказано до него. Как утверждают
некоторые исследователи его творчества, новое выступило здесь в чрезвычайно
специфическом, сгущенном варианте, в виде некоей эссенции.
Сверхконцентрированная впечатлительность, требующая адекватного же качества
от слушателя, объясняет особую трудность шенберговской музыки для
восприятия: даже на фоне своих современников-радикалов Шенберг - наиболее
_трудный_ композитор. Но это не отрицает ценности его искусства, субъективно
честного и серьезного, восстававшего против пошлого сладкозвучия и
легковесной мишуры.
Шенберг сочетал в себе способность к сильному чувствованию с
безжалостно дисциплинирующим интеллектом. Этим сочетанием он обязан
переломной эпохе. Вехи жизненного пути композитора отражают последовательную
устремленность от традиционно-романтических высказываний в духе Р. Вагнера
(инструментальные сочинения _Просветленная ночь, Пеллеас и Мелизанда_,
кантата _Песни Гурре_) к новому, строго выверенному творческому методу.
Впрочем, романтическая родословная Шенберга сказывалась и позже, давая
импульс повышенной возбужденности, гипертрофированной экспрессивности его
произведений рубежа 1900-10 гг. Такова, например, монодрама _Ожидание_
(1909, монолог женщины, пришедшей в лес на свидание с возлюбленным и
нашедшей его мертвым). Постромантический культ маски, рафинированная
аффектация в стиле _трагического кабаре_ ощущаются в мелодраме _Лунный
Пьеро_ (1912) для женского голоса и инструментального ансамбля. В этом
произведении Шенберг впервые воплотил принцип так называемого речевого пения
(Sprechgesang): сольная партия хотя и зафиксирована в партитуре нотами, но
звуковысотный строй ее приблизителен - как в декламации. И _Ожидание_ и
_Лунный Пьеро_ написаны в атональной манере, соответствующей новому,
экстраординарному складу образов. Но знаменательно и различие между
произведениями: оркестр-ансамбль с его скупыми, но дифференцированно
выразительными красками отныне притягивает композитора больше, чем полный
оркестровый состав позднеромантического типа.
Однако следующим и решающим шагом на пути к строго экономному письму
послужило создание двенадцатитоновой (додекафонной) системы композиции. В
основе инструментальных сочинений Шенберга 20-40-х гг., таких, как Сюита для
фортепиано, Вариации для оркестра, концерты, струнные квартеты, - лежат
серии из 12 неповторяющихся звуков, взятые в четырех основных вариантах
(техника, восходящая к старинному полифоническому варьированию).
Додекафонный метод композиции приобрел немало почитателей. Свидетельством
резонанса шенберговского изобретения в культурном мире послужило
_цитирование_ его Т. Манном в романе _Доктор Фаустус_; там же говорится об
опасности _интеллектуального холода_, которая подстерегает композитора,
использующего подобную манеру творчества. Универсальным и самодостаточным
этот метод не стал - даже для его создателя. Точнее он являлся таковым лишь
постольку, поскольку не мешал проявиться природной интуиции мастера и
накопленному им музыкально-слуховому опыту, подчас влекущему за собой -
вопреки всем _теориям избежания_ - многообразные ассоциации с тональной
музыкой. Расставание композитора с тональной традицией вообще не было
бесповоротным: известная сентенция _позднего_ Шенберга о том, что многое еще
можно сказать в до мажоре, вполне это подтверждает. Погруженный в проблемы
композиторской техники, Шенберг в то же время был далек от кабинетной
замкнутости. Весьма значительными композиторскими замыслами отозвались в нем
события второй мировой войны - страдания и гибель миллионов людей, ненависть
народов к фашизму. Так, _Ода Наполеону_ (1942, на ст. Дж. Байрона)
представляет собой гневный памфлет против тиранической власти, сочинение
исполнено убийственного сарказма. Текст кантаты _Уцелевший из Варшавы_
(1947), пожалуй, наиболее известного сочинения Шенберга, воспроизводит
подлинный рассказ одного из немногих людей, переживших трагедию варшавского
гетто. Произведение передает ужас и отчаяние последних дней узников гетто,
завершаясь старинной молитвой. Оба сочинения ярко публицистичны и
воспринимаются как документы эпохи. Но публицистическая острота высказывания
не отодвинула в тень природной склонности композитора к философствованию, к
проблематике надвременного звучания, которую он разрабатывал с помощью
мифологических сюжетов. Интерес к поэтике и символике библейского мифа
проявился еще в 30-е гг., в связи с проектом оратории _Лестница Иакова_.
Тогда же Шенберг начал работать над еще более монументальным произведением,
которому посвятил все последние годы своей жизни (впрочем, так и не завершив
его). Речь идет об опере _Моисей и Аарон_. Мифологическая основа послужила
для композитора лишь поводом для размышлений над актуальными вопросами
современности. Основной мотив этой _драмы идей_ - личность и народ, идея и
ее восприятие массой. Изображенный в опере непрерывный словесный поединок
Моисея и Аарона - это извечный конфликт между _мыслителем_ и _деятелем_,
между пророком-правдоискателем, пытающимся вывести свой народ из рабства, -
и оратором-демагогом, который в своей попытке сделать идею образно зримой и
доступной по сути дела предает ее (крах идеи сопровождается разгулом
стихийных сил, с удивительной яркостью воплощенным автором в оргиастическом
_Танце Золотого тельца_). Непримиримость позиций героев подчеркнута
музыкально: по-оперному красивой партии Аарона контрастирует
аскетично-декламационная партия Моисея, чуждая традиционному оперному пению.
В произведении широко представлено ораториальное начало. Хоровые эпизоды
оперы с их монументальной полифонической графикой восходят к баховским
_Страстям_. Здесь выявляется глубинная связь Шенберга с традицией
австро-немецкой музыки. Эта связь, равно как и наследование Шенбергом
духовного опыта европейской культуры в целом, вырисовывается со временем все
явственнее. Здесь - источник объективной оценки шенберговского творчества и
надежда на то, что _трудное_ искусство композитора найдет доступ к возможно
более широким кругам слушателей. /Т. Левая/
ШИМАНОВСКИЙ (Szymanowski) Кароль (Мацей) (6 X 1882, Тимошовка, быв.
Херсонской губ. - 29 III 1937, Лозанна)
Разносторонняя деятельность К. Шимановского - крупнейшее явление
музыкальной культуры Польши первых десятилетий нашего века. В нем
соединились дарования композитора, пианиста, педагога,
музыкально-общественного деятеля, критика и писателя. Такой многогранности
способствовало все окружение Шимановского, и в первую очередь - семья с
богатейшими культурными традициями. С раннего детства Шимановский находился
в атмосфере искусства: отец и брат композитора - пианисты, а сестра -
певица, художница и поэтесса. Уже в детские годы Кароль сочиняет оперы, в
домашних постановках которых участвовал его двоюродный брат, будущий
писатель Я. Ивашкевич. Мальчик обучается игре на фортепиано сначала под
руководством отца, а затем в Елизаветграде - в школе своего дяди Г. В.
Нейгауза (отца советского пианиста Генриха Нейгауза).
В 1901-1905 гг. Шимановский учится в Варшавской консерватории, где
овладевает композиторским мастерством в классе З. Носковского. В эти годы он
пишет главным образом фортепианные произведения: сонату, прелюдии, этюды.
Выбор жанров и музыкальный язык выдают приверженность стилю Ф. Шопена и А.
Скрябина. Вскоре начинают ощущаться влияния И. Брамса, М. Регера и в
особенности яркого, красочного оркестрового стиля Р. Штрауса (опера _Хагит_
- 1913, 2 первые симфонии, сочинения для голоса). Подобно многим своим
современникам (М. Равель, С. Прокофьев), Шимановский увлекался
неоклассическим возрождением старинных жанров (сарабанда, менуэт и т. п.).
Сочинение музыки постоянно сочеталось с ее пропагандой, интенсивной
концертной деятельностью, многочисленными поездками по странам мира. В 1985
г. композитор вошел в группу музыкантов _Молодая Польша_, боровшуюся против
академизма, за развитие нового, национально самобытного и высоко
профессионального искусства. В 190614 гг. жизнь Шимановского связана с
Берлином, Веной, поездками по Италии, Германии, Польше, Украине, в страны
Африки: Алжир и Тунис. Образы Востока, его философия и поэзия нашли
отражение в музыкальном творчестве: в Третьей симфонии _Песнь о ночи_
(1916), написанной по мотивам произведений средневекового персидского поэта
Джалаледдина Руми, в вокальных сочинениях _Любовные песни Хафиэа, Песни
безумного муэдзина_, в песнях на слова Р. Тагора. Увлечение Шимановского
Востоком было, во многом близко аналогичным устремлениям Дебюсси и Равеля.
Но не только это связывало польского композитора с французским
импрессионизмом: к годам первой мировой войны относится формирование нового
стиля Шимановского, более современного гармонического языка, уже не
укладывающегося в рамки классико-романтической гармонии. Главное для музыки
Шимановского этих лет - красочность, колористичность звуковой палитры. Это
сказалось в экзотической опере _Король Рогер_ (1918-24) - одной из вершин
творчества; в балетном дивертисменте _Мандрагора_, а произведениях,
навеянных образами античности (кантата _Деметра_, цикл поэм для фортепиано
_Метопы_). Годы первой мировой войны Шимановский провел главным образом на
Украине: в родной Тимошовке, Киеве, Елизаветграде (1917-19), Львове (1919),
он часто приезжал с концертами в Москву и Петроград. После революции
Шимановский принимал участие в создании новой советской культуры: работал в
музыкальном отделе Наркомпроса, выступал перед рабочими и солдатами, писал
статьи о воспитательном воздействии искусства на человека, о его роли в
обществе. Свои эстетические взгляды Шимановский изложил в философской
повести Эфеб и многочисленных статьях о музыке. В 1919 г. Шимановский
переезжает в Варшаву, а в 20-е гг. предпринимает большую гастрольную поездку
по Англии, Франции и Америке (Нью-Йорк, Флорида, Куба).
В 20-е гг. происходит новый поворот в эволюции стиля Шимановского.
Композитор обращается теперь к древнейшим пластам национального фольклора;
изощренная, сложнейшая хроматическая ткань уступила место старинным
диатоническим ладам (вокальный цикл _Слопевне_ на ст. Ю. Тувима). Проводя
много времени в Закопане (Польше), где он лечился от туберкулеза, композитор
изучал местную гуральскую песенность. Результатом собирания народной музыки
явились обработки курпевских и подгаляньских песен, музыка балета
_Разбойники_ (_Харнаси_, 1923-32), _Stabat mater_ (задумано как
_Крестьянский реквием_ - 1926), Четвертая симфония (симфония-концерт с
фортепиано - 1932), Второй квартет, Двадцать мазурок для фортепиано (1926).
Шимановский охватил в своем творчестве все жанры: он написал 2 оперы, 2
балета, оперетту, 6 кантат, 4 симфонии, музыку для фортепиано (3 сонаты,
миниатюры), скрипки (2 концерта, соната, цикл поэм _Мифы_), 2 квартета,
вокальные сочинения.
В последние годы жизни особое внимание Шимановский уделяет
педагогической деятельности; в 1927-33 гг. он возглавлял Варшавскую
консерваторию и был профессором композиции. Продолжались и концертные
выступления в качестве пианиста. В 1933 г. Шимановский приезжал в СССР, он
часто ездил лечиться в Закопане, Австрию и Швейцарию. Подобно многим своим
современникам, Шимановский прошел путь сложной творческой эволюции.
Обращаясь к различным манерам письма, он соединил национальную традицию с
приемами современной композиторской техники и тем самым положил начало
польской музыке XX в. /К. Зенкин/
ШНИТКЕ Альфред Гарриевич (р. 24 XI 1934, г. Энгельс, ныне Саратовской
обл.)
Искусство - вызов философии.
Всемирный философский
конгресс 1985 г.
А. Шнитке - один из самых крупных советских композиторов так
называемого второго поколения. Творчеству Шнитке присуще острое внимание к
проблемам современности, к судьбам человечества и человеческой культуры. Для
него характерны масштабные замыслы, контрастная драматургия, напряженная
экспрессия музыкального звука. В его сочинениях нашли резонанс и трагизм
атомной бомбардировки, и борьба с неотступным злом на земном шаре, и
моральная катастрофа человеческого предательства, и взывание к добру,
заложенному в человеческой личности.
Основные жанры творчества Шнитке - симфонические и камерные.
Композитором созданы 5 симфоний (1972, 1980, 1981, 1984, 1988); 4 концерта
для скрипки с оркестром (1957, 1966, 1978, 1984); концерты для гобоя и арфы
(1970), для фортепиано (1979), альта (1965), виолончели (1986); оркестровые
пьесы _Pianissimo_... (1968), _Пассакалия_ (1980), _Ритуал_ (1984), _(K)ein
Sommernachtstraum_ (_Не по Шекспиру_, 1985); 3 concerti grossi (1977, 1982,
1985); Серенада для 5 музыкантов (1968); фортепианный Квинтет (1976) и его
оркестровый вариант - _In memoriam_ (1978); _Жизнеописание_ для ударных
(1982), Гимны для ансамбля (1974-79), струнное Трио (1985); 2 сонаты для
скрипки с фортепиано (1963, 1968), Соната для виолончели с фортепиано
(1978), _Посвящение Паганини_ для скрипки solo (1982).
Несколько произведений Шнитке предназначены для сцены; балеты
_Лабиринты_ (1971), _Эскизы_ (1985), _Пер Гюнт_ (1987) и сценическая
композиция _Желтый звук_ (1974).
По мере эволюции стиля композитора все большее значение в его
творчестве приобретают вокальные и хоровые сочинения: Три стихотворения
Марины Цветаевой (1965), Реквием (1975), Три мадригала (1980), _Minnesang_
(1981), _История доктора Иоганна Фауста_ (1983), Концерт для хора на ст. Г.
Нарекаци (1985), _Стихи покаянные_ (1988, к 1000-летию крещения Руси).
Поистине новаторской является чрезвычайно интересная работа Шнитке над
музыкой в кино: _Агония, Стеклянная гармоника, Рисунки Пушкина, Восхождение,
Прощание, Маленькие трагедии, Мертвые души_ и др.
Среди постоянных исполнителей музыки Шнитке - крупнейшие советские
музыканты: Г. Рождественский, О. Каган, Ю. Башмет, Н. Гутман, Л. Исакадзе.
В. Полянский, квартеты Москонцерта, им. Л. Бетховена и др. Творчество
советского мастера пользуется широким признанием во всем мире.
Шнитке окончил Московскую консерваторию (1958) и аспирантуру (там же,
1961) по классу сочинения Е. Голубева. В 1961-72 гг. работал преподавателем
в Московской консерватории, а затем - свободный художник.
Первым произведением, которое открыло _зрелого Шнитке_ и предрешило
многие черты дальнейшего развития, стал Второй скрипичный концерт. Вечные
темы страдания, предательства, преодоления смерти воплотились здесь в яркой
контрастной драматургии, где линию _положительных персонажей_ образовали
солирующая скрипка и группа струнных, линию _отрицательных_ - отщепившийся