Страница:
Несколько последующих лет Глинка провел за границей в Париже (1844-45) и в
Испании (1345-47), специально изучив перед поездкой испанский язык. В Париже
с большим успехом прошел концерт из произведений Глинки, по поводу которого
он писал: ..._Я_ п_е_р_в_ы_й р_у_с_с_к_и_й к_о_м_п_о_з_и_т_о_р, который
познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями,
написанными в Р_о_с_с_и_и и д_л_я Р_о_с_с_и_и. Испанские впечатления
вдохновили Глинку на создание двух симфонических пьес: _Арагонская охота_
(1845) и _Воспоминание о летней ночи в Мадриде_ (1848-51). Одновременно с
ними в 1848 г. появилась знаменитая _Камаринская_ - фантазия на темы двух
русских песен. С этих произведений, равно _докладных знатокам и простой
публике_, ведет свое начало русская симфоническая музыка.
Последнее десятилетие жизни Глинка жил попеременно в России
(Новоспасское, Петербург, Смоленск) и за рубежом (Варшава), Париж, Берлин).
Атмосфера все сгущавшегося глухого недоброжелательства угнетающе действовала
на него. Лишь небольшой круг истинных и горячих почитателей поддерживал его
в эти годы. Среди них А. Даргомыжский, дружба с которым началась еще в
период постановки оперы _Иван Сусанин_; В. Стасов, А. Серов, молодой М.
Балакирев. Творческая активность у Глинки заметно снижается, однако новые
веяния в русском искусстве, связанные с расцветом _натуральной школы_, не
прошли мимо его внимания к определили направление дальнейших художественных
поисков. Он начинает работу над программной симфонией _Тарас Бульба_ и
оперой-драмой _Двумужница_ (по А. Шаховскому, незаконч.). Одновременно
возник интерес к полифоническому искусству эпохи Возрождения, мысль о
возможности связать _Фугу западную с у_с_л_о_в_и_я_м_и н_а_ш_е_й м_у_з_ы_к_и
узами законного брака_. Это вновь привело Глинку в 1856 г. в Берлин к З.
Дену. Начался новый этап творческой биографии, которому не суждено было
завершиться... Глинка не успел осуществить многое из того, что было
задумано. Однако его идеи получили развитие в творчестве русских
композиторов последующих поколений, начертавших на своем художественном
знамени имя основоположника русской музыки. /О. Аверьянова/
ГЛИЭР Рейнгольд Морицевич (11 I 1875, Киев - 23 VI 1956, Москва)
Глиэр! Семь роз моих фарсийских,
Семь одалиск моих садов,
Волшебств владыка мусикийских,
Ты превратил в семь соловьев.
Вяч. Иванов
Когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция, Глиэр
- в то время уже известный композитор, педагог, дирижер - сразу же активно
включился в работу по строительству советской музыкальной культуры. Младший
представитель русской композиторской школы, ученик С. Танеева, А. Аренского,
М. Ипполитова-Иванова, своей разносторонней деятельностью он осуществлял
живую связь советской музыки с богатейшими традициями и художественным
опытом прошлого. _Я не примыкал ни к какому кружку или школе_, - писал о
себе Глиэр, но его творчество невольно вызывает в памяти имена М. Глинки, А.
Бородина, А. Глазунова из-за сходства в восприятии мира, который предстает у
Глиэра светлым, гармоничным, цельным. _Передавать свои мрачные настроения в
музыке считаю преступлением_, - говорил композитор.
Творческое наследие Глиэра обширно и разнообразно: 5 опер, 6 балетов, 3
симфонии, 4 инструментальных концерта, музыка для духового оркестра, для
оркестра народных инструментов, камерные ансамбли, инструментальные пьесы,
фортепианные и вокальные сочинения для детей, музыка для театра и кино.
Начав заниматься музыкой вопреки воле родителей, Рейнгольд упорной
работой доказал право на любимое искусство и после нескольких лет учебы в
Киевском музыкальном училище в 1894 г. поступил в Московскую консерваторию
по классу скрипки, а затем композиции. ..._Никто у меня никогда так много не
работал в классе, как Глиэр_, - писал Танеев Аренскому. И не только в
классе. Глиэр штудировал произведения русских писателей, книги по философии,
психологии, истории, интересовался научными открытиями. Не довольствуясь
учебным курсом, он самостоятельно изучал музыкальную классику, посещал
музыкальные вечера, где познакомился с С. Рахманиновым, А. Гольденвейзером и
другими деятелями русской музыки. _В Киеве я родился, в Москве я увидел свет
духовный и свет сердца_...- писал Глиэр об этом периоде жизни.
Такая сверхнапряженная работа не оставляла времени на развлечения, да
Глиэр и не стремился к ним. _Я казался каким-то сухарем... неспособным
собраться где-нибудь в ресторане, пивной, покутить_... На такое
времяпровождение ему было жаль тратить время, он считал, что человек должен
стремиться к совершенству, которое достигается упорным трудом, а поэтому
нужно _волю закалить и превратить в стальную_. Однако _сухарем_ Глиэр не
был. Сердце у него было доброе, душа певучая, поэтичная.
Консерваторию Глиэр окончил в 1900 г. с Золотой медалью, являясь к
этому времени автором нескольких камерных сочинений и Первой симфонии. В
последующие годы он пишет много и в разных жанрах. Самый значительный
результат - Третья симфония _Илья Муромец_ (1911), о которой Л. Стоковский
писал автору: _Я думаю, что этой симфонией Вы создали памятник славянской
культуре - музыку, которая выражает силу русского народа_. Сразу же по
окончании консерватории началась педагогическая деятельность Глиэра. С 1900
г. он вел класс гармонии и энциклопедии (так назывался расширенный курс ана-
лиза форм, включавший полифонию и историю музыки) в музыкальной школе сестер
Гнесиных; в летние месяцы 1902 и 1903 гг. готовил к поступлению в
консерваторию Сережу Прокофьева, занимался с Н. Мясковским.
В 1913 г. Глиэр был приглашен профессором класса композиции в Киевскую
консерваторию, а через год стал ее директором. Под его руководством получили
образование известные украинские композиторы Л. Ревуцкий, Б. Лятошинский.
Глнэру удалось привлечь к работе в консерватории таких музыкантов, как Ф.
Блуменфельд, Г. Нейгауз, Б. Яворский. Помимо занятий с композиторами, он
дирижировал студенческим оркестром, руководил оперным, оркестровым, камерным
классами, участвовал в концертах РМО, устраивал в Киеве гастроли многих
выдающихся музыкантов - С. Кусевицкого, Я. Хейфеца, С. Рахманинова, С.
Прокофьева, А. Гречанинова. В 1920 г. Глиэр переехал в Москву, где до 1941
г. вел класс композиции в Московской консерватории. Он воспитал многих
советских композиторов и музыковедов, среди которых А. Н. Александров, Б.
Александров, А. Давиденко, Л. Книппер, А. Хачатурян... _Как-то так выходит_,
- писал Прокофьев, - _что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается
учеником Глиэра - или прямым, или внучатым_.
В Москве в 20-х гг. развернулась многосторонняя просветительская
деятельность Глиэра. Он возглавил организацию общедоступных концертов, взял
шефство над детской колонией, где учил воспитанников хоровому пению,
устраивал с ними спектакли или просто рассказывал сказки, импровизируя на
рояле. Одновременно в течение ряда лет Глиэр руководил студенческими
хоровыми кружками в Коммунистическом университете трудящихся Востока, что
принесло ему как композитору немало ярких впечатлений.
Особенно важен вклад Глиэра в формирование профессиональной музыки
советских республик - Украины, Азербайджана, Узбекистана. С детских лет он
проявлял интерес к народной музыке различных национальностей: _эти образы и
интонации были для меня наиболее естественным способом художественного
выражения моих мыслей и чувств_. Ранее всего состоялось его знакомство с
украинской музыкой, которую он изучал в течение многих лет. Результатом
этого явились симфоническая картина _Запорожцы_ (1921), симфоническая поэма
_Заповiт_ (1941), балет _Тарас Бульба_ (1952).
В 1923 г. Глиэр получил приглашение Наркомпроса АзССР приехать в Баку и
написать оперу на национальный сюжет. Творческим итогом этой поездки стала
опера _Шах-Сенем_, поставленная в Азербайджанском театре оперы и балета в
1927 г. Изучение узбекского фольклора во время подготовки декады узбекского
искусства в Ташкенте привело к созданию увертюры _Ферганский праздник_
(1940) и в соавторстве с Т. Садыковым опер _Лейли и Меджнун_ (1940) и
_Гюльсара_ (1949). Работая над этими произведениями, Глиэр все более
убеждался в необходимости сохранять своеобразие национальных традиций,
искать пути их слияния. Эта идея нашла свое воплощение в _Торжественной
увертюре_ (1937), построенной на русской, украинской, азербайджанской,
узбекской мелодиях, в увертюрах _На славянские народные темы_ и _Дружба
народов_ (1941).
Значительны заслуги Глиэра в формировании советского балета. Выдающимся
событием советского искусства явился балет _Красный мак_. (_Красный
цветок_), поставленный в Большом театре в 1927 г. Это был первый советский
балет на современную тему, рассказывающий о дружбе советского и китайского
народов. Другим значительным произведением в этом жанре стал балет _Медный
всадник_ по поэме А. Пушкина, поставленный в 1949 г. в Ленинграде. _Гимн
великому городу_, завершающий этот балет, сразу стал широко популярным.
Во второй половине 30-х гг. Глиэр впервые обратился к жанру концерта. В
его концертах для арфы (1938), для виолончели (1946), для валторны (1951)
широко трактуются лирические возможности солиста и вместе с тем сохраняется
присущая жанру виртуозность и праздничное воодушевление. Но истинным
шедевром является Концерт для голоса (колоратурное сопрано) с оркестром
(1943) - самое искреннее и обаятельное сочинение композитора. Стихия
концертности вообще была очень естественна для Глиэра, в течение многих
десятилетий активно концертировавшего в качестве дирижера и пианиста.
Выступления продолжались до конца жизни (последнее состоялось за 24 дня до
кончины), при этом Глиэр предпочитал ездить в самые глухие уголки страны,
воспринимая это как важную просветительскую миссию. ..._Композитор обязан до
конца своих дней учиться, совершенствовать мастерство, развивать и обогащать
свое миропонимание, идти вперед и вперед_. Эти слова Глиэр написал в конце
творческого пути. Ими он руководствовался свою жизнь. /О. Аверьянова/
ГЛЮК (Gluck) Кристоф Виллибальд (2 VII 1714, Эрасбах, Бавария - 15 XI
1787, Вена)
Простота, правда и естественность - вот три великих принципа
прекрасного во всех произведениях искусства.
К. В. Глюк
К. В. Глюк - великий оперный композитор, осуществивший во второй
половине XVIII в. реформу итальянской оперы-seria и французской лирической
трагедии. Большая мифологическая опера, переживавшая острейший кризис,
обрела в творчестве Глюка качества подлинной музыкальной трагедии,
наполненной сильными страстями, возвышающей этические идеалы верности,
долга, готовности к самопожертвованию. Появлению первой реформаторской оперы
_Орфей_ предшествовал долгий путь - борьба за право стать музыкантом,
странствия, освоение различных оперных жанров того времени. Глюк прожил
удивительную жизнь, целиком посвятив себя музыкальному театру.
Глюк родился в семье лесничего. Отец считал профессию музыканта
недостойным занятием и всячески препятствовал музыкальным увлечениям
старшего сына. Поэтому еще подростком Глюк уходит из дома, странствует,
мечтает получить хорошее образование (к этому времени он окончил иезуитскую
коллегию в Коммотау). В 1731 г. Глюк поступил в Пражский университет.
Студент философского факультета много времени отдавал музыкальным занятиям -
брал уроки у знаменитого чешского композитора Богуслава Черногорского, пел в
хоре церкви Св. Якова. Странствия в окрестностях Праги (Глюк охотно играл в
бродячих ансамблях на скрипке и особенно любимой виолончели) помогли ближе
познакомиться с чешской народной музыкой.
В 1735 г. Глюк, уже сложившийся профессиональный музыкант, едет в Вену
и поступает на службу в капеллу графа Лобковица. Вскоре итальянский меценат
А. Мельци предложил Глюку место камер-музыканта придворной капеллы в Милане.
В Италии начинается путь Глюка как оперного композитора; он знакомится с
творчеством крупнейших итальянских мастеров, занимается композицией под
руководством Дж. Саммартини. Почти 5 лет продолжался подготовительный этап;
лишь в декабре 1741 г. в Милане с успехом была поставлена первая опера Глюка
_Артаксеркс_ (либр. П. Метастазио). Глюк получает многочисленные заказы из
театров Венеции, Турина, Милана и в течение четырех лет создает еще
несколько опер-seria (_Деметрий, Поро, Демофонт, Гипермнестра_ и др.),
которые принесли ему известность и признание у достаточно искушенной и
требовательной итальянской публики.
В 1745 г. композитор гастролировал в Лондоне. Сильнейшее впечатление
произвели на него оратории Г. Ф. Генделя. Это возвышенное, монументальное,
героическое искусство стало для Глюка важнейшим творческим ориентиром.
Пребывание в Англии, а также выступления с итальянский оперной труппой
братьев Минготти в крупнейших европейских столицах (Дрездене, Вене, Праге,
Копенгагене) обогатили запас музыкальных впечатлений композитора, помогли
завязать интересные творческие контакты, ближе познакомиться с различными
оперными школами. Признанием авторитета Глюка в музыкальном мире стало его
награждение папским орденом _Золотой шпоры. Кавалер Глюк_ - это звание так и
закрепилось за композитором. (Напомним о прекрасной новелле Т. А. Гофмана
_Кавалер Глюк_.)
Новый этап жизни и творчества композитора начинается с переездом в Вену
(1752), где Глюк вскоре занял пост дирижера и композитора придворной оперы,
а в 1774 г. получил звание _действительного императорского и королевского
придворного композитора_. Продолжая сочинять оперы-seria, Глюк обращается и
к новым жанрам. Французские комические оперы (_Остров Мерлина, Мнимая
рабыня. Исправленный пьяница, Одураченный кади_ и др.), написанные на тексты
известных французских драматургов А. Лесажа, Ш. Фавара и Ж. Седена,
обогатили стиль композитора новыми интонациями, композиционными приемами,
ответили потребностям слушателей в непосредственно жизненном,
демократическом искусстве. Большой интерес представляет работа Глюка в жанре
балета. В сотрудничестве с талантливым венским хореографом Г. Анджолини был
создан балет-пантомима _Дон-Жуан_. Новизна этого спектакля - подлинной
хореографической драмы - определяется во многом характером сюжета: не
традиционно сказочного, аллегорического, но глубоко трагедийного, остро
конфликтного, затрагивающего вечные проблемы человеческого бытия. (Сценарий
балета написан по пьесе Ж. Б. Мольера.)
Важнейшим событием в творческой эволюции композитора и в музыкальной
жизни Вены явилась премьера первой реформаторской оперы - _Орфей_ (1762),
Древнегреческий миф о легендарном певце Глюк и Р. Кальцабиджи (автор либр.,
единомышленник и постоянный сотрудник композитора в Вене) трактовали в духе
строгой и возвышенной античной драмы. Красота искусства Орфея и сила его
любви способны преодолеть все преграды - эта вечная и всегда волнующая идея
лежит в основе оперы, одного из самых совершенных творений композитора. В
ариях Орфея, в знаменитом соло флейты, известном также в многочисленных
инструментальных вариантах под названием _Мелодия_, раскрылся оригинальный
мелодический дар композитора; а сцена у врат Аида - драматический поединок
Орфея и фурий - осталась замечательным образцом построения крупной оперной
формы, в которой достигнуто абсолютное единство музыкального и сценического
развития.
За _Орфеем_ последовали еще 2 реформаторские оперы - _Альцеста_ (1767)
и _Парис и Елена_ (1770) (обе на либр. Кальцабиджи). В предисловии к
_Альцесте_, написанном по случаю посвящения оперы герцогу Тосканскому, Глюк
сформулировал художественные принципы, которыми руководствовался во всей
творческой деятельности. Не найдя должной поддержки у венской и итальянской
публики. Глюк отправляется в Париж. Годы, проведенные в столице Франции
(1773-79), - время наивысшей творческой активности композитора. Глюк пишет и
ставит в Королевской академии музыки новые реформаторские оперы - _Ифигения
в Авлиде_ (либр. Л. дю Рулле по трагедии Ж. Расина, 1774), _Армида_ (либр.
Ф. Кино по поэме Т. Тассо _Освобожденный Иерусалим_, 1777), _Ифигения в
Тавриде_ (либр. Н. Гнияра и Л. дю Рулле по драме Г. де ла Туш, 1779), _Эхо и
Нарцисс_ (либр. Л. Чуди, 1779), перерабатывает _Орфея_ и _Альцесту_,
сообразуясь с традициями французского театра. Деятельность Глюка всколыхнула
музыкальную жизнь Парижа, вызвала острейшие эстетические дискуссии. На
стороне композитора - французские просветители, энциклопедисты (Д. Дидро, Ж.
Руссо, Ж. Д'Аламбер, М. Гримм), приветствовавшие рождение истинно высокого
героического стиля в опере; его противники - приверженцы старой французской
лирической трагедии и оперы-seria. Стремясь поколебать позиции Глюка, они
пригласили в Париж итальянского композитора Н. Пиччинни, пользовавшегося в
то время европейским признанием. Полемика между сторонниками Глюка и
Пиччинни вошла в историю французской оперы под названием _войны глюкистов и
пиччиннистов_. Сами же композиторы, относившиеся друг к другу с искренней
симпатией, остались вдалеке от этих _эстетических баталий_.
В последние годы жизни, прошедшие в Вене, Глюк мечтал о создании
немецкой национальной оперы на сюжет Ф. Клопштока _Битва Германа_. Однако
тяжелая болезнь и возраст препятствовали осуществлению этого плана. Во время
похорон Глюкз в Вене исполнялось его последнее произведение _De profundls
(Из бездны взываю_...) для хора и оркестра. Этим своеобразным реквиемом
дирижировал ученик Глюка - А. Сальери.
_Эсхилом музыки_ назвал Глюка страстный поклонник его творчества Г.
Берлиоз. Стилистика музыкальных трагедий Глюка - возвышенная красота и
благородство образов, безупречность вкуса и единство целого,
монументальность композиции, опирающейся на взаимодействие сольных и хоровых
форм, - восходит к традициям античной трагедии. Созданные в эпоху расцвета
просветительского движения накануне Великой французской революции, они
ответили потребностям времени в большом героическом искусстве. Так, Дидро
писал незадолго до приезда Глюка в Париж: _Пусть появится гений, который
утвердит подлинную трагедию... на лирической сцене_. Поставив своей целью
_изгнать из оперы все те дурные излишества, против которых уже долгое время
тщетно протестовали здравый смысл и хороший вкус_, Глюк создает спектакль, в
котором все компоненты драматургии логически целесообразны и выполняют
определенные, необходимые функции в общей композиции. ..._Я избегал
демонстрировать нагромождение эффектных трудностей в ущерб ясности_, -
сказано в посвящении _Альцесты_, - _и я не придавал никакой цены открытию
нового приема, если таковой не вытекал естественно из ситуации и не был
связан с выразительностью_. Так, хор и балет становятся полноправными
участниками действия; интонационно выразительные речитативы естественно
сливаются с ариями, мелодика которых свободна от излишеств виртуозного
стиля; увертюра предвосхищает эмоциональный строй будущего действия;
относительно законченные музыкальные номера объединяются в большие сцены и
т. д. Направленный отбор и концентрация средств музыкально-драматической
характеристики, строгое соподчинение всех звеньев большой композиция - вот
важнейшие открытия Глюка, имевшие огромное значение как для обновления
оперной драматургии, так и для утверждения нового, симфонического мышления.
(Расцвет оперного творчества Глюка приходится на время интенсивнейшего
развития крупных циклических форм - симфонии, сонаты, концепта.) Старший
современник И. Гайдна и В. А. Моцарта, тесно связанный с музыкальной жизнью
и художественной атмосферой Вены. Глюк, и по складу творческой
индивидуальности, и по общей направленности исканий примыкает именно к
венской классической школе. Традиции _высокой трагедии_ Глюка, новые
принципы его драматургии получили развитие в оперном искусстве XIX в.: в
творчестве Л. Керубини, Л. Бетховена, Г. Берлиоза и Р. Вагнера; а в русской
музыке - М. Глинки, исключительно высоко ценившего Глюка как первого среди
оперных композиторов XVIII в. /И. Охалова/
ГОССЕК (Gossec) Франсуа Жозеф (17 I 1734, Верньи, Эно, Бельгия - 16 II
1829, Пасси, близ Парижа)
Французская буржуазная революция XVIII в. _видела в музыке великую
социальную силу_ (Б. Асафьев), способную мощно воздействовать на мышление и
поступки как отдельных людей, так и целых масс. Одним из музыкантов,
владевших вниманием и чувствами этих масс, был Ф. Госсек. К нему обращается
поэт и драматург Революции М. Ж. Шенье в стихотворении О власти музыки:
_Гармоничный Госсек, когда твоя траурная лира провожала гроб автора Меропы_
(Вольтера. - С. Р.), _вдали, в жутком мраке, слышались протяжные аккорды
похоронных тромбонов, глухой рокот затянутых барабанов и унылые завывания
китайского гонга_.
Один из крупнейших музыкальнообщественных деятелей, Госсек начал свой
жизненный путь далеко от культурных центров Европы, в небогатой крестьянской
семье. К музыке он приобщился в певческой школе при кафедральном соборе
Антверпена. Семнадцати лет молодой музыкант уже в Париже, где находит
покровителя - выдающегося французского композитора Ж. Ф. Рамо. Всего лишь
через 3 года Госсек возглавил один из лучших оркестров Европы (капеллы
генерального откупщика Ла Пуплиньера), которым руководил на протяжении
восьми лет (1754-62). В дальнейшем энергия, предприимчивость и авторитет
Госсека обеспечили ему службу в капеллах принцев Конти и Конде. В 1770 г. он
организовал общество _Концерты любителей_, а в 1773 - преобразовал
основанное еще в 1725 г. общество _Духовные концерты_, исполняя при этом
обязанности преподавателя и хормейстера Королевской академии музыки (будущей
Grand Opera). Из-за низкого уровня подготовки французских вокалистов
требовалась реформа музыкального образования, и Госсек взялся за организацию
Королевской школы пения и декламации. Возникнув в 1784 г., она в 1793 г.
переросла в Национальный музыкальный институт, а в 1795 - в консерваторию,
профессором и ведущим инспектором которой Госсек оставался до 1816г. Вместе
с другими профессорами он работал над учебниками по музыкально-теоретическим
дисциплинам. В годы Революции и Империи Госсек пользовался большим
авторитетом, но с наступлением эпохи Реставрации восьмидесятилетний
композитор-республиканец был отстранен от работы в консерватории и от
общественной деятельности.
Диапазон творческих интересов Госсека очень широк. Он писал комические
оперы и лирические драмы, балеты и музыку к драматическим спектаклям,
оратории и мессы (в т. ч. реквием, 1760). Наиболее ценной частью его
наследия стала музыка для церемоний и празднеств Великой французской
революции, а также инструментальная музыка (60 симфоний, ок. 50 квартетов,
трио, увертюр). Один из крупнейших французских симфонистов XVIII в., Госсек
особенно был ценим своими современниками за умение придать оркестровому
произведению французские национальные черты: танцевальность, песенность,
ариозность. Возможно, поэтому его часто называют основоположником
французской симфонии. Но поистине неувядающая слава Госсека - в его
монументальной революционно-патриотической песне. Автор _Песни 14 июля_,
хора _Пробудись, народ!, Гимна Свободе, Те Deum_ (для 200 исполнителей),
знаменитого Траурного марша (ставшего прообразом траурных маршей в
симфонических и инструментальных произведениях композиторов XIX в.), Госсек
пользовался простыми и понятными широкому слушателю интонациями,
музыкальными образами. Их яркость и новизна были таковы, что память о них
сохранилась в творчестве многих композиторов XIX столетия - от Бетховена до
Берлиоза и Верди. /С. Рыцарев/
ГРАНАДОС (Грана дос-и-Кампинья, Gran ados v Campina) Энрике (27 VII
1867, Лерича, Каталония - 24 III 1916, погиб в Ла Манше)
С творчеством Э. Гранадоса связано возрождение национальной испанской
музыки. Участие в движении Ренасимьенто, которое охватило страну на рубеже
XIX-XX вв., дало композитору импульс к созданию классических образцов музыки
нового направления. Деятели Ренасимьенто, в частности музыканты И. Альбенис,
М. де Фалья, X. Турина, стремились вывести испанскую культуру из состояния
застоя, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень
передовых европейских композиторских школ. Большое влияние на Гранадоса, как
и на других испанских композиторов, оказал Ф. Педрель, организатор и идейный
руководитель Ренасимьенто, теоретически обосновавший пути создания
классической испанской музыки в манифесте _За нашу музыку_. Первые уроки
музыки Граиадос получил у товарища своего отца. Вскоре семья переезжает в
Барселону, где Гранадос становится учеником известного педагога X. Пухоля
(фортепиано). Одновременно он занимается композицией у Педреля. Благодаря
помощи мецената способный юноша едет в Париж. Там он совершенствуется в
консерватории у Ш. Берио по фортепиано и Ж. Массне по композиции (1887). В
классе Берио Гранадос знакомится с Р. Виньесом, впоследствии известным
испанским пианистом.
После двухлетнего пребывания в Париже Гранадос возвращается на родину.
Он полон творческих планов. В 1892 г. исполняются его Испанские танцы для
Испании (1345-47), специально изучив перед поездкой испанский язык. В Париже
с большим успехом прошел концерт из произведений Глинки, по поводу которого
он писал: ..._Я_ п_е_р_в_ы_й р_у_с_с_к_и_й к_о_м_п_о_з_и_т_о_р, который
познакомил парижскую публику со своим именем и своими произведениями,
написанными в Р_о_с_с_и_и и д_л_я Р_о_с_с_и_и. Испанские впечатления
вдохновили Глинку на создание двух симфонических пьес: _Арагонская охота_
(1845) и _Воспоминание о летней ночи в Мадриде_ (1848-51). Одновременно с
ними в 1848 г. появилась знаменитая _Камаринская_ - фантазия на темы двух
русских песен. С этих произведений, равно _докладных знатокам и простой
публике_, ведет свое начало русская симфоническая музыка.
Последнее десятилетие жизни Глинка жил попеременно в России
(Новоспасское, Петербург, Смоленск) и за рубежом (Варшава), Париж, Берлин).
Атмосфера все сгущавшегося глухого недоброжелательства угнетающе действовала
на него. Лишь небольшой круг истинных и горячих почитателей поддерживал его
в эти годы. Среди них А. Даргомыжский, дружба с которым началась еще в
период постановки оперы _Иван Сусанин_; В. Стасов, А. Серов, молодой М.
Балакирев. Творческая активность у Глинки заметно снижается, однако новые
веяния в русском искусстве, связанные с расцветом _натуральной школы_, не
прошли мимо его внимания к определили направление дальнейших художественных
поисков. Он начинает работу над программной симфонией _Тарас Бульба_ и
оперой-драмой _Двумужница_ (по А. Шаховскому, незаконч.). Одновременно
возник интерес к полифоническому искусству эпохи Возрождения, мысль о
возможности связать _Фугу западную с у_с_л_о_в_и_я_м_и н_а_ш_е_й м_у_з_ы_к_и
узами законного брака_. Это вновь привело Глинку в 1856 г. в Берлин к З.
Дену. Начался новый этап творческой биографии, которому не суждено было
завершиться... Глинка не успел осуществить многое из того, что было
задумано. Однако его идеи получили развитие в творчестве русских
композиторов последующих поколений, начертавших на своем художественном
знамени имя основоположника русской музыки. /О. Аверьянова/
ГЛИЭР Рейнгольд Морицевич (11 I 1875, Киев - 23 VI 1956, Москва)
Глиэр! Семь роз моих фарсийских,
Семь одалиск моих садов,
Волшебств владыка мусикийских,
Ты превратил в семь соловьев.
Вяч. Иванов
Когда свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция, Глиэр
- в то время уже известный композитор, педагог, дирижер - сразу же активно
включился в работу по строительству советской музыкальной культуры. Младший
представитель русской композиторской школы, ученик С. Танеева, А. Аренского,
М. Ипполитова-Иванова, своей разносторонней деятельностью он осуществлял
живую связь советской музыки с богатейшими традициями и художественным
опытом прошлого. _Я не примыкал ни к какому кружку или школе_, - писал о
себе Глиэр, но его творчество невольно вызывает в памяти имена М. Глинки, А.
Бородина, А. Глазунова из-за сходства в восприятии мира, который предстает у
Глиэра светлым, гармоничным, цельным. _Передавать свои мрачные настроения в
музыке считаю преступлением_, - говорил композитор.
Творческое наследие Глиэра обширно и разнообразно: 5 опер, 6 балетов, 3
симфонии, 4 инструментальных концерта, музыка для духового оркестра, для
оркестра народных инструментов, камерные ансамбли, инструментальные пьесы,
фортепианные и вокальные сочинения для детей, музыка для театра и кино.
Начав заниматься музыкой вопреки воле родителей, Рейнгольд упорной
работой доказал право на любимое искусство и после нескольких лет учебы в
Киевском музыкальном училище в 1894 г. поступил в Московскую консерваторию
по классу скрипки, а затем композиции. ..._Никто у меня никогда так много не
работал в классе, как Глиэр_, - писал Танеев Аренскому. И не только в
классе. Глиэр штудировал произведения русских писателей, книги по философии,
психологии, истории, интересовался научными открытиями. Не довольствуясь
учебным курсом, он самостоятельно изучал музыкальную классику, посещал
музыкальные вечера, где познакомился с С. Рахманиновым, А. Гольденвейзером и
другими деятелями русской музыки. _В Киеве я родился, в Москве я увидел свет
духовный и свет сердца_...- писал Глиэр об этом периоде жизни.
Такая сверхнапряженная работа не оставляла времени на развлечения, да
Глиэр и не стремился к ним. _Я казался каким-то сухарем... неспособным
собраться где-нибудь в ресторане, пивной, покутить_... На такое
времяпровождение ему было жаль тратить время, он считал, что человек должен
стремиться к совершенству, которое достигается упорным трудом, а поэтому
нужно _волю закалить и превратить в стальную_. Однако _сухарем_ Глиэр не
был. Сердце у него было доброе, душа певучая, поэтичная.
Консерваторию Глиэр окончил в 1900 г. с Золотой медалью, являясь к
этому времени автором нескольких камерных сочинений и Первой симфонии. В
последующие годы он пишет много и в разных жанрах. Самый значительный
результат - Третья симфония _Илья Муромец_ (1911), о которой Л. Стоковский
писал автору: _Я думаю, что этой симфонией Вы создали памятник славянской
культуре - музыку, которая выражает силу русского народа_. Сразу же по
окончании консерватории началась педагогическая деятельность Глиэра. С 1900
г. он вел класс гармонии и энциклопедии (так назывался расширенный курс ана-
лиза форм, включавший полифонию и историю музыки) в музыкальной школе сестер
Гнесиных; в летние месяцы 1902 и 1903 гг. готовил к поступлению в
консерваторию Сережу Прокофьева, занимался с Н. Мясковским.
В 1913 г. Глиэр был приглашен профессором класса композиции в Киевскую
консерваторию, а через год стал ее директором. Под его руководством получили
образование известные украинские композиторы Л. Ревуцкий, Б. Лятошинский.
Глнэру удалось привлечь к работе в консерватории таких музыкантов, как Ф.
Блуменфельд, Г. Нейгауз, Б. Яворский. Помимо занятий с композиторами, он
дирижировал студенческим оркестром, руководил оперным, оркестровым, камерным
классами, участвовал в концертах РМО, устраивал в Киеве гастроли многих
выдающихся музыкантов - С. Кусевицкого, Я. Хейфеца, С. Рахманинова, С.
Прокофьева, А. Гречанинова. В 1920 г. Глиэр переехал в Москву, где до 1941
г. вел класс композиции в Московской консерватории. Он воспитал многих
советских композиторов и музыковедов, среди которых А. Н. Александров, Б.
Александров, А. Давиденко, Л. Книппер, А. Хачатурян... _Как-то так выходит_,
- писал Прокофьев, - _что кого из композиторов ни спросишь, он оказывается
учеником Глиэра - или прямым, или внучатым_.
В Москве в 20-х гг. развернулась многосторонняя просветительская
деятельность Глиэра. Он возглавил организацию общедоступных концертов, взял
шефство над детской колонией, где учил воспитанников хоровому пению,
устраивал с ними спектакли или просто рассказывал сказки, импровизируя на
рояле. Одновременно в течение ряда лет Глиэр руководил студенческими
хоровыми кружками в Коммунистическом университете трудящихся Востока, что
принесло ему как композитору немало ярких впечатлений.
Особенно важен вклад Глиэра в формирование профессиональной музыки
советских республик - Украины, Азербайджана, Узбекистана. С детских лет он
проявлял интерес к народной музыке различных национальностей: _эти образы и
интонации были для меня наиболее естественным способом художественного
выражения моих мыслей и чувств_. Ранее всего состоялось его знакомство с
украинской музыкой, которую он изучал в течение многих лет. Результатом
этого явились симфоническая картина _Запорожцы_ (1921), симфоническая поэма
_Заповiт_ (1941), балет _Тарас Бульба_ (1952).
В 1923 г. Глиэр получил приглашение Наркомпроса АзССР приехать в Баку и
написать оперу на национальный сюжет. Творческим итогом этой поездки стала
опера _Шах-Сенем_, поставленная в Азербайджанском театре оперы и балета в
1927 г. Изучение узбекского фольклора во время подготовки декады узбекского
искусства в Ташкенте привело к созданию увертюры _Ферганский праздник_
(1940) и в соавторстве с Т. Садыковым опер _Лейли и Меджнун_ (1940) и
_Гюльсара_ (1949). Работая над этими произведениями, Глиэр все более
убеждался в необходимости сохранять своеобразие национальных традиций,
искать пути их слияния. Эта идея нашла свое воплощение в _Торжественной
увертюре_ (1937), построенной на русской, украинской, азербайджанской,
узбекской мелодиях, в увертюрах _На славянские народные темы_ и _Дружба
народов_ (1941).
Значительны заслуги Глиэра в формировании советского балета. Выдающимся
событием советского искусства явился балет _Красный мак_. (_Красный
цветок_), поставленный в Большом театре в 1927 г. Это был первый советский
балет на современную тему, рассказывающий о дружбе советского и китайского
народов. Другим значительным произведением в этом жанре стал балет _Медный
всадник_ по поэме А. Пушкина, поставленный в 1949 г. в Ленинграде. _Гимн
великому городу_, завершающий этот балет, сразу стал широко популярным.
Во второй половине 30-х гг. Глиэр впервые обратился к жанру концерта. В
его концертах для арфы (1938), для виолончели (1946), для валторны (1951)
широко трактуются лирические возможности солиста и вместе с тем сохраняется
присущая жанру виртуозность и праздничное воодушевление. Но истинным
шедевром является Концерт для голоса (колоратурное сопрано) с оркестром
(1943) - самое искреннее и обаятельное сочинение композитора. Стихия
концертности вообще была очень естественна для Глиэра, в течение многих
десятилетий активно концертировавшего в качестве дирижера и пианиста.
Выступления продолжались до конца жизни (последнее состоялось за 24 дня до
кончины), при этом Глиэр предпочитал ездить в самые глухие уголки страны,
воспринимая это как важную просветительскую миссию. ..._Композитор обязан до
конца своих дней учиться, совершенствовать мастерство, развивать и обогащать
свое миропонимание, идти вперед и вперед_. Эти слова Глиэр написал в конце
творческого пути. Ими он руководствовался свою жизнь. /О. Аверьянова/
ГЛЮК (Gluck) Кристоф Виллибальд (2 VII 1714, Эрасбах, Бавария - 15 XI
1787, Вена)
Простота, правда и естественность - вот три великих принципа
прекрасного во всех произведениях искусства.
К. В. Глюк
К. В. Глюк - великий оперный композитор, осуществивший во второй
половине XVIII в. реформу итальянской оперы-seria и французской лирической
трагедии. Большая мифологическая опера, переживавшая острейший кризис,
обрела в творчестве Глюка качества подлинной музыкальной трагедии,
наполненной сильными страстями, возвышающей этические идеалы верности,
долга, готовности к самопожертвованию. Появлению первой реформаторской оперы
_Орфей_ предшествовал долгий путь - борьба за право стать музыкантом,
странствия, освоение различных оперных жанров того времени. Глюк прожил
удивительную жизнь, целиком посвятив себя музыкальному театру.
Глюк родился в семье лесничего. Отец считал профессию музыканта
недостойным занятием и всячески препятствовал музыкальным увлечениям
старшего сына. Поэтому еще подростком Глюк уходит из дома, странствует,
мечтает получить хорошее образование (к этому времени он окончил иезуитскую
коллегию в Коммотау). В 1731 г. Глюк поступил в Пражский университет.
Студент философского факультета много времени отдавал музыкальным занятиям -
брал уроки у знаменитого чешского композитора Богуслава Черногорского, пел в
хоре церкви Св. Якова. Странствия в окрестностях Праги (Глюк охотно играл в
бродячих ансамблях на скрипке и особенно любимой виолончели) помогли ближе
познакомиться с чешской народной музыкой.
В 1735 г. Глюк, уже сложившийся профессиональный музыкант, едет в Вену
и поступает на службу в капеллу графа Лобковица. Вскоре итальянский меценат
А. Мельци предложил Глюку место камер-музыканта придворной капеллы в Милане.
В Италии начинается путь Глюка как оперного композитора; он знакомится с
творчеством крупнейших итальянских мастеров, занимается композицией под
руководством Дж. Саммартини. Почти 5 лет продолжался подготовительный этап;
лишь в декабре 1741 г. в Милане с успехом была поставлена первая опера Глюка
_Артаксеркс_ (либр. П. Метастазио). Глюк получает многочисленные заказы из
театров Венеции, Турина, Милана и в течение четырех лет создает еще
несколько опер-seria (_Деметрий, Поро, Демофонт, Гипермнестра_ и др.),
которые принесли ему известность и признание у достаточно искушенной и
требовательной итальянской публики.
В 1745 г. композитор гастролировал в Лондоне. Сильнейшее впечатление
произвели на него оратории Г. Ф. Генделя. Это возвышенное, монументальное,
героическое искусство стало для Глюка важнейшим творческим ориентиром.
Пребывание в Англии, а также выступления с итальянский оперной труппой
братьев Минготти в крупнейших европейских столицах (Дрездене, Вене, Праге,
Копенгагене) обогатили запас музыкальных впечатлений композитора, помогли
завязать интересные творческие контакты, ближе познакомиться с различными
оперными школами. Признанием авторитета Глюка в музыкальном мире стало его
награждение папским орденом _Золотой шпоры. Кавалер Глюк_ - это звание так и
закрепилось за композитором. (Напомним о прекрасной новелле Т. А. Гофмана
_Кавалер Глюк_.)
Новый этап жизни и творчества композитора начинается с переездом в Вену
(1752), где Глюк вскоре занял пост дирижера и композитора придворной оперы,
а в 1774 г. получил звание _действительного императорского и королевского
придворного композитора_. Продолжая сочинять оперы-seria, Глюк обращается и
к новым жанрам. Французские комические оперы (_Остров Мерлина, Мнимая
рабыня. Исправленный пьяница, Одураченный кади_ и др.), написанные на тексты
известных французских драматургов А. Лесажа, Ш. Фавара и Ж. Седена,
обогатили стиль композитора новыми интонациями, композиционными приемами,
ответили потребностям слушателей в непосредственно жизненном,
демократическом искусстве. Большой интерес представляет работа Глюка в жанре
балета. В сотрудничестве с талантливым венским хореографом Г. Анджолини был
создан балет-пантомима _Дон-Жуан_. Новизна этого спектакля - подлинной
хореографической драмы - определяется во многом характером сюжета: не
традиционно сказочного, аллегорического, но глубоко трагедийного, остро
конфликтного, затрагивающего вечные проблемы человеческого бытия. (Сценарий
балета написан по пьесе Ж. Б. Мольера.)
Важнейшим событием в творческой эволюции композитора и в музыкальной
жизни Вены явилась премьера первой реформаторской оперы - _Орфей_ (1762),
Древнегреческий миф о легендарном певце Глюк и Р. Кальцабиджи (автор либр.,
единомышленник и постоянный сотрудник композитора в Вене) трактовали в духе
строгой и возвышенной античной драмы. Красота искусства Орфея и сила его
любви способны преодолеть все преграды - эта вечная и всегда волнующая идея
лежит в основе оперы, одного из самых совершенных творений композитора. В
ариях Орфея, в знаменитом соло флейты, известном также в многочисленных
инструментальных вариантах под названием _Мелодия_, раскрылся оригинальный
мелодический дар композитора; а сцена у врат Аида - драматический поединок
Орфея и фурий - осталась замечательным образцом построения крупной оперной
формы, в которой достигнуто абсолютное единство музыкального и сценического
развития.
За _Орфеем_ последовали еще 2 реформаторские оперы - _Альцеста_ (1767)
и _Парис и Елена_ (1770) (обе на либр. Кальцабиджи). В предисловии к
_Альцесте_, написанном по случаю посвящения оперы герцогу Тосканскому, Глюк
сформулировал художественные принципы, которыми руководствовался во всей
творческой деятельности. Не найдя должной поддержки у венской и итальянской
публики. Глюк отправляется в Париж. Годы, проведенные в столице Франции
(1773-79), - время наивысшей творческой активности композитора. Глюк пишет и
ставит в Королевской академии музыки новые реформаторские оперы - _Ифигения
в Авлиде_ (либр. Л. дю Рулле по трагедии Ж. Расина, 1774), _Армида_ (либр.
Ф. Кино по поэме Т. Тассо _Освобожденный Иерусалим_, 1777), _Ифигения в
Тавриде_ (либр. Н. Гнияра и Л. дю Рулле по драме Г. де ла Туш, 1779), _Эхо и
Нарцисс_ (либр. Л. Чуди, 1779), перерабатывает _Орфея_ и _Альцесту_,
сообразуясь с традициями французского театра. Деятельность Глюка всколыхнула
музыкальную жизнь Парижа, вызвала острейшие эстетические дискуссии. На
стороне композитора - французские просветители, энциклопедисты (Д. Дидро, Ж.
Руссо, Ж. Д'Аламбер, М. Гримм), приветствовавшие рождение истинно высокого
героического стиля в опере; его противники - приверженцы старой французской
лирической трагедии и оперы-seria. Стремясь поколебать позиции Глюка, они
пригласили в Париж итальянского композитора Н. Пиччинни, пользовавшегося в
то время европейским признанием. Полемика между сторонниками Глюка и
Пиччинни вошла в историю французской оперы под названием _войны глюкистов и
пиччиннистов_. Сами же композиторы, относившиеся друг к другу с искренней
симпатией, остались вдалеке от этих _эстетических баталий_.
В последние годы жизни, прошедшие в Вене, Глюк мечтал о создании
немецкой национальной оперы на сюжет Ф. Клопштока _Битва Германа_. Однако
тяжелая болезнь и возраст препятствовали осуществлению этого плана. Во время
похорон Глюкз в Вене исполнялось его последнее произведение _De profundls
(Из бездны взываю_...) для хора и оркестра. Этим своеобразным реквиемом
дирижировал ученик Глюка - А. Сальери.
_Эсхилом музыки_ назвал Глюка страстный поклонник его творчества Г.
Берлиоз. Стилистика музыкальных трагедий Глюка - возвышенная красота и
благородство образов, безупречность вкуса и единство целого,
монументальность композиции, опирающейся на взаимодействие сольных и хоровых
форм, - восходит к традициям античной трагедии. Созданные в эпоху расцвета
просветительского движения накануне Великой французской революции, они
ответили потребностям времени в большом героическом искусстве. Так, Дидро
писал незадолго до приезда Глюка в Париж: _Пусть появится гений, который
утвердит подлинную трагедию... на лирической сцене_. Поставив своей целью
_изгнать из оперы все те дурные излишества, против которых уже долгое время
тщетно протестовали здравый смысл и хороший вкус_, Глюк создает спектакль, в
котором все компоненты драматургии логически целесообразны и выполняют
определенные, необходимые функции в общей композиции. ..._Я избегал
демонстрировать нагромождение эффектных трудностей в ущерб ясности_, -
сказано в посвящении _Альцесты_, - _и я не придавал никакой цены открытию
нового приема, если таковой не вытекал естественно из ситуации и не был
связан с выразительностью_. Так, хор и балет становятся полноправными
участниками действия; интонационно выразительные речитативы естественно
сливаются с ариями, мелодика которых свободна от излишеств виртуозного
стиля; увертюра предвосхищает эмоциональный строй будущего действия;
относительно законченные музыкальные номера объединяются в большие сцены и
т. д. Направленный отбор и концентрация средств музыкально-драматической
характеристики, строгое соподчинение всех звеньев большой композиция - вот
важнейшие открытия Глюка, имевшие огромное значение как для обновления
оперной драматургии, так и для утверждения нового, симфонического мышления.
(Расцвет оперного творчества Глюка приходится на время интенсивнейшего
развития крупных циклических форм - симфонии, сонаты, концепта.) Старший
современник И. Гайдна и В. А. Моцарта, тесно связанный с музыкальной жизнью
и художественной атмосферой Вены. Глюк, и по складу творческой
индивидуальности, и по общей направленности исканий примыкает именно к
венской классической школе. Традиции _высокой трагедии_ Глюка, новые
принципы его драматургии получили развитие в оперном искусстве XIX в.: в
творчестве Л. Керубини, Л. Бетховена, Г. Берлиоза и Р. Вагнера; а в русской
музыке - М. Глинки, исключительно высоко ценившего Глюка как первого среди
оперных композиторов XVIII в. /И. Охалова/
ГОССЕК (Gossec) Франсуа Жозеф (17 I 1734, Верньи, Эно, Бельгия - 16 II
1829, Пасси, близ Парижа)
Французская буржуазная революция XVIII в. _видела в музыке великую
социальную силу_ (Б. Асафьев), способную мощно воздействовать на мышление и
поступки как отдельных людей, так и целых масс. Одним из музыкантов,
владевших вниманием и чувствами этих масс, был Ф. Госсек. К нему обращается
поэт и драматург Революции М. Ж. Шенье в стихотворении О власти музыки:
_Гармоничный Госсек, когда твоя траурная лира провожала гроб автора Меропы_
(Вольтера. - С. Р.), _вдали, в жутком мраке, слышались протяжные аккорды
похоронных тромбонов, глухой рокот затянутых барабанов и унылые завывания
китайского гонга_.
Один из крупнейших музыкальнообщественных деятелей, Госсек начал свой
жизненный путь далеко от культурных центров Европы, в небогатой крестьянской
семье. К музыке он приобщился в певческой школе при кафедральном соборе
Антверпена. Семнадцати лет молодой музыкант уже в Париже, где находит
покровителя - выдающегося французского композитора Ж. Ф. Рамо. Всего лишь
через 3 года Госсек возглавил один из лучших оркестров Европы (капеллы
генерального откупщика Ла Пуплиньера), которым руководил на протяжении
восьми лет (1754-62). В дальнейшем энергия, предприимчивость и авторитет
Госсека обеспечили ему службу в капеллах принцев Конти и Конде. В 1770 г. он
организовал общество _Концерты любителей_, а в 1773 - преобразовал
основанное еще в 1725 г. общество _Духовные концерты_, исполняя при этом
обязанности преподавателя и хормейстера Королевской академии музыки (будущей
Grand Opera). Из-за низкого уровня подготовки французских вокалистов
требовалась реформа музыкального образования, и Госсек взялся за организацию
Королевской школы пения и декламации. Возникнув в 1784 г., она в 1793 г.
переросла в Национальный музыкальный институт, а в 1795 - в консерваторию,
профессором и ведущим инспектором которой Госсек оставался до 1816г. Вместе
с другими профессорами он работал над учебниками по музыкально-теоретическим
дисциплинам. В годы Революции и Империи Госсек пользовался большим
авторитетом, но с наступлением эпохи Реставрации восьмидесятилетний
композитор-республиканец был отстранен от работы в консерватории и от
общественной деятельности.
Диапазон творческих интересов Госсека очень широк. Он писал комические
оперы и лирические драмы, балеты и музыку к драматическим спектаклям,
оратории и мессы (в т. ч. реквием, 1760). Наиболее ценной частью его
наследия стала музыка для церемоний и празднеств Великой французской
революции, а также инструментальная музыка (60 симфоний, ок. 50 квартетов,
трио, увертюр). Один из крупнейших французских симфонистов XVIII в., Госсек
особенно был ценим своими современниками за умение придать оркестровому
произведению французские национальные черты: танцевальность, песенность,
ариозность. Возможно, поэтому его часто называют основоположником
французской симфонии. Но поистине неувядающая слава Госсека - в его
монументальной революционно-патриотической песне. Автор _Песни 14 июля_,
хора _Пробудись, народ!, Гимна Свободе, Те Deum_ (для 200 исполнителей),
знаменитого Траурного марша (ставшего прообразом траурных маршей в
симфонических и инструментальных произведениях композиторов XIX в.), Госсек
пользовался простыми и понятными широкому слушателю интонациями,
музыкальными образами. Их яркость и новизна были таковы, что память о них
сохранилась в творчестве многих композиторов XIX столетия - от Бетховена до
Берлиоза и Верди. /С. Рыцарев/
ГРАНАДОС (Грана дос-и-Кампинья, Gran ados v Campina) Энрике (27 VII
1867, Лерича, Каталония - 24 III 1916, погиб в Ла Манше)
С творчеством Э. Гранадоса связано возрождение национальной испанской
музыки. Участие в движении Ренасимьенто, которое охватило страну на рубеже
XIX-XX вв., дало композитору импульс к созданию классических образцов музыки
нового направления. Деятели Ренасимьенто, в частности музыканты И. Альбенис,
М. де Фалья, X. Турина, стремились вывести испанскую культуру из состояния
застоя, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень
передовых европейских композиторских школ. Большое влияние на Гранадоса, как
и на других испанских композиторов, оказал Ф. Педрель, организатор и идейный
руководитель Ренасимьенто, теоретически обосновавший пути создания
классической испанской музыки в манифесте _За нашу музыку_. Первые уроки
музыки Граиадос получил у товарища своего отца. Вскоре семья переезжает в
Барселону, где Гранадос становится учеником известного педагога X. Пухоля
(фортепиано). Одновременно он занимается композицией у Педреля. Благодаря
помощи мецената способный юноша едет в Париж. Там он совершенствуется в
консерватории у Ш. Берио по фортепиано и Ж. Массне по композиции (1887). В
классе Берио Гранадос знакомится с Р. Виньесом, впоследствии известным
испанским пианистом.
После двухлетнего пребывания в Париже Гранадос возвращается на родину.
Он полон творческих планов. В 1892 г. исполняются его Испанские танцы для