Страница:
где-нибудь еще страдает другое существо_. При таком этическом максимализме
_построение мира_ в музыке, достижение гармоничного целого становится
сложнейшей, едва разрешимой проблемой. Малер, по существу, завершает
традицию философского классико-романтического симфонизма (Л. Бетховен - Ф.
Шуберт - И. Брамс - П. Чайковский - А. Брукнер), стремящегося дать ответ на
вечные вопросы бытия, определить место человека в мире.
На рубеже столетий понимание человеческой индивидуальности как высшей
ценности и _вместилища_ всего мироздания переживало особенно глубокий
кризис. Малер остро его чувствовал; и любая его симфония - это титаническая
попытка обретения гармонии, напряженный и каждый раз неповторимый процесс
поиска истины. Творческие искания Малера приводили к нарушению устоявшихся
представлений о прекрасном, к кажущейся бесформенности, несвязности,
эклектичности; композитор возводил свои монументальные концепции словно из
самых разнородных _осколков_ распавшегося мира. В этих поисках заключался
залог сохранения чистоты человеческого духа в одну из самых сложных эпох
истории. _Я - музыкант, который блуждает в пустынной ночи современного
музыкального ремесла без путеводной звезды и подвергается опасности во всем
усомниться или сбиться с пути_, - писал Малер.
Малер родился в бедной еврейской семье, в Чехии. Рано проявились его
музыкальные способности (в 10 лет он дал первый публичный концерт как
пианист). В пятнадцатилетнем возрасте Малер поступил в Венскую
консерваторию, брал уроки композиции у крупнейшего австрийского симфониста
Брукнера, тогда же посещал курсы истории и философии в Венском университете.
Вскоре появились первые произведения: эскизы опер, оркестровая и камерная
музыка. С 20 лет жизнь Малера неразрывно связана с дирижерской работой.
Сначала - оперные театры небольших городков, но уже вскоре - крупнейших
музыкальных центров Европы: Праги (1885), Лейпцига (1886-88), Будапешта
(1888-91), Гамбурга (1891-97). Дирижирование, которому Малер отдавался с не
меньшим энтузиазмом, чем сочинению музыки, поглощало почти все его время, и
над крупными произведениями композитор работал летом, свободный от
театральных обязанностей. Очень часто замысел симфонии рождался из песни.
Малер - автор нескольких вокальных "циклов, первый из которых - _Песни
странствующего подмастерья_, написанный на собственные слова, заставляет
вспомнить Ф. Шуберта, его светлую радость общения с природой и скорбь
одинокого, страдающего скитальца. Из этих песен выросла Первая симфония
(1888), в которой первозданная чистота затемняется гротескным трагизмом
жизни; путь преодоления мрака - в восстановлении единства с природой.
В следующих симфониях композитору уже тесно в рамках классического
четырехчастного цикла, и он расширяет его, а в качестве _носителя
музыкальной идеи_ привлекает поэтическое слово (Ф. Клопштока, Ф. Ницше).
Вторая, Третья и Четвертая симфонии связаны с циклом песен _Волшебный рог
мальчика_. Вторая симфония, о начале которой Малер говорил, что здесь он
_хоронит героя Первой симфонии_, завершается утверждением религиозной идеи
воскресения. В Третьей выход найден в приобщении к вечной жизни природы,
понятой как стихийное, космическое творчество жизненных сил. _Меня всегда
очень задевает то, что большинство людей, говоря о "природе", думает всегда
о цветах, птичках, лесном аромате и т. д. Бога Диониса, великого Пана не
знает никто_.
В 1897 г. Малер становится главным дирижером Венского придворного
оперного театра, 10 лет работы в котором стали эпохой в истории оперного
исполнительства; в лице Малера совмещался гениальный музыкант-дирижер и
режиссер - руководитель спектакля. _Для меня самое большое счастье - не то,
что я достиг внешне блестящего положения, а то, что я отныне обрел родину,
м_о_ю р_о_д_и_н_у_. Среди творческих удач Мэлера-постановщика - оперы Р.
Вагнера, К. В. Глюка, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Б. Сметаны, П.
Чайковского (_Пиковая дама, Евгений Онегин, Иоланта_). Вообще Чайковский
(как и Достоевский) в чем-то был близок нервно-импульсивному, взрывчатому
темпераменту австрийского композитора. Малер был и крупнейшим симфоническим
дирижером, гастролировавшим во многих странах (трижды бывал в России).
Созданные в Вене симфонии обозначили новый этап творческого пути. Четвертая,
в которой мир увиден детскими глазами, удивила слушателей не свойственной
Малеру прежде уравновешенностью, стилизованным, неоклассическим обликом и,
казалось, безоблачной идилличностью музыки. Но идиллия эта мнимая: текст
песни, лежащей в основе симфонии, раскрывает смысл всего произведения - это
только грезы ребенка о райской жизни; и среди мелодий в духе Гайдна и
Моцарта звучит что-то диссонирующе-надломленное.
В последующих трех симфониях (в них Малер не использует поэтических
текстов) колорит в целом омрачается - особенно в Шестой, получившей название
_Трагическая_. Образным истоком этих симфоний стал цикл _Песни об умерших
детях_ (на ст. Ф. Рюккерта). На этом этапе творчества композитор словно уже
не в силах найти разрешения противоречий в самой жизни, в природе или
религии, он видит его в гармонии классического искусства (финалы Пятой и
Седьмой написаны в стиле классиков XVIII в. и резко контрастируют
предшествующим частям).
Последние годы жизни (1907-11) Малер провел в Америке (только уже
тяжело больным он вернулся в Европу для лечения). Бескомпромиссность в
борьбе с рутиной в Венской опере осложнила положение Малера, привела к
настоящей травле. Он принимает приглашение на должность дирижера
Metropolitan Opera (Нью-Йорк), а вскоре становится дирижером Нью-Йоркского
филармонического оркестра. В произведениях этих лет мысль о смерти
сочетается со страстной жаждой запечатлеть всю земную красоту. В Восьмой
симфонии - _симфонии тысячи участников_ (увеличенный оркестр, 3 хора,
солисты) - Малер пытался по-своему претворить идею Девятой симфонии
Бетховена: достижение радости во вселенском единении. _Представьте себе, что
вселенная начинает звучать и звенеть. Поют уже не человеческие голоса, а
кружащиеся солнца и планеты_, - писал композитор. В симфонии использована
заключительная сцена _Фауста_ И. В. Гете. Подобно финалу бетховенской
симфонии, эта сцена - апофеоз утверждения, достижения абсолютного идеала в
классическом искусстве. Для Малера, вслед за Гете, высший идеал, достижимый
полностью лишь в неземной жизни, - _вечно женственное, то, что, по словам
композитора, с мистической силой влечет нас, что каждое творение (может
быть, даже и камни) с безусловной уверенностью ощущает как центр своего
бытия_. Духовное родство с Гете постоянно ощущалось Малером.
На протяжении всего творческого пути Малера цикл песен и симфония шли
рука об руку к. наконец, сплавились воедино в симфонии-кантате _Песнь о
земле_ (1908). Воплощая вечную тему жизни и смерти, Малер обратился на этот
раз к китайской поэзии VIII в. Экспрессивные вспышки драматизма,
камерно-прозрачная (родственная тончайшей китайской живописи) лирика и -
тихое растворение, уход в вечность, благоговейное вслушивание в тишину,
ожидание - вот черты стиля позднего Малера. _Эпилогом_ всего творчества,
прощанием стали Девятая и неоконченная Десятая симфонии. Завершая век
романтизма, Малер оказался провозвестником многих явлений музыки нашего
столетия. Обостренность эмоций, стремление к их крайнему проявлению будет
подхвачено экспрессионистами - А. Шенбергом и А. Бергом. Симфонии А.
Онеггера, оперы Б. Бриттена несут отпечаток малеровской музыки. Особенно
сильное влияние оказал Ma лер на Д. Шостаковича. Предельная искренность,
глубокое сострадание каждому человеку, широта мышления делают Малера очень и
очень близким нашему напряженному, взрывоопасному времени. /К. Зенкин/
МАРТИНУ (Martinu) (8 XII 1890, Поличка, Чехия - 28 VIII 1959, Листаль,
близ Базеля, Швейцария)
Искусство - это всегда личность, которая в одном человеке объединяет
идеалы всех людей.
Б. Мартину
В последние годы имя чешского композитора Б. Мартину все чаще
упоминается в ряду крупнейших мастеров XX в. Мартину - композитор-лирик,
тонко и поэтично воспринимающий мир, эрудированный музыкант, щедро одаренный
фантазией. Его музыке свойственны и сочная колористичность народно-жанровых
образов, и трагедийный драматизм, рожденный событиями военного времени, и
глубина лирико-философского высказывания, воплотившего его размышления о
_проблемах дружбы, любви и смерти_.
Переживший сложные перипетии жизненной судьбы, связанные с пребыванием
в течение многих лет в других странах (Франции, Америке, Италии, Швейцарии),
композитор навсегда сохранил в своей душе глубокую и благоговейную память о
родном крае, преданность тому уголку земли, где впервые увидел свет. Он
родился в семье звонаря, сапожника и театрала-любителя Фердинанда Мартину.
Память хранила впечатления детства, проведенного на высокой башне костела
Св. Якуба, звон колоколов, звучание органа и бесконечный простор,
созерцаемый с высоты колокольни. ..._Этот простор - одно из самых глубоких
впечатлений детства, особенно сильно осознанных и, по-видимому, играющих
большую роль во всем моем отношении к композиции... Это тот простор, который
у меня постоянно перед глазами и который, как мне кажется, я всегда ищу в
своих работах_.
Народные песни, предания, слышанные в семье, глубоко осели в сознании
художника, наполнив его внутренний мир реальными представлениями и
воображаемыми, рожденными детской фантазией. Они озарили лучшие страницы его
музыки, исполненные поэтической созерцательности и ощущения объемности
звукового пространства, колокольной окрашенности звучаний, лирической
теплоты чешско-моравской песенности. В таинстве музыкальных фантазий
композитора, назвавшего свою последнюю Шестую симфонию _Симфоническими
фантазиями_, с их многоцветной, изысканно-живописной палитрой, и
заключается, по словам Г. Рождественского, _та особая магия, завораживающая
слушателя с первых же тактов звучания его музыки_.
Но к таким вершинным лирико-философским откровениям композитор приходит
в зрелый период творчества. Еще будут годы обучения в Пражской
консерватории, где он занимался как скрипач, органист и композитор
(1906-13), плодотворные занятия с И. Суком, ему выпадет счастливая
возможность работать в оркестре знаменитого В. Талиха и в оркестре
Национального театра. Вскоре он надолго уедет в Париж (1923-41), получив
государственную стипендию для совершенствования композиторского мастерства
под руководством А. Русселя (который в день своего 60-летия скажет: _Моей
славой будет Мартину_!). К этому времени уже определились склонности Мартину
в отношении к национальной тематике, к импрессионистическому звуковому
колориту. Он является уже автором симфонических поэм, балета _Кто самый
сильный на свете_? (1923), кантаты _Чешская рапсодия_ (1918), вокальных и
фортепианных миниатюр. Однако впечатления от художественной атмосферы
Парижа, новых веяний в искусстве 20-30-х гг., которые так обогатили
восприимчивую натуру композитора, особенно увлекшегося новациями И.
Стравинского и французской _Шестерки_, оказали огромное влияние на
творческую биографию Мартину. Здесь он пишет кантату на чешские народные
тексты _Букет_ (1937), оперу на сюжет французского драматурга-сюрреалиста Ж.
Неве _Жюльетта_ (1937), неоклассические опусы - Concerto grosso (1938), _Три
ричеркара_ для оркестра (1938), балет с пением _Шпаличек_ (1932), основанный
на народных танцах, обрядах, легендах, Пятый струнный квартет (1938) и
Концерт для двух струнных оркестров, фортепиано и литавр (1938) с их
тревожной атмосферой предвоенного времени. В 1941 г. Мартину вместе с
женой-француженкой вынужден эмигрировать в США. Композитор, чьи сочинения
включали в свои программы С. Кусевицкий, Ш. Мюнш, был принят с почестями,
достойными известного маэстро; и хотя нелегко было включиться в новый ритм и
уклад жизни, Мартину переживает здесь один из самых интенсивных творческих
этапов: он преподает композицию, пополняет свои знания в области литературы,
философии, эстетики, естественных наук, психологии, пишет
музыкально-эстетические эссе, много сочиняет. Патриотические чувства
композитора с особой художественной силой выразил его симфонический реквием
_Памятник Лидице_ (1943) - это отклик на трагедию чешского села, стертого с
лица земли фашистами.
В последние 6 лет после возвращения в Европу (1953) Мартину создает
удивительные по глубине, искренности и мудрости произведения. В них -
чистота и свет (цикл кантат на народно-национальную тему), какая-то особая
рафинированность и поэтичность музыкальной мысли (оркестровые _Притчи,
Фрески Пьеро делла Франческа_), сила и глубина идей (опера _Греческие
пассионы_, оратории _Гора трех огней_ и _Гильгамеш_), пронзительная,
томительная лирика (Концерт для гобоя с оркестром, Четвертый и Пятый
фортепианные концерты).
Творчеству Мартину свойственна широта образного, жанрового и
стилистического диапазона, в нем сочетаются импровизационная свобода
мышления и рационализм, освоение самых смелых новаций своего времени и
творческое переосмысление традиций, гражданственный пафос и сокровенно
теплый лирический тон. Художник-гуманист, Мартину видел свою миссию в
служении идеалам человечества. /Н. Гаврилова/.
МАСКАНЬИ (Mascagni) Пьетро (7 XII 1863, Ливорно - 2 VIII 1945. Рим)
Напрасно думают, что колоссальный, сказочный успех этого молодого
человека есть следствие ловкой рекламы... Масканьи, очевидно, человек не
только очень даровитый, но и очень умный. Он понял, что в настоящее время
повсюду веет духом реализма, сближения искусства с правдой жизни, что
человек с его страстями и горестями нам понятнее и ближе, чем боги и
полубоги. Он с чисто итальянской пластичностью и красивостью иллюстрирует
избираемые им жизненные драмы, и в результате получается произведение почти
неотразимо-симпатичное и привлекательное для публики.
П. Чайковский
П. Масканьи родился в семье булочника, большого любителя музыки.
Заметив у сына музыкальные способности, отец, не жалея скудных средств,
нанял ребенку учителя - баритона Эмилио Бьянки, который подготовил Пьетро к
поступлению в музыкальный лицей им. Керубини. В 13 лет, будучи студентом
первого курса, Масканьи написал Симфонию до минор и _Ave Maria_, которые
были исполнены с большим успехом. Затем способный юноша продолжил занятия
композицией в Миланской консерватории у А. Понкьелли, где учился
одновременно Дж. Пуччини. По окончании консерватории (1885) Масканьи стал
дирижером и руководителем опереточных трупп, с которыми ездил по городам
Италии, а также давал уроки и писал музыку. Когда издательство Сонцоньо
объявило конкурс на одноактную оперу, Масканьи попросил своего друга Дж.
Торджони-Тоццетти написать либретто по нашумевшей тогда драме Дж. Верди
_Сельская честь_. Опера была готова через 2 месяца. Однако, не питая никакой
надежды победить, Масканьи не послал свое _детище_ на конкурс. Это сделала,
тайно от мужа, его жена. _Сельская честь_ была удостоена первой премии, а
композитор - ежемесячной стипендии на 2 года. Постановка оперы в Риме 17 мая
1890 г. имела такой триумф, что композитор не успевал подписывать контракты.
_Сельская честь_ Масканьи положила начало веризму - новому оперному
направлению. Веризм усиленно эксплуатировал те средства художественного
языка, которые создавали эффекты повышенной драматической экспрессии,
открытых, обнаженных эмоций, способствовали колоритному воплощению быта
городской и сельской бедноты. Для создания атмосферы сгущенных эмоциональных
состояний Масканьи впервые в оперной практике применил так называемую _арию
крика_ - с предельно раскрепощенным мелодизмом вплоть до выкриков, с мощным
унисонным дублированием оркестром вокальной партии в момент кульминации... В
1891 г. опера была поставлена в Ла Скала, и Дж. Верди, говорят, сказал: _Я
могу теперь умереть спокойно - есть тот, кто продолжит жизнь итальянской
оперы_. В честь Масканьи было выпущено несколько медалей, сам король
наградил композитора почетным званием _Кавалер Короны_. От Масканьи ждали
новых опер. Однако ни одна из последующих четырнадцати не поднялась до
уровня _Сельской чести_. Так, в Ла Скала в 1895 г. была поставлена
музыкальная трагедия _Вильям Ратклиф_ - после двенадцати представлений она
бесславно сошла со сцены. В том же году потерпела фиаско премьера лирической
оперы _Сильвано_. В 1901 г. сразу в Милане, Риме, Турине, Венеции, Генуе и
Вероне в один вечер 17 января состоялись премьеры оперы _Маски_, но так
широко разрекламированная опера, к ужасу композитора, была в этот вечер
освистана сразу во всех городах. В Ла Скала ее не спасло даже участие Э.
Карузо и А. Тосканини. _Это был_, - по словам итальянской поэтессы А. Негри,
- _самый потрясающий провал во всей истории итальянской оперы_. Оперы
композитора, имевшие наибольший успех, были поставлены в Ла Скала
(_Паризина_ - 1913, _Нерон_ - 1935) и в театре Костанци в Риме (_Ирис_ -
1898, _Маленький Марат_ - 1921). Кроме опер Масканьи писал оперетты (_Король
в Неаполе_ - 1885, _Да!_ - 1919), произведения для симфонического оркестра,
музыку к кинофильмам, вокальные произведения. В 1900 г. Масканьи приезжал с
концертами и беседами о состоянии современной оперы в Россию и был очень
тепло принят.
Жизненный путь композитора завершился уже в середине XX в., однако имя
его осталось принадлежать итальянской оперной классике конца прошлого
столетия. /М. Дворкина/
МАССНЕ (Massenet) Жюль (Эмиль Фредерик) (12 V 1842, Монто, близ г.
Сент-Этьена, деп. Луара - 13 VIII 1912, Париж)
Никогда г-н Массне не показал так хорошо, как в "Вертере", чарующие
качества дарования, сделавшего его музыкальным историком женской души.
К. Дебюсси
Ах, как т_о_ш_е_н Massenet!!! И что всего досаднее, так это то, что в
этой т_о_ш_н_о_т_е что-то родственное с собою чувствую.
П. Чайковский
Дебюсси удивил меня, защищая это кондитерское изделие (Манон Массне. -
Е. Р.)
И. Стравинский
Каждый французский музыкант имеет немного Массне в своем сердце, так же
как каждый итальянец - частицу Верди и Пуччини.
Ф. Пуленк
Разноречивы мнения современников! В них не только борьба вкусов и
устремлений, но и неоднозначность творчества Ж. Массне. Главное достоинство
его музыки - в мелодиях, которые, по словам композитора А. Брюно, _узнаешь
среди тысяч_. Чаще всего они тесно связаны со словом, отсюда их необычайная
гибкость и выразительность. Грань между мелодией и речитативом почти
неуловима, а потому оперные сцены Массне не делятся на замкнутые номера и
связывающие их _служебные_ эпизоды, как это было у его предшественников - Ш.
Гуно, А. Тома, Ф. Галеви. Требования сквозного действия, музыкального
реализма были актуальными требованиями эпохи. Массне воплощал их очень
по-французски, во многом воскрешая традиции, восходящие к Ж. Б. Люлли.
Однако в основе речитации Массне лежит не торжественная, немного напыщенная
декламация трагических актеров, а безыскусственная бытовая речь простого
человека. В этом главная сила и своеобразие лирики Массне, в этом же причина
его неудач, когда он обращался к трагедии классического типа (_Сид_ по П.
Корнелю). Прирожденный лирик, певец интимных движений души, умеющий придать
особую поэтичность женским образам, он часто берется за трагические и
помпезные сюжеты _большой_ оперы. Ему недостаточно театра Opera Comique, он
должен царить и в Grand Opera, для чего предпринимает почти мейерберовские
усилия. Так, на концерте из музыки разных композиторов Массне, втайне от
коллег, добавляет к своей партитуре большой духовой оркестр и, оглушив
публику, оказывается героем дня. Массне предчувствует некоторые достижения
К. Дебюсси и М. Равеля (речитативный стиль в опере, аккордовые блики,
стилизацию старинной французской музыки), но, работая параллельно с ними,
остается все же в рамках эстетики XIX в.
Музыкальная карьера Массне началась с его поступления в консерваторию в
десятилетнем возрасте. Вскоре семья переезжает в Шамбери, но Жюль не может
обойтись без Парижа и дважды убегает из дома. Успешной оказалась лишь вторая
попытка, однако четырнадцатилетний мальчик познал всю неустроенность жизни
артистической богемы, описанной в _Сценах_... А. Мюрже (которого он знал
лично, так же как и прототипов Шонара и Мюзетты). Преодолев годы бедности, в
результате упорного труда Массне добивается Большой Римской премии, дававшей
право на четырехлетнюю поездку в Италию. Из-за границы он возвращается в
1866 г. с двумя франками в кармане и с ученицей по фортепиано, которая тогда
же становится его женой. Дальнейшая биография Массне представляет собой
непрерывную цепь все возрастающих успехов. В 1867 г. поставлена его первая
опера _Двоюродная бабушка_, через год у него появляется постоянный издатель,
пользуются успехом его оркестровые сюиты. А затем Массне создает все более
зрелые и значительные сочинения: оперы _Дон Сезар де Базан_ (1872), _Король
Лахорский_ (1877), ораторию-оперу _Мария Магдалина_ (1873), музыку к
_Эриниям_ Ш. Леконта де Лиля (1873) со знаменитой _Элегией_, мелодия которой
появилась еще в 1866 г. в качестве одной из Десяти фортепианных пьес -
первого изданного произведения Массне. В 1878 г. Массне становится
профессором Парижской консерватории, избирается членом Института Франции. Он
в центре общественного внимания, пользуется любовью публики, известен
всегдашней любезностью и остроумием. Вершина творчества Массне - оперы
_Манон_ (1883) и _Вертер_ (1886), и по сей день они звучат на сценах многих
театров мира. До конца жизни композитор не сбавлял творческой активности: не
давая отдыха ни себе, ни слушателям, он пишет оперу за оперой. Мастерство
растет, но времена меняются, а стиль его остается неизменным. Творческий дар
заметно убывает, особенно в последнее десятилетие, хотя Массне по-прежнему
пользуется уважением, почетом и всеми житейскими благами. В эти годы
написаны оперы _Таис_ (1894) со знаменитым _Размышлением, Жонглер
богоматери_ (1902) и _Дон-Кихот_ (1910, по Ж. Лоррену), созданный специально
для Ф. Шаляпина.
Массне неглубок, считал его постоянный недруг и соперник К. Сен-Санс,
_но это не имеет никакого значения. ...Искусство нуждается в художниках
всевозможных разновидностей... У него было обаяние, способность очаровывать
и нервный, хотя и неглубокий темперамент... В теории мне такой характер
музыки не нравится... Но как устоять, когда слышишь Манон у ног де Грие в
ризнице Сен-Сюльпис? Как не быть захваченным до недр души этими рыданиями
любви? Как раздумывать и анализировать, если ты тронут_? /Е. Рубаха/
МАЧАВАРИАНИ Алексей Давидович (р. 6 X 1913, Гори)
Мачавариани - композитор удивительно национальный. Одновременно с этим
он обладает острым ощущением современности. ...Мачавариани обладает
способностью достигать органического сплава опыта национальной и
инонациональной музыки.
К. Караев
А. Мачавариани - один из крупнейших композиторов Грузии, С именем этого
художника неразрывно связано развитие музыкального искусства республики. В
его творчестве соединились благородство и величавая красота народного
многоголосия, старинных грузинских песнопений и острота, импульсивность
современных средств музыкальной выразительности.
Мачавариани родился в Гори. Здесь находилась знаменитая Горийская
учительская семинария, которая сыграла значительную роль в развитии
образования в Закавказье (в ней учились композиторы У. Гаджибеков, М.
Магомаев). С детства Мачавариани окружала народная музыка и сказочная по
красоте природа. В доме отца будущего композитора, руководившего
любительским хором, собиралась интеллигенция Гори, звучали народные песни.
В 1936 г. Мачавариани оканчивает Тбилисскую государственную
консерваторию по классу П. Рязанова, в 1940 г. - аспирантуру под
руководством этого незаурядного педагога. В 1939 г. появляются первые
симфонические сочинения Мачавариани - поэма _Дуб и мошкара_ и поэма с хором
_Горийские картинки_.
Несколько лет спустя композитор пишет фортепианный концерт (1944), о
котором Д. Шостакович сказал: _Автор его - молодой и безусловно даровитый
музыкант. У него намечается своя творческая индивидуальность, свой
композиторский почерк_. Откликом на события Великой Отечественной войны
стала опера Мать и сын (1945, по одноим. поэме И. Чавчавадзе). Позже
композитор напишет балладу-поэму _Арсен_ для солистов и хора a cappella
(1946), Первую симфонию (1947) и поэму для оркестра с хором _На смерть
героя_ (1948).
В 1950 г. Мачавариани создает лирико-романтический Скрипичный концерт,
с тех пор прочно вошедший в репертуар советских и зарубежных исполнителей.
Величавая оратория _День моей родины_ (1952) воспевает мирный труд,
красоту родной земли. Этот цикл музыкальных картин, пронизанных элементами
жанрового симфонизма, основан на народно-песенном материале, претворенном в
романтическом духе. Образно-эмоциональным камертоном, своего рода эпиграфом
оратории служит лирико-пейзажная 1 часть, носящая название _Утро моей
_построение мира_ в музыке, достижение гармоничного целого становится
сложнейшей, едва разрешимой проблемой. Малер, по существу, завершает
традицию философского классико-романтического симфонизма (Л. Бетховен - Ф.
Шуберт - И. Брамс - П. Чайковский - А. Брукнер), стремящегося дать ответ на
вечные вопросы бытия, определить место человека в мире.
На рубеже столетий понимание человеческой индивидуальности как высшей
ценности и _вместилища_ всего мироздания переживало особенно глубокий
кризис. Малер остро его чувствовал; и любая его симфония - это титаническая
попытка обретения гармонии, напряженный и каждый раз неповторимый процесс
поиска истины. Творческие искания Малера приводили к нарушению устоявшихся
представлений о прекрасном, к кажущейся бесформенности, несвязности,
эклектичности; композитор возводил свои монументальные концепции словно из
самых разнородных _осколков_ распавшегося мира. В этих поисках заключался
залог сохранения чистоты человеческого духа в одну из самых сложных эпох
истории. _Я - музыкант, который блуждает в пустынной ночи современного
музыкального ремесла без путеводной звезды и подвергается опасности во всем
усомниться или сбиться с пути_, - писал Малер.
Малер родился в бедной еврейской семье, в Чехии. Рано проявились его
музыкальные способности (в 10 лет он дал первый публичный концерт как
пианист). В пятнадцатилетнем возрасте Малер поступил в Венскую
консерваторию, брал уроки композиции у крупнейшего австрийского симфониста
Брукнера, тогда же посещал курсы истории и философии в Венском университете.
Вскоре появились первые произведения: эскизы опер, оркестровая и камерная
музыка. С 20 лет жизнь Малера неразрывно связана с дирижерской работой.
Сначала - оперные театры небольших городков, но уже вскоре - крупнейших
музыкальных центров Европы: Праги (1885), Лейпцига (1886-88), Будапешта
(1888-91), Гамбурга (1891-97). Дирижирование, которому Малер отдавался с не
меньшим энтузиазмом, чем сочинению музыки, поглощало почти все его время, и
над крупными произведениями композитор работал летом, свободный от
театральных обязанностей. Очень часто замысел симфонии рождался из песни.
Малер - автор нескольких вокальных "циклов, первый из которых - _Песни
странствующего подмастерья_, написанный на собственные слова, заставляет
вспомнить Ф. Шуберта, его светлую радость общения с природой и скорбь
одинокого, страдающего скитальца. Из этих песен выросла Первая симфония
(1888), в которой первозданная чистота затемняется гротескным трагизмом
жизни; путь преодоления мрака - в восстановлении единства с природой.
В следующих симфониях композитору уже тесно в рамках классического
четырехчастного цикла, и он расширяет его, а в качестве _носителя
музыкальной идеи_ привлекает поэтическое слово (Ф. Клопштока, Ф. Ницше).
Вторая, Третья и Четвертая симфонии связаны с циклом песен _Волшебный рог
мальчика_. Вторая симфония, о начале которой Малер говорил, что здесь он
_хоронит героя Первой симфонии_, завершается утверждением религиозной идеи
воскресения. В Третьей выход найден в приобщении к вечной жизни природы,
понятой как стихийное, космическое творчество жизненных сил. _Меня всегда
очень задевает то, что большинство людей, говоря о "природе", думает всегда
о цветах, птичках, лесном аромате и т. д. Бога Диониса, великого Пана не
знает никто_.
В 1897 г. Малер становится главным дирижером Венского придворного
оперного театра, 10 лет работы в котором стали эпохой в истории оперного
исполнительства; в лице Малера совмещался гениальный музыкант-дирижер и
режиссер - руководитель спектакля. _Для меня самое большое счастье - не то,
что я достиг внешне блестящего положения, а то, что я отныне обрел родину,
м_о_ю р_о_д_и_н_у_. Среди творческих удач Мэлера-постановщика - оперы Р.
Вагнера, К. В. Глюка, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Б. Сметаны, П.
Чайковского (_Пиковая дама, Евгений Онегин, Иоланта_). Вообще Чайковский
(как и Достоевский) в чем-то был близок нервно-импульсивному, взрывчатому
темпераменту австрийского композитора. Малер был и крупнейшим симфоническим
дирижером, гастролировавшим во многих странах (трижды бывал в России).
Созданные в Вене симфонии обозначили новый этап творческого пути. Четвертая,
в которой мир увиден детскими глазами, удивила слушателей не свойственной
Малеру прежде уравновешенностью, стилизованным, неоклассическим обликом и,
казалось, безоблачной идилличностью музыки. Но идиллия эта мнимая: текст
песни, лежащей в основе симфонии, раскрывает смысл всего произведения - это
только грезы ребенка о райской жизни; и среди мелодий в духе Гайдна и
Моцарта звучит что-то диссонирующе-надломленное.
В последующих трех симфониях (в них Малер не использует поэтических
текстов) колорит в целом омрачается - особенно в Шестой, получившей название
_Трагическая_. Образным истоком этих симфоний стал цикл _Песни об умерших
детях_ (на ст. Ф. Рюккерта). На этом этапе творчества композитор словно уже
не в силах найти разрешения противоречий в самой жизни, в природе или
религии, он видит его в гармонии классического искусства (финалы Пятой и
Седьмой написаны в стиле классиков XVIII в. и резко контрастируют
предшествующим частям).
Последние годы жизни (1907-11) Малер провел в Америке (только уже
тяжело больным он вернулся в Европу для лечения). Бескомпромиссность в
борьбе с рутиной в Венской опере осложнила положение Малера, привела к
настоящей травле. Он принимает приглашение на должность дирижера
Metropolitan Opera (Нью-Йорк), а вскоре становится дирижером Нью-Йоркского
филармонического оркестра. В произведениях этих лет мысль о смерти
сочетается со страстной жаждой запечатлеть всю земную красоту. В Восьмой
симфонии - _симфонии тысячи участников_ (увеличенный оркестр, 3 хора,
солисты) - Малер пытался по-своему претворить идею Девятой симфонии
Бетховена: достижение радости во вселенском единении. _Представьте себе, что
вселенная начинает звучать и звенеть. Поют уже не человеческие голоса, а
кружащиеся солнца и планеты_, - писал композитор. В симфонии использована
заключительная сцена _Фауста_ И. В. Гете. Подобно финалу бетховенской
симфонии, эта сцена - апофеоз утверждения, достижения абсолютного идеала в
классическом искусстве. Для Малера, вслед за Гете, высший идеал, достижимый
полностью лишь в неземной жизни, - _вечно женственное, то, что, по словам
композитора, с мистической силой влечет нас, что каждое творение (может
быть, даже и камни) с безусловной уверенностью ощущает как центр своего
бытия_. Духовное родство с Гете постоянно ощущалось Малером.
На протяжении всего творческого пути Малера цикл песен и симфония шли
рука об руку к. наконец, сплавились воедино в симфонии-кантате _Песнь о
земле_ (1908). Воплощая вечную тему жизни и смерти, Малер обратился на этот
раз к китайской поэзии VIII в. Экспрессивные вспышки драматизма,
камерно-прозрачная (родственная тончайшей китайской живописи) лирика и -
тихое растворение, уход в вечность, благоговейное вслушивание в тишину,
ожидание - вот черты стиля позднего Малера. _Эпилогом_ всего творчества,
прощанием стали Девятая и неоконченная Десятая симфонии. Завершая век
романтизма, Малер оказался провозвестником многих явлений музыки нашего
столетия. Обостренность эмоций, стремление к их крайнему проявлению будет
подхвачено экспрессионистами - А. Шенбергом и А. Бергом. Симфонии А.
Онеггера, оперы Б. Бриттена несут отпечаток малеровской музыки. Особенно
сильное влияние оказал Ma лер на Д. Шостаковича. Предельная искренность,
глубокое сострадание каждому человеку, широта мышления делают Малера очень и
очень близким нашему напряженному, взрывоопасному времени. /К. Зенкин/
МАРТИНУ (Martinu) (8 XII 1890, Поличка, Чехия - 28 VIII 1959, Листаль,
близ Базеля, Швейцария)
Искусство - это всегда личность, которая в одном человеке объединяет
идеалы всех людей.
Б. Мартину
В последние годы имя чешского композитора Б. Мартину все чаще
упоминается в ряду крупнейших мастеров XX в. Мартину - композитор-лирик,
тонко и поэтично воспринимающий мир, эрудированный музыкант, щедро одаренный
фантазией. Его музыке свойственны и сочная колористичность народно-жанровых
образов, и трагедийный драматизм, рожденный событиями военного времени, и
глубина лирико-философского высказывания, воплотившего его размышления о
_проблемах дружбы, любви и смерти_.
Переживший сложные перипетии жизненной судьбы, связанные с пребыванием
в течение многих лет в других странах (Франции, Америке, Италии, Швейцарии),
композитор навсегда сохранил в своей душе глубокую и благоговейную память о
родном крае, преданность тому уголку земли, где впервые увидел свет. Он
родился в семье звонаря, сапожника и театрала-любителя Фердинанда Мартину.
Память хранила впечатления детства, проведенного на высокой башне костела
Св. Якуба, звон колоколов, звучание органа и бесконечный простор,
созерцаемый с высоты колокольни. ..._Этот простор - одно из самых глубоких
впечатлений детства, особенно сильно осознанных и, по-видимому, играющих
большую роль во всем моем отношении к композиции... Это тот простор, который
у меня постоянно перед глазами и который, как мне кажется, я всегда ищу в
своих работах_.
Народные песни, предания, слышанные в семье, глубоко осели в сознании
художника, наполнив его внутренний мир реальными представлениями и
воображаемыми, рожденными детской фантазией. Они озарили лучшие страницы его
музыки, исполненные поэтической созерцательности и ощущения объемности
звукового пространства, колокольной окрашенности звучаний, лирической
теплоты чешско-моравской песенности. В таинстве музыкальных фантазий
композитора, назвавшего свою последнюю Шестую симфонию _Симфоническими
фантазиями_, с их многоцветной, изысканно-живописной палитрой, и
заключается, по словам Г. Рождественского, _та особая магия, завораживающая
слушателя с первых же тактов звучания его музыки_.
Но к таким вершинным лирико-философским откровениям композитор приходит
в зрелый период творчества. Еще будут годы обучения в Пражской
консерватории, где он занимался как скрипач, органист и композитор
(1906-13), плодотворные занятия с И. Суком, ему выпадет счастливая
возможность работать в оркестре знаменитого В. Талиха и в оркестре
Национального театра. Вскоре он надолго уедет в Париж (1923-41), получив
государственную стипендию для совершенствования композиторского мастерства
под руководством А. Русселя (который в день своего 60-летия скажет: _Моей
славой будет Мартину_!). К этому времени уже определились склонности Мартину
в отношении к национальной тематике, к импрессионистическому звуковому
колориту. Он является уже автором симфонических поэм, балета _Кто самый
сильный на свете_? (1923), кантаты _Чешская рапсодия_ (1918), вокальных и
фортепианных миниатюр. Однако впечатления от художественной атмосферы
Парижа, новых веяний в искусстве 20-30-х гг., которые так обогатили
восприимчивую натуру композитора, особенно увлекшегося новациями И.
Стравинского и французской _Шестерки_, оказали огромное влияние на
творческую биографию Мартину. Здесь он пишет кантату на чешские народные
тексты _Букет_ (1937), оперу на сюжет французского драматурга-сюрреалиста Ж.
Неве _Жюльетта_ (1937), неоклассические опусы - Concerto grosso (1938), _Три
ричеркара_ для оркестра (1938), балет с пением _Шпаличек_ (1932), основанный
на народных танцах, обрядах, легендах, Пятый струнный квартет (1938) и
Концерт для двух струнных оркестров, фортепиано и литавр (1938) с их
тревожной атмосферой предвоенного времени. В 1941 г. Мартину вместе с
женой-француженкой вынужден эмигрировать в США. Композитор, чьи сочинения
включали в свои программы С. Кусевицкий, Ш. Мюнш, был принят с почестями,
достойными известного маэстро; и хотя нелегко было включиться в новый ритм и
уклад жизни, Мартину переживает здесь один из самых интенсивных творческих
этапов: он преподает композицию, пополняет свои знания в области литературы,
философии, эстетики, естественных наук, психологии, пишет
музыкально-эстетические эссе, много сочиняет. Патриотические чувства
композитора с особой художественной силой выразил его симфонический реквием
_Памятник Лидице_ (1943) - это отклик на трагедию чешского села, стертого с
лица земли фашистами.
В последние 6 лет после возвращения в Европу (1953) Мартину создает
удивительные по глубине, искренности и мудрости произведения. В них -
чистота и свет (цикл кантат на народно-национальную тему), какая-то особая
рафинированность и поэтичность музыкальной мысли (оркестровые _Притчи,
Фрески Пьеро делла Франческа_), сила и глубина идей (опера _Греческие
пассионы_, оратории _Гора трех огней_ и _Гильгамеш_), пронзительная,
томительная лирика (Концерт для гобоя с оркестром, Четвертый и Пятый
фортепианные концерты).
Творчеству Мартину свойственна широта образного, жанрового и
стилистического диапазона, в нем сочетаются импровизационная свобода
мышления и рационализм, освоение самых смелых новаций своего времени и
творческое переосмысление традиций, гражданственный пафос и сокровенно
теплый лирический тон. Художник-гуманист, Мартину видел свою миссию в
служении идеалам человечества. /Н. Гаврилова/.
МАСКАНЬИ (Mascagni) Пьетро (7 XII 1863, Ливорно - 2 VIII 1945. Рим)
Напрасно думают, что колоссальный, сказочный успех этого молодого
человека есть следствие ловкой рекламы... Масканьи, очевидно, человек не
только очень даровитый, но и очень умный. Он понял, что в настоящее время
повсюду веет духом реализма, сближения искусства с правдой жизни, что
человек с его страстями и горестями нам понятнее и ближе, чем боги и
полубоги. Он с чисто итальянской пластичностью и красивостью иллюстрирует
избираемые им жизненные драмы, и в результате получается произведение почти
неотразимо-симпатичное и привлекательное для публики.
П. Чайковский
П. Масканьи родился в семье булочника, большого любителя музыки.
Заметив у сына музыкальные способности, отец, не жалея скудных средств,
нанял ребенку учителя - баритона Эмилио Бьянки, который подготовил Пьетро к
поступлению в музыкальный лицей им. Керубини. В 13 лет, будучи студентом
первого курса, Масканьи написал Симфонию до минор и _Ave Maria_, которые
были исполнены с большим успехом. Затем способный юноша продолжил занятия
композицией в Миланской консерватории у А. Понкьелли, где учился
одновременно Дж. Пуччини. По окончании консерватории (1885) Масканьи стал
дирижером и руководителем опереточных трупп, с которыми ездил по городам
Италии, а также давал уроки и писал музыку. Когда издательство Сонцоньо
объявило конкурс на одноактную оперу, Масканьи попросил своего друга Дж.
Торджони-Тоццетти написать либретто по нашумевшей тогда драме Дж. Верди
_Сельская честь_. Опера была готова через 2 месяца. Однако, не питая никакой
надежды победить, Масканьи не послал свое _детище_ на конкурс. Это сделала,
тайно от мужа, его жена. _Сельская честь_ была удостоена первой премии, а
композитор - ежемесячной стипендии на 2 года. Постановка оперы в Риме 17 мая
1890 г. имела такой триумф, что композитор не успевал подписывать контракты.
_Сельская честь_ Масканьи положила начало веризму - новому оперному
направлению. Веризм усиленно эксплуатировал те средства художественного
языка, которые создавали эффекты повышенной драматической экспрессии,
открытых, обнаженных эмоций, способствовали колоритному воплощению быта
городской и сельской бедноты. Для создания атмосферы сгущенных эмоциональных
состояний Масканьи впервые в оперной практике применил так называемую _арию
крика_ - с предельно раскрепощенным мелодизмом вплоть до выкриков, с мощным
унисонным дублированием оркестром вокальной партии в момент кульминации... В
1891 г. опера была поставлена в Ла Скала, и Дж. Верди, говорят, сказал: _Я
могу теперь умереть спокойно - есть тот, кто продолжит жизнь итальянской
оперы_. В честь Масканьи было выпущено несколько медалей, сам король
наградил композитора почетным званием _Кавалер Короны_. От Масканьи ждали
новых опер. Однако ни одна из последующих четырнадцати не поднялась до
уровня _Сельской чести_. Так, в Ла Скала в 1895 г. была поставлена
музыкальная трагедия _Вильям Ратклиф_ - после двенадцати представлений она
бесславно сошла со сцены. В том же году потерпела фиаско премьера лирической
оперы _Сильвано_. В 1901 г. сразу в Милане, Риме, Турине, Венеции, Генуе и
Вероне в один вечер 17 января состоялись премьеры оперы _Маски_, но так
широко разрекламированная опера, к ужасу композитора, была в этот вечер
освистана сразу во всех городах. В Ла Скала ее не спасло даже участие Э.
Карузо и А. Тосканини. _Это был_, - по словам итальянской поэтессы А. Негри,
- _самый потрясающий провал во всей истории итальянской оперы_. Оперы
композитора, имевшие наибольший успех, были поставлены в Ла Скала
(_Паризина_ - 1913, _Нерон_ - 1935) и в театре Костанци в Риме (_Ирис_ -
1898, _Маленький Марат_ - 1921). Кроме опер Масканьи писал оперетты (_Король
в Неаполе_ - 1885, _Да!_ - 1919), произведения для симфонического оркестра,
музыку к кинофильмам, вокальные произведения. В 1900 г. Масканьи приезжал с
концертами и беседами о состоянии современной оперы в Россию и был очень
тепло принят.
Жизненный путь композитора завершился уже в середине XX в., однако имя
его осталось принадлежать итальянской оперной классике конца прошлого
столетия. /М. Дворкина/
МАССНЕ (Massenet) Жюль (Эмиль Фредерик) (12 V 1842, Монто, близ г.
Сент-Этьена, деп. Луара - 13 VIII 1912, Париж)
Никогда г-н Массне не показал так хорошо, как в "Вертере", чарующие
качества дарования, сделавшего его музыкальным историком женской души.
К. Дебюсси
Ах, как т_о_ш_е_н Massenet!!! И что всего досаднее, так это то, что в
этой т_о_ш_н_о_т_е что-то родственное с собою чувствую.
П. Чайковский
Дебюсси удивил меня, защищая это кондитерское изделие (Манон Массне. -
Е. Р.)
И. Стравинский
Каждый французский музыкант имеет немного Массне в своем сердце, так же
как каждый итальянец - частицу Верди и Пуччини.
Ф. Пуленк
Разноречивы мнения современников! В них не только борьба вкусов и
устремлений, но и неоднозначность творчества Ж. Массне. Главное достоинство
его музыки - в мелодиях, которые, по словам композитора А. Брюно, _узнаешь
среди тысяч_. Чаще всего они тесно связаны со словом, отсюда их необычайная
гибкость и выразительность. Грань между мелодией и речитативом почти
неуловима, а потому оперные сцены Массне не делятся на замкнутые номера и
связывающие их _служебные_ эпизоды, как это было у его предшественников - Ш.
Гуно, А. Тома, Ф. Галеви. Требования сквозного действия, музыкального
реализма были актуальными требованиями эпохи. Массне воплощал их очень
по-французски, во многом воскрешая традиции, восходящие к Ж. Б. Люлли.
Однако в основе речитации Массне лежит не торжественная, немного напыщенная
декламация трагических актеров, а безыскусственная бытовая речь простого
человека. В этом главная сила и своеобразие лирики Массне, в этом же причина
его неудач, когда он обращался к трагедии классического типа (_Сид_ по П.
Корнелю). Прирожденный лирик, певец интимных движений души, умеющий придать
особую поэтичность женским образам, он часто берется за трагические и
помпезные сюжеты _большой_ оперы. Ему недостаточно театра Opera Comique, он
должен царить и в Grand Opera, для чего предпринимает почти мейерберовские
усилия. Так, на концерте из музыки разных композиторов Массне, втайне от
коллег, добавляет к своей партитуре большой духовой оркестр и, оглушив
публику, оказывается героем дня. Массне предчувствует некоторые достижения
К. Дебюсси и М. Равеля (речитативный стиль в опере, аккордовые блики,
стилизацию старинной французской музыки), но, работая параллельно с ними,
остается все же в рамках эстетики XIX в.
Музыкальная карьера Массне началась с его поступления в консерваторию в
десятилетнем возрасте. Вскоре семья переезжает в Шамбери, но Жюль не может
обойтись без Парижа и дважды убегает из дома. Успешной оказалась лишь вторая
попытка, однако четырнадцатилетний мальчик познал всю неустроенность жизни
артистической богемы, описанной в _Сценах_... А. Мюрже (которого он знал
лично, так же как и прототипов Шонара и Мюзетты). Преодолев годы бедности, в
результате упорного труда Массне добивается Большой Римской премии, дававшей
право на четырехлетнюю поездку в Италию. Из-за границы он возвращается в
1866 г. с двумя франками в кармане и с ученицей по фортепиано, которая тогда
же становится его женой. Дальнейшая биография Массне представляет собой
непрерывную цепь все возрастающих успехов. В 1867 г. поставлена его первая
опера _Двоюродная бабушка_, через год у него появляется постоянный издатель,
пользуются успехом его оркестровые сюиты. А затем Массне создает все более
зрелые и значительные сочинения: оперы _Дон Сезар де Базан_ (1872), _Король
Лахорский_ (1877), ораторию-оперу _Мария Магдалина_ (1873), музыку к
_Эриниям_ Ш. Леконта де Лиля (1873) со знаменитой _Элегией_, мелодия которой
появилась еще в 1866 г. в качестве одной из Десяти фортепианных пьес -
первого изданного произведения Массне. В 1878 г. Массне становится
профессором Парижской консерватории, избирается членом Института Франции. Он
в центре общественного внимания, пользуется любовью публики, известен
всегдашней любезностью и остроумием. Вершина творчества Массне - оперы
_Манон_ (1883) и _Вертер_ (1886), и по сей день они звучат на сценах многих
театров мира. До конца жизни композитор не сбавлял творческой активности: не
давая отдыха ни себе, ни слушателям, он пишет оперу за оперой. Мастерство
растет, но времена меняются, а стиль его остается неизменным. Творческий дар
заметно убывает, особенно в последнее десятилетие, хотя Массне по-прежнему
пользуется уважением, почетом и всеми житейскими благами. В эти годы
написаны оперы _Таис_ (1894) со знаменитым _Размышлением, Жонглер
богоматери_ (1902) и _Дон-Кихот_ (1910, по Ж. Лоррену), созданный специально
для Ф. Шаляпина.
Массне неглубок, считал его постоянный недруг и соперник К. Сен-Санс,
_но это не имеет никакого значения. ...Искусство нуждается в художниках
всевозможных разновидностей... У него было обаяние, способность очаровывать
и нервный, хотя и неглубокий темперамент... В теории мне такой характер
музыки не нравится... Но как устоять, когда слышишь Манон у ног де Грие в
ризнице Сен-Сюльпис? Как не быть захваченным до недр души этими рыданиями
любви? Как раздумывать и анализировать, если ты тронут_? /Е. Рубаха/
МАЧАВАРИАНИ Алексей Давидович (р. 6 X 1913, Гори)
Мачавариани - композитор удивительно национальный. Одновременно с этим
он обладает острым ощущением современности. ...Мачавариани обладает
способностью достигать органического сплава опыта национальной и
инонациональной музыки.
К. Караев
А. Мачавариани - один из крупнейших композиторов Грузии, С именем этого
художника неразрывно связано развитие музыкального искусства республики. В
его творчестве соединились благородство и величавая красота народного
многоголосия, старинных грузинских песнопений и острота, импульсивность
современных средств музыкальной выразительности.
Мачавариани родился в Гори. Здесь находилась знаменитая Горийская
учительская семинария, которая сыграла значительную роль в развитии
образования в Закавказье (в ней учились композиторы У. Гаджибеков, М.
Магомаев). С детства Мачавариани окружала народная музыка и сказочная по
красоте природа. В доме отца будущего композитора, руководившего
любительским хором, собиралась интеллигенция Гори, звучали народные песни.
В 1936 г. Мачавариани оканчивает Тбилисскую государственную
консерваторию по классу П. Рязанова, в 1940 г. - аспирантуру под
руководством этого незаурядного педагога. В 1939 г. появляются первые
симфонические сочинения Мачавариани - поэма _Дуб и мошкара_ и поэма с хором
_Горийские картинки_.
Несколько лет спустя композитор пишет фортепианный концерт (1944), о
котором Д. Шостакович сказал: _Автор его - молодой и безусловно даровитый
музыкант. У него намечается своя творческая индивидуальность, свой
композиторский почерк_. Откликом на события Великой Отечественной войны
стала опера Мать и сын (1945, по одноим. поэме И. Чавчавадзе). Позже
композитор напишет балладу-поэму _Арсен_ для солистов и хора a cappella
(1946), Первую симфонию (1947) и поэму для оркестра с хором _На смерть
героя_ (1948).
В 1950 г. Мачавариани создает лирико-романтический Скрипичный концерт,
с тех пор прочно вошедший в репертуар советских и зарубежных исполнителей.
Величавая оратория _День моей родины_ (1952) воспевает мирный труд,
красоту родной земли. Этот цикл музыкальных картин, пронизанных элементами
жанрового симфонизма, основан на народно-песенном материале, претворенном в
романтическом духе. Образно-эмоциональным камертоном, своего рода эпиграфом
оратории служит лирико-пейзажная 1 часть, носящая название _Утро моей