Страница:
После _Итальянки в Алжире_ и _Танкреда_ творчество Россини быстро идет
в гору и уже через 3 года достигает одной из вершин. В начале 1816 г. в Риме
состоялась премьера _Севильского цирюльника_. Написанная всего за 20 дней, -
эта опера стала не только высочайшим достижением комедийно-сатирического
гения Россини, но и кульминационной точкой в почти столетнем развитии жанра
оперы-buifa.
С _Севильским цирюльником_ слава композитора вышла за пределы Италии.
Блестящий россиниевский стиль освежил искусство Европы кипучей
жизнерадостностью, искрящимся остроумием, пенящейся страстью. _Мой
"Цирюльник" с каждым днем пользуется все большим успехом, - писал Россини, -
и даже к самым заядлым противникам новой школы он сумел так подлизнуться,
что они против своей воли начинают все сильнее любить этого ловкого парня_.
Фанатично-восторженное и поверхностное отношение к музыке Россини
аристократической публики и буржуазной знати способствовало появлению у
композитора множества оппонентов. Однако среди европейской художественной
интеллигенции были и серьезные ценители его творчества. Под обаянием
россиниевской музыки находились Э. Делакруа, О. Бальзак, А. Мюссе, Ф.
Гегель, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, М. Глинка. И даже К. М. Вебер и Г. Берлиоз,
занимавшие по отношению к Россини критическую позицию, не сомневались в его
гениальности. _После смерти Наполеона нашелся еще один человек, о котором
все время толкуют повсюду: в Москве и Неаполе, в Лондоне и Вене, в Париже и
Калькутте_, - так писал о Россини Стендаль.
Постепенно композитор теряет интерес к onepe-buffa. Написанная вскоре в
этом жанре _Золушка_ не являет слушателям новых творческих откровений
композитора. Сочиненная же в 1817 г. опера _Сорока-воровка_ и вовсе выходит
за пределы комедийного жанра, становясь образцом музыкально-бытовой
реалистической драмы. С этого времени Россини начал уделять больше внимания
операм героико-драматического содержания. Вслед за _Отелло_ появляются
легендарно-исторические произведения: _Моисей, Женщина озера, Магомет II_.
После первой итальянской революции (1820-21) и ее жестокого подавления
австрийскими войсками Россини с неаполитанской оперной труппой уезжает на
гастроли в Вену. Венские триумфы еще больше укрепили европейскую славу
композитора. Вернувшись на короткий срок в Италию для постановки
_Семирамиды_ (1823), Россини отправляется в Лондон, а затем в Париж. Там он
живет до 1836 г. В Париже композитор возглавляет Итальянский оперный театр,
привлекая для работы в нем своих молодых соотечественников; перерабатывает
для Grand Opera оперы _Моисей_ и _Магомет II_ (последняя шла на парижской
сцене под названием _Осада Коринфа_); пишет по заказу Opera Comique изящную
оперу _Граф Ори_; и наконец, в августе 1829 г. ставит на сцене Grand Opera
свой последний шедевр - оперу _Вильгельм Телль_, оказавшую огромное влияние
на последующее развитие жанра итальянской героической оперы в творчестве В.
Беллини, Г. Доницетти и Дж. Верди.
_Вильгельм Телль_ завершил музыкально-сценическое творчество Россини.
Последовавшее за ним оперное молчание гениального маэстро, имевшего за
плечами около 40 опер, современники называли загадкой века, окружая это
обстоятельство всевозможными домыслами. Сам же композитор впоследствии
писал: _Насколько рано, едва созревшим юношей, я начал сочинять, настолько
же рано раньше, чем кто-либо мог это предвидеть, я бросил писать. Так всегда
бывает в жизни: кто рано начинает, должен, согласно законам природы, рано
кончить_.
Однако и перестав писать оперы, Россини продолжал оставаться в центре
внимания европейской музыкальной общественности. Весь Париж прислушивался к
меткому критическому слову композитора, его личность как магнит притягивала
музыкантов, поэтов, художников. С ним встречался Р. Вагнер, общением с
Россини гордился К. Сен-Санс, Лист показывал итальянскому маэстро свои
сочинения, восторженно отзывался о встрече с ним В. Стасов.
В последующие за _Вильгельмом Теллем_ годы Россини создал
величественное духовное произведение _Stabat mater_, Маленькую торжественную
мессу и _Песню титанов_, оригинальное собрание вокальных произведений под
названием _Музыкальные вечера_ и цикл пьес для фортепиано, носящий шутливый
заголовок _Грехи старости_. С 1836 по 1856 гг. Россини, окруженный славой и
почестями, жил в Италии. Там он руководил Болонским музыкальным лицеем и
занимался педагогической деятельностью. Возвратившись затем в Париж, он
остался там до конца своих дней.
Спустя 12 лет после смерти композитора его прах был перенесен на родину
и захоронен в пантеоне церкви Санта-Кроче во Флоренции рядом с останками
Микеланджело и Галилея.
Все свое состояние Россини завещал на благо культуры и искусства
родного города Пезаро. В наши дни здесь регулярно проходят россиниевские
оперные фестивали, среди участников которых можно встретить имена крупнейших
современных музыкантов. /И. Ветлицына/
РУБИНШТЕЙН Антон Григорьевич (28 XI 1829, дер. Выхватинцы, ныне Молд.
ССР - 20 XI 1894, Петергоф, близ Петербурга)
Меня всегда интересовало исследовать, - м_о_ж_е_т л_и и в к_а_к_о_й
с_т_е_п_е_н_и музыка не только передавать индивидуальность и душевное
настроение того или иного сочинителя, но быть также отзвуком или отголоском
времени, исторических событий, состояния общественной культуры и т. д. И я
пришел к убеждению, что она может быть таким отзвуком до мельчайших
подробностей...
А. Рубинштейн
А. Рубинштейн - одна из центральных фигур русской музыкальной жизни
второй половины XIX в. В его лице сочетались гениальный пианист, крупнейший
организатор музыкальной жизни и композитор, работавший в разных жанрах и
создавший ряд прекрасных произведений, сохраняющих значение и ценность до
наших дней. О том, какое место деятельность и облик Рубинштейна занимали в
отечественной культуре, свидетельствуют многие источники и факты. Его
портреты написали B. Перов, И. Репин, И. Крамской, M. Врубель. Ему посвящено
множество стихотворений - больше, чем какому-либо другому музыканту той
эпохи. Он упоминается в переписке А. Герцена с Н. Огаревым. О нем с
восхищением отзывались Л. Толстой и И. Тургенев...
Понять и оценить Рубинштейна-композитора невозможно в отрыве от других
сторон его деятельности и, не в меньшей мере, от особенностей биографии. Он
начал как многие вундеркинды середины века, совершив со своим учителем А.
Виллуаном концертное турне по крупным городам Европы в 1840-43 гг. Однако
весьма скоро он приобрел полную самостоятельность: из-за разорения и смерти
отца младший брат Николай с матерью покинули Берлин, где мальчики занимались
теорией композиции с З. Деном, и вернулись в Москву. Антон же переехал в
Вену и всей своей дальнейшей карьерой обязан исключительно самому себе.
Выработавшиеся в детстве и юности трудолюбие, независимость и твердость
характера, гордое артистическое самосознание, демократизм
музыканта-профессионала, для которого искусство является единственным
источником материального существования, - все эти черты остались
характерными для музыканта до конца его дней.
Рубинштейн был первым русским музыкантом, слава которого была поистине
всесветной: в разные годы он многократно концертировал во всех странах
Европы и в США. И почти всегда он включал в программы собственные
фортепианные либо дирижировал своими оркестровыми сочинениями. Но и без того
рубинштейновская музыка звучала в странах Европы очень много. Так, Ф. Лист
продирижировал в 1854 г. в Веймаре его оперой _Сибирские охотники_, а спустя
несколько лет там же - ораторией _Потерянный рай_. Но основное приложение
многогранное дарование и поистине гигантская энергия Рубинштейна нашли,
конечно, в России. Он вошел в историю отечественной культуры как инициатор и
один из основателей Русского музыкального общества - ведущей концертной
организации, способствовавшей развитию регулярной концертной жизни и
музыкального образования в русских городах. По его же инициативе была
создана первая в стране Петербургская консерватория - он стал ее директором
и профессором. В первом же выпуске его учеников был П. Чайковский. Все виды,
все отрасли творческой деятельности Рубинштейна объединяются идеей
просветительства. И композиторская - тоже.
Творческое наследие Рубинштейна огромно. Вероятно, он - самый
плодовитый композитор во всей второй половине XIX в. Он написал 13 опер и 4
духовные оперы-оратории, 6 симфоний и ок. 10 других сочинений для оркестра,
ок. 20 камерно-инструментальных ансамблей. Число фортепианных пьес
превосходит 200; на тексты русских, немецких, сербских и др. поэтов создано
ок. 180 романсов и вокальных ансамблей... Большая часть этих сочинений
сохраняет интерес чисто исторический. _Многописание_, быстрота процесса
сочинения весьма вредили качеству, отделанности произведений. Нередко
возникало внутреннее противоречие между импровизационностью изложения
музыкальных мыслей и достаточно жесткими схемами их развития.
Но среди сотен по справедливости забытых опусов есть в наследии Антона
Рубинштейна замечательные создания, в которых сказались его богато
одаренная, мощная личность, чуткий слух, щедрый мелодический дар,
композиторское мастерство. Особенно удавались композитору музыкальные образы
Востока, что было, начиная с М. Глинки, коренной традицией русской музыки.
Художественные завоевания в этой сфере признавали даже критики, резко
отрицательно относившиеся к творчеству Рубинштейна, - а таких, весьма
влиятельных, как, например, Ц. Кюи, было немало.
Среди лучших рубинштейновских восточных воплощений - опера _Демон_ и
_Персидские песни_ (и незабываемый голос Шаляпина, со сдержанной, тихой
страстью выводящий _О если б вовеки так было_...) В _Демоне_ сложился жанр
русской лирической оперы, вскоре получивший воплощение в _Евгении Онегине_.
Русская литература или портретная живопись тех лет показывают, что
стремление отразить душевный мир, психологию современника были свойством
всей художественной культуры. Музыка Рубинштейна передала это через
интонационный строй оперы. Мятущегося, неудовлетворенного, стремящегося к
счастью и не могущего его достигнуть, - Демона Рубинштейна слушатель тех лет
отождествлял с собой, и такое отождествление происходило в русском оперном
театре, кажется, впервые. И, как это бывает в истории искусств, отразив и
выразив свое время, лучшая опера Рубинштейна тем самым сохраняет волнующий
интерес для нас. Живут и звучат романсы (_Ночь - Мой голос для тебя и
ласковый и нежный_ - эти стихи А. Пушкина были положены композитором на свою
раннюю фортепианную пьесу - _Романс_ фа мажор), и Эпиталама из оперы
_Нерон_, и Четвертый концерт для фортепиано с оркестром... /Л.
Корабельникова/
РУССЕЛЬ (Roussel) Альбер (Шарль Поль Мари) (5 IV 1869, Туркуэн, деп.
Нор - 23 VIII 1937, Руайан, деп. Приморская Шаранта)
Необычна биография А. Русселя - одного из видных французских
композиторов первой половины XX в. Свои молодые годы он провел в плаваниях
по Индийскому и Тихому океанам, как и Н. Римский-Корсаков, посетил
экзотические страны. Морской офицер Руссель и не помышлял о музыке как о
профессии. Только в возрасте 25 лет он решает полностью посвятить себя
музыке. Пройдя период колебаний и сомнений, Руссель просит об отставке,
поселяется в небольшом городе Рубэ. Здесь он начинает занятия по гармонии с
директором местной музыкальной школы. С октября 1894г. Руссель живет в
Париже, где берет уроки композиции у Э. Жиго. Через 4 года он поступает в
Schola cantorum в класс композиции В. д'Энди, куда уже в 1902 г. его
приглашают на пост профессора контрапункта. Там он преподает до начала
первой мировой войны. В классе Русселя занимаются композиторы, занявшие
впоследствии видное место в музыкальной культуре Франции,Э. Сати, Э. Варез,
П. Ле Флем, А. Ролан-Манюэль.
Первые сочинения Русселя, исполненные под его управлением в 1898г. и
получившие премию на конкурсе Общества композиторов, не сохранились. В 1903
г. в концерте Национального музыкального общества было исполнено
симфоническое произведение _Воскресение_, вдохновленное романом Л. Толстого
(дирижировал А. Корто). А еще до этого события имя Русселя становится
известным в музыкальных кругах благодаря его камерным и вокальным сочинениям
(Трио для фортепиано, скрипки и виолончели, Четыре поэмы для голоса и
фортепиано на стихи А. Ренье, _Проходят часы_ для фортепиано).
Интерес к Востоку заставляет Русселя вновь предпринять большое
путешествие в Индию, Камбоджу и на Цейлон. Композитор вновь любуется
величественными храмами, посещает представления театра теней, слушает
оркестр гамелана. Большое впечатление производят на него руины древнего
индийского города Читора, где когда-то царствовала Падмавати. Восток, с
музыкальным искусством которого Руссель познакомился еще в юности,
существенно обогатил его музыкальный язык, В произведениях ранних лет
композитор использует характерные интонационные особенности индийской,
камбоджийской, индонезийской музыки. Особенно ярко образы Востока
представлены в опере-балете _Падмавати_, поставленной в Grand Opera (1923) и
имевшей большой успех. Позже, в 30-х гг. Руссель одним из первых начинает
использовать в своем творчестве так называемые экзотические лады -
древнегреческие, китайские, индийские (Соната для скрипки и фортепиано).
Руссель не избежал влияния импрессионизма. В одноактном балете _Пир
паука_ (1912) он создал партитуру, отмеченную изысканной красотой образов,
изящной, изобретательной оркестровкой.
Участие в первой мировой войне стало переломным временем в жизни
Русселя. Вернувшись с фронта, композитор меняет свою творческую манеру. Он
примыкает к новому течению неоклассицизма. _Альбер Руссель нас покидает_, -
писал критик Э. Вийермоз, приверженец импрессионизма, - _покидает не
попрощавшись, молчаливо, сосредоточенно, сдержанно... Он уйдет, он уходит,
он ушел. Но куда_? Отход от импрессионизма виден уже во Второй симфонии
(1919-22). В Третьей (1930) и Четвертой симфониях (1934-35) композитор все
больше утверждается на новом пути, создавая произведения, в которых
конструктивное начало все больше выдвигается на первый план.
В конце 20-х гг. сочинения Русселя становятся известными за рубежом. В
1930 г. он посещает США и присутствует на исполнении своей Третьей симфонии
Бостонским симфоническим оркестром под управлением С. Кусевицкого, по заказу
которого она и была написана. Руссель имел большой авторитет педагога. Среди
его учеников многие известные композиторы XX века: наряду с упоминавшимися
выше это Б. Мартину, К. Рисагер, П. Петридис. С 1935 г. и до конца жизни
(1937) Руссель был председателем Народной музыкальной федерации Франции.
Определяя свой идеал, композитор говорил: _Культ духовных ценностей -
основа всякого общества, претендующего на цивилизованность, а среди других
искусств музыка - наиболее чуткое и возвышенное выражение этих ценностей_.
/В. Ильева/
РЯЭТС Яан Петрович (р. 15 X 1932, Тарту)
Ярок и безошибочно узнаваем в хоре многонациональной советской музыки
голос эстонского композитора Я. Ряэтса - художника, вслушивающегося в эпоху,
стремящегося к созданию собственного, глубоко индивидуального ее образа,
_приучившего_ слушателя за многие годы своей творческой деятельности к
смелости замыслов, к неожиданности композиционных решений.
Закончив Таллиннскую консерваторию по классу М. Саара и X. Эллера
(1957), в начале своего творческого пути Ряэтс сочетал композиторскую
деятельность с работой звукорежиссера Эстонского радио (195566), а затем -
музыкального руководителя республиканского телевидения. Со студенческих лет
основные интересы Ряэтса сосредоточились в камерно-симфонической сфере.
Оттолкнувшись от национальной романтической традиции (ранние фортепианные
сонаты, Первая и Третья симфонии), он, как и его ровесники Э. Тамберг, В.
Тормис, начал активный поиск собственного творческого метода. Мерилом для
молодого композитора являлись оказавшие на него заметное влияние классики XX
в. - Д. Шостакович, С. Прокофьев, И. Стравинский, П. Хиндемит. Волевой
темперамент, тонкий артистизм, отточенность музыкальной мысли, _земная,
осязаемая, мускулистая плоть музыки_ (М. Арановский), новый взгляд на
традиционную структуру жанра... Так заявил о себе создатель Концерта для
камерного оркестра (1961) - произведения, сразу поставившего Ряэтса в ряды
ведущих мастеров советского музыкального искусства.
Сегодня в активе композитора около 80 опусов самых различных жанров: 8
симфоний, 2 концерта для камерного оркестра, 2 концерта для скрипки, Концерт
для виолончели, 6 квартетов, 5 фортепианных трио, фортепианные Квинтет и
Секстет, Аллегро для фортепиано, виолончели и оркестра, 4 фортепианных
концерта (один из них - для двух фортепиано). Фортепиано занимает особое
место в творчестве Ряэтса. Кроме названных сочинений для чего написаны 9
сонат, 6 циклов по 24 пьесы (2 цикла прелюдий - один из них с камерным
хором; цикл багателей, 2 цикла _Маргиналий, Путевые тетради_). Фортепианные
опусы Ряэтса прочно вошли в репертуар как учащейся молодежи, так и зрелых
исполнителей. Показательно, что его Токката была избрана обязательной пьесой
в программе IV Международного конкурса им. П. И. Чайковского (1970). _Яан
Ряэтс - не только интересный музыкант_, - говорит К. Рандалу. - ..._каждый
раз талант композитора преподносит нам что-то новое, требующее обдумывания,
даже разгадки. Таковы, например, "Маргиналии" - своего рода фантазии в духе
музыки различных стилей от барокко до бытовых жанров современности_. Было бы
неверно ограничивать представление о Ряэтсе как о композиторе исключительно
камерно-симфоническом. Не менее плодотворны, хотя и не многочисленны
_выходы_ в другие сферы. Им созданы такие вокально-инструментальные полотна,
как декламатория _Карл Маркс; Школьная кантата_, посвященная 110-летию со
дня рождения В. И. Ленина; _Маленькая оратория_ (все на ст. Э. Ветемаа).
Хорошо известна музыка Ряэтса для кино, где он постоянно сотрудничает с
режиссером В. Кяспера. Их имена соседствуют в титрах многих фильмов (в т. ч.
_Девушка в черном; Время жить, время любить; Опасные игры; Рябиновые
ворота_).
Широкому жанровому диапазону отвечает стилистически разнообразная
языковая палитра эстонского мастера. Художник, постоянно вслушивающийся в
мир окружающих его звуков, Ряэтс смело соединяет даже в рамках одного
сочинения _старое и новое, серьезное и легкое. Сейчас в музыке сложное
время_, - сказал Ряэтс в одной из бесед. - _При множестве течений перед
композитором открываются широкие возможности в выборе того или иного способа
самовыражения. Но есть и некая общая тенденции: композиторы ищут пути к
слушателю, хотят быть ближе, понятнее ему_... Творчество самого Ряэтса
насквозь пронизано таким стремлением. Не случайно его произведения
пользуются неизменным успехом как у нас в стране, так и за ее пределами - на
Кубе, в Чехословакии, Англии, США, Японии, Франции, Финляндии и др.
Наш современник, Яан Ряэтс - в неустанном движении, поиске новых форм
существования любимого искусства. Это забота не только Ряэтса-композитора,
но Ряэтса-педагога (с 1981 г. он доцент Таллиннской консерватории), Ряэтса -
музыкально-общественного деятеля.
Находясь в гуще жизни, Ряэтс черпает вдохновение в самой жизни. В этом
залог неувядающей новизны творчества замечательного композитора, встречи с
которым всегда ждут и исполнитель, и слушатель. /Т. Фрумкис/
САЛМАНОВ Вадим Николаевич (4 XI 1912, Петербург - 27 II 1978,
Ленинград)
В. Салманов - выдающийся советский композитор, автор многих
симфонических, хоровых, камерных инструментальных и вокальных произведений.
Его оратория-поэма _Двенадцать_ (по А. Блоку) и хоровой цикл _Лебедушка_,
симфонии и квартеты стали подлинными завоеваниями советской музыки.
Салманов рос в интеллигентной семье, где постоянно звучала музыка. Его
отец, инженер-металлург по профессии, был хорошим пианистом и в свободные
часы играл дома сочинения широкого круга композиторов: от И. С. Баха до Ф.
Листа и Ф. Шопена, от М. Глинки до С. Рахманинова. Заметив способности сына,
отец начал приобщать его с 6 лет к систематическим занятиям музыкой, и
мальчик не без сопротивления подчинился воле отца. Незадолго до поступления
молодого, подававшего большие надежды музыканта в консерваторию скончался
отец, и семнадцатилетний Вадим пошел работать на завод, а позднее занялся
гидрогеологией. Но однажды, побывав на концерте Э. Гилельса, взволнованный
услышанным, он принял решение посвятить себя музыке. Встреча с композитором
А. Гладковским укрепила в нем это решение: в 1936 г. Салманов поступил в
Ленинградскую консерваторию в класс сочинения М. Гнесина и инструментовки -
М. Штейнберга.
Салманов воспитывался в традициях славной петербургской школы (что
наложило отпечаток на его ранние сочинения), но вместе с тем жадно
интересовался современной ему музыкой. Из студенческих работ выделяются 3
романса на ст. А, Блока - любимого поэта Салманова, Сюита для струнного
оркестра и Маленькая симфония, в которых уже проявляются индивидуальные
черты стиля композитора.
С началом Великой Отечественной войны Салманов уходит на фронт. Его
творческая деятельность возобновляется по окончании войны. С 1951 г.
начинается и длится вплоть до последних лет жизни педагогическая работа в
Ленинградской консерватории. За полтора десятилетия сочинены 3 струнных
квартета и 2 трио, симфоническая картина _Лес_, вокально-симфоническая поэма
_Зоя_, 2 симфонии (1952, 1959), симфоническая сюита _Поэтические картинки_
(по новеллам Г. X. Андерсена), оратория-поэма _Двенадцать_ (1957), хоровой
цикл ..._Но бьется сердце_ (на ст. Н. Хикмета), несколько тетрадей романсов
и др. В творчестве этих лет уточняется концепция художника - высокоэтическая
и оптимистическая в своей основе. Ее суть в утверждении глубоких духовных
ценностей, помогающих человеку преодолевать мучительные искания и
переживания. Параллельно определяются и оттачиваются индивидуальные черты
стиля: происходит отказ от традиционной трактовки сонатного аллегро в
сонатно-симфоническом цикле и переосмысление самого цикла; усиливается роль
полифонического, линеарно самостоятельного движения голосов в развитии тем
(что приводит автора в будущем к органичному претворению серийной техники) и
т. д. Ярко звучит русская тема в бородинской, эпической по замыслу Первой
симфонии и др. сочинениях. Гражданственная позиция отчетливо проявляется в
оратории-поэме _Двенадцать_.
Начиная с 1961 г. Салманов сочиняет целый ряд произведений с
использованием серийной техники. Это квартеты с Третьего по Шестой
(1961-1971), Третья симфония (1963), Соната для струнного оркестра и
фортепиано и др. Однако эти сочинения не провели резкой грани в творческой
эволюции Салманова: он сумел использовать новые приемы композиторской
техники не как самоцель, а органично включив их в систему средств
собственного музыкального языка, подчинив их идейно-образному и
композиционному замыслу своих произведений. Такова, к примеру, Третья,
драматическая симфония - наиболее сложное симфоническое произведение
композитора.
С середины 60-х гг. начинается новая полоса, вершинный период в
творчестве композитора. Как никогда ранее он работает интенсивно и
плодотворно, сочиняя хоры, романсы, камерно-инструментальную музыку,
Четвертую симфонию (1976). Его индивидуальный стиль достигает наибольшей
цельности, обобщающей искания многих предшествующих лет. Вновь появляется
_русская тема_, но уже в ином качестве. Композитор обращается к народным
поэтическим текстам и, отталкиваясь от них, создает собственные мелодии,
проникнутые народной песенностью. Таковы хоровые концерты _Лебедушка_ (1967)
и _Добрый молодец_ (1972). Четвертая симфония стала итогом в развитии
симфонической музыки Салманова; вместе с тем это его новый творческий взлет.
В трехчастном цикле преобладают светлые лирико-философские образы.
В середине 70-х гг. Салманов пишет романсы на слова талантливого
вологодского поэта Н. Рубцова. Это одни из последних сочинений композитора,
передающие и стремление человека к общению с природой, и философские
раздумья о жизни.
Произведения Салманова являют нам большого, серьезного и искреннего
художника, который принимает близко к сердцу и выражает в своей музыке
различные жизненные коллизии, неизменно оставаясь верным высокой
морально-этической позиции. /Т. Ершова/
САЛЬЕРИ (Salieri) Антонио (18 VIII 1750, Леньяго, близ Вероны - 7 V
1825, Вена)
Сальери... большой композитор, гордость школы Глюка, усвоивший стиль
великого маэстро, от природы получил утонченное чувство, ясный разум,
драматический талант и исключительную плодовитость.
П. Бомарше
Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из
наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа
XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время
мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень
истории. Исследователя отмечают, что известность Сальери тогда превосходила
славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого
в гору и уже через 3 года достигает одной из вершин. В начале 1816 г. в Риме
состоялась премьера _Севильского цирюльника_. Написанная всего за 20 дней, -
эта опера стала не только высочайшим достижением комедийно-сатирического
гения Россини, но и кульминационной точкой в почти столетнем развитии жанра
оперы-buifa.
С _Севильским цирюльником_ слава композитора вышла за пределы Италии.
Блестящий россиниевский стиль освежил искусство Европы кипучей
жизнерадостностью, искрящимся остроумием, пенящейся страстью. _Мой
"Цирюльник" с каждым днем пользуется все большим успехом, - писал Россини, -
и даже к самым заядлым противникам новой школы он сумел так подлизнуться,
что они против своей воли начинают все сильнее любить этого ловкого парня_.
Фанатично-восторженное и поверхностное отношение к музыке Россини
аристократической публики и буржуазной знати способствовало появлению у
композитора множества оппонентов. Однако среди европейской художественной
интеллигенции были и серьезные ценители его творчества. Под обаянием
россиниевской музыки находились Э. Делакруа, О. Бальзак, А. Мюссе, Ф.
Гегель, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, М. Глинка. И даже К. М. Вебер и Г. Берлиоз,
занимавшие по отношению к Россини критическую позицию, не сомневались в его
гениальности. _После смерти Наполеона нашелся еще один человек, о котором
все время толкуют повсюду: в Москве и Неаполе, в Лондоне и Вене, в Париже и
Калькутте_, - так писал о Россини Стендаль.
Постепенно композитор теряет интерес к onepe-buffa. Написанная вскоре в
этом жанре _Золушка_ не являет слушателям новых творческих откровений
композитора. Сочиненная же в 1817 г. опера _Сорока-воровка_ и вовсе выходит
за пределы комедийного жанра, становясь образцом музыкально-бытовой
реалистической драмы. С этого времени Россини начал уделять больше внимания
операм героико-драматического содержания. Вслед за _Отелло_ появляются
легендарно-исторические произведения: _Моисей, Женщина озера, Магомет II_.
После первой итальянской революции (1820-21) и ее жестокого подавления
австрийскими войсками Россини с неаполитанской оперной труппой уезжает на
гастроли в Вену. Венские триумфы еще больше укрепили европейскую славу
композитора. Вернувшись на короткий срок в Италию для постановки
_Семирамиды_ (1823), Россини отправляется в Лондон, а затем в Париж. Там он
живет до 1836 г. В Париже композитор возглавляет Итальянский оперный театр,
привлекая для работы в нем своих молодых соотечественников; перерабатывает
для Grand Opera оперы _Моисей_ и _Магомет II_ (последняя шла на парижской
сцене под названием _Осада Коринфа_); пишет по заказу Opera Comique изящную
оперу _Граф Ори_; и наконец, в августе 1829 г. ставит на сцене Grand Opera
свой последний шедевр - оперу _Вильгельм Телль_, оказавшую огромное влияние
на последующее развитие жанра итальянской героической оперы в творчестве В.
Беллини, Г. Доницетти и Дж. Верди.
_Вильгельм Телль_ завершил музыкально-сценическое творчество Россини.
Последовавшее за ним оперное молчание гениального маэстро, имевшего за
плечами около 40 опер, современники называли загадкой века, окружая это
обстоятельство всевозможными домыслами. Сам же композитор впоследствии
писал: _Насколько рано, едва созревшим юношей, я начал сочинять, настолько
же рано раньше, чем кто-либо мог это предвидеть, я бросил писать. Так всегда
бывает в жизни: кто рано начинает, должен, согласно законам природы, рано
кончить_.
Однако и перестав писать оперы, Россини продолжал оставаться в центре
внимания европейской музыкальной общественности. Весь Париж прислушивался к
меткому критическому слову композитора, его личность как магнит притягивала
музыкантов, поэтов, художников. С ним встречался Р. Вагнер, общением с
Россини гордился К. Сен-Санс, Лист показывал итальянскому маэстро свои
сочинения, восторженно отзывался о встрече с ним В. Стасов.
В последующие за _Вильгельмом Теллем_ годы Россини создал
величественное духовное произведение _Stabat mater_, Маленькую торжественную
мессу и _Песню титанов_, оригинальное собрание вокальных произведений под
названием _Музыкальные вечера_ и цикл пьес для фортепиано, носящий шутливый
заголовок _Грехи старости_. С 1836 по 1856 гг. Россини, окруженный славой и
почестями, жил в Италии. Там он руководил Болонским музыкальным лицеем и
занимался педагогической деятельностью. Возвратившись затем в Париж, он
остался там до конца своих дней.
Спустя 12 лет после смерти композитора его прах был перенесен на родину
и захоронен в пантеоне церкви Санта-Кроче во Флоренции рядом с останками
Микеланджело и Галилея.
Все свое состояние Россини завещал на благо культуры и искусства
родного города Пезаро. В наши дни здесь регулярно проходят россиниевские
оперные фестивали, среди участников которых можно встретить имена крупнейших
современных музыкантов. /И. Ветлицына/
РУБИНШТЕЙН Антон Григорьевич (28 XI 1829, дер. Выхватинцы, ныне Молд.
ССР - 20 XI 1894, Петергоф, близ Петербурга)
Меня всегда интересовало исследовать, - м_о_ж_е_т л_и и в к_а_к_о_й
с_т_е_п_е_н_и музыка не только передавать индивидуальность и душевное
настроение того или иного сочинителя, но быть также отзвуком или отголоском
времени, исторических событий, состояния общественной культуры и т. д. И я
пришел к убеждению, что она может быть таким отзвуком до мельчайших
подробностей...
А. Рубинштейн
А. Рубинштейн - одна из центральных фигур русской музыкальной жизни
второй половины XIX в. В его лице сочетались гениальный пианист, крупнейший
организатор музыкальной жизни и композитор, работавший в разных жанрах и
создавший ряд прекрасных произведений, сохраняющих значение и ценность до
наших дней. О том, какое место деятельность и облик Рубинштейна занимали в
отечественной культуре, свидетельствуют многие источники и факты. Его
портреты написали B. Перов, И. Репин, И. Крамской, M. Врубель. Ему посвящено
множество стихотворений - больше, чем какому-либо другому музыканту той
эпохи. Он упоминается в переписке А. Герцена с Н. Огаревым. О нем с
восхищением отзывались Л. Толстой и И. Тургенев...
Понять и оценить Рубинштейна-композитора невозможно в отрыве от других
сторон его деятельности и, не в меньшей мере, от особенностей биографии. Он
начал как многие вундеркинды середины века, совершив со своим учителем А.
Виллуаном концертное турне по крупным городам Европы в 1840-43 гг. Однако
весьма скоро он приобрел полную самостоятельность: из-за разорения и смерти
отца младший брат Николай с матерью покинули Берлин, где мальчики занимались
теорией композиции с З. Деном, и вернулись в Москву. Антон же переехал в
Вену и всей своей дальнейшей карьерой обязан исключительно самому себе.
Выработавшиеся в детстве и юности трудолюбие, независимость и твердость
характера, гордое артистическое самосознание, демократизм
музыканта-профессионала, для которого искусство является единственным
источником материального существования, - все эти черты остались
характерными для музыканта до конца его дней.
Рубинштейн был первым русским музыкантом, слава которого была поистине
всесветной: в разные годы он многократно концертировал во всех странах
Европы и в США. И почти всегда он включал в программы собственные
фортепианные либо дирижировал своими оркестровыми сочинениями. Но и без того
рубинштейновская музыка звучала в странах Европы очень много. Так, Ф. Лист
продирижировал в 1854 г. в Веймаре его оперой _Сибирские охотники_, а спустя
несколько лет там же - ораторией _Потерянный рай_. Но основное приложение
многогранное дарование и поистине гигантская энергия Рубинштейна нашли,
конечно, в России. Он вошел в историю отечественной культуры как инициатор и
один из основателей Русского музыкального общества - ведущей концертной
организации, способствовавшей развитию регулярной концертной жизни и
музыкального образования в русских городах. По его же инициативе была
создана первая в стране Петербургская консерватория - он стал ее директором
и профессором. В первом же выпуске его учеников был П. Чайковский. Все виды,
все отрасли творческой деятельности Рубинштейна объединяются идеей
просветительства. И композиторская - тоже.
Творческое наследие Рубинштейна огромно. Вероятно, он - самый
плодовитый композитор во всей второй половине XIX в. Он написал 13 опер и 4
духовные оперы-оратории, 6 симфоний и ок. 10 других сочинений для оркестра,
ок. 20 камерно-инструментальных ансамблей. Число фортепианных пьес
превосходит 200; на тексты русских, немецких, сербских и др. поэтов создано
ок. 180 романсов и вокальных ансамблей... Большая часть этих сочинений
сохраняет интерес чисто исторический. _Многописание_, быстрота процесса
сочинения весьма вредили качеству, отделанности произведений. Нередко
возникало внутреннее противоречие между импровизационностью изложения
музыкальных мыслей и достаточно жесткими схемами их развития.
Но среди сотен по справедливости забытых опусов есть в наследии Антона
Рубинштейна замечательные создания, в которых сказались его богато
одаренная, мощная личность, чуткий слух, щедрый мелодический дар,
композиторское мастерство. Особенно удавались композитору музыкальные образы
Востока, что было, начиная с М. Глинки, коренной традицией русской музыки.
Художественные завоевания в этой сфере признавали даже критики, резко
отрицательно относившиеся к творчеству Рубинштейна, - а таких, весьма
влиятельных, как, например, Ц. Кюи, было немало.
Среди лучших рубинштейновских восточных воплощений - опера _Демон_ и
_Персидские песни_ (и незабываемый голос Шаляпина, со сдержанной, тихой
страстью выводящий _О если б вовеки так было_...) В _Демоне_ сложился жанр
русской лирической оперы, вскоре получивший воплощение в _Евгении Онегине_.
Русская литература или портретная живопись тех лет показывают, что
стремление отразить душевный мир, психологию современника были свойством
всей художественной культуры. Музыка Рубинштейна передала это через
интонационный строй оперы. Мятущегося, неудовлетворенного, стремящегося к
счастью и не могущего его достигнуть, - Демона Рубинштейна слушатель тех лет
отождествлял с собой, и такое отождествление происходило в русском оперном
театре, кажется, впервые. И, как это бывает в истории искусств, отразив и
выразив свое время, лучшая опера Рубинштейна тем самым сохраняет волнующий
интерес для нас. Живут и звучат романсы (_Ночь - Мой голос для тебя и
ласковый и нежный_ - эти стихи А. Пушкина были положены композитором на свою
раннюю фортепианную пьесу - _Романс_ фа мажор), и Эпиталама из оперы
_Нерон_, и Четвертый концерт для фортепиано с оркестром... /Л.
Корабельникова/
РУССЕЛЬ (Roussel) Альбер (Шарль Поль Мари) (5 IV 1869, Туркуэн, деп.
Нор - 23 VIII 1937, Руайан, деп. Приморская Шаранта)
Необычна биография А. Русселя - одного из видных французских
композиторов первой половины XX в. Свои молодые годы он провел в плаваниях
по Индийскому и Тихому океанам, как и Н. Римский-Корсаков, посетил
экзотические страны. Морской офицер Руссель и не помышлял о музыке как о
профессии. Только в возрасте 25 лет он решает полностью посвятить себя
музыке. Пройдя период колебаний и сомнений, Руссель просит об отставке,
поселяется в небольшом городе Рубэ. Здесь он начинает занятия по гармонии с
директором местной музыкальной школы. С октября 1894г. Руссель живет в
Париже, где берет уроки композиции у Э. Жиго. Через 4 года он поступает в
Schola cantorum в класс композиции В. д'Энди, куда уже в 1902 г. его
приглашают на пост профессора контрапункта. Там он преподает до начала
первой мировой войны. В классе Русселя занимаются композиторы, занявшие
впоследствии видное место в музыкальной культуре Франции,Э. Сати, Э. Варез,
П. Ле Флем, А. Ролан-Манюэль.
Первые сочинения Русселя, исполненные под его управлением в 1898г. и
получившие премию на конкурсе Общества композиторов, не сохранились. В 1903
г. в концерте Национального музыкального общества было исполнено
симфоническое произведение _Воскресение_, вдохновленное романом Л. Толстого
(дирижировал А. Корто). А еще до этого события имя Русселя становится
известным в музыкальных кругах благодаря его камерным и вокальным сочинениям
(Трио для фортепиано, скрипки и виолончели, Четыре поэмы для голоса и
фортепиано на стихи А. Ренье, _Проходят часы_ для фортепиано).
Интерес к Востоку заставляет Русселя вновь предпринять большое
путешествие в Индию, Камбоджу и на Цейлон. Композитор вновь любуется
величественными храмами, посещает представления театра теней, слушает
оркестр гамелана. Большое впечатление производят на него руины древнего
индийского города Читора, где когда-то царствовала Падмавати. Восток, с
музыкальным искусством которого Руссель познакомился еще в юности,
существенно обогатил его музыкальный язык, В произведениях ранних лет
композитор использует характерные интонационные особенности индийской,
камбоджийской, индонезийской музыки. Особенно ярко образы Востока
представлены в опере-балете _Падмавати_, поставленной в Grand Opera (1923) и
имевшей большой успех. Позже, в 30-х гг. Руссель одним из первых начинает
использовать в своем творчестве так называемые экзотические лады -
древнегреческие, китайские, индийские (Соната для скрипки и фортепиано).
Руссель не избежал влияния импрессионизма. В одноактном балете _Пир
паука_ (1912) он создал партитуру, отмеченную изысканной красотой образов,
изящной, изобретательной оркестровкой.
Участие в первой мировой войне стало переломным временем в жизни
Русселя. Вернувшись с фронта, композитор меняет свою творческую манеру. Он
примыкает к новому течению неоклассицизма. _Альбер Руссель нас покидает_, -
писал критик Э. Вийермоз, приверженец импрессионизма, - _покидает не
попрощавшись, молчаливо, сосредоточенно, сдержанно... Он уйдет, он уходит,
он ушел. Но куда_? Отход от импрессионизма виден уже во Второй симфонии
(1919-22). В Третьей (1930) и Четвертой симфониях (1934-35) композитор все
больше утверждается на новом пути, создавая произведения, в которых
конструктивное начало все больше выдвигается на первый план.
В конце 20-х гг. сочинения Русселя становятся известными за рубежом. В
1930 г. он посещает США и присутствует на исполнении своей Третьей симфонии
Бостонским симфоническим оркестром под управлением С. Кусевицкого, по заказу
которого она и была написана. Руссель имел большой авторитет педагога. Среди
его учеников многие известные композиторы XX века: наряду с упоминавшимися
выше это Б. Мартину, К. Рисагер, П. Петридис. С 1935 г. и до конца жизни
(1937) Руссель был председателем Народной музыкальной федерации Франции.
Определяя свой идеал, композитор говорил: _Культ духовных ценностей -
основа всякого общества, претендующего на цивилизованность, а среди других
искусств музыка - наиболее чуткое и возвышенное выражение этих ценностей_.
/В. Ильева/
РЯЭТС Яан Петрович (р. 15 X 1932, Тарту)
Ярок и безошибочно узнаваем в хоре многонациональной советской музыки
голос эстонского композитора Я. Ряэтса - художника, вслушивающегося в эпоху,
стремящегося к созданию собственного, глубоко индивидуального ее образа,
_приучившего_ слушателя за многие годы своей творческой деятельности к
смелости замыслов, к неожиданности композиционных решений.
Закончив Таллиннскую консерваторию по классу М. Саара и X. Эллера
(1957), в начале своего творческого пути Ряэтс сочетал композиторскую
деятельность с работой звукорежиссера Эстонского радио (195566), а затем -
музыкального руководителя республиканского телевидения. Со студенческих лет
основные интересы Ряэтса сосредоточились в камерно-симфонической сфере.
Оттолкнувшись от национальной романтической традиции (ранние фортепианные
сонаты, Первая и Третья симфонии), он, как и его ровесники Э. Тамберг, В.
Тормис, начал активный поиск собственного творческого метода. Мерилом для
молодого композитора являлись оказавшие на него заметное влияние классики XX
в. - Д. Шостакович, С. Прокофьев, И. Стравинский, П. Хиндемит. Волевой
темперамент, тонкий артистизм, отточенность музыкальной мысли, _земная,
осязаемая, мускулистая плоть музыки_ (М. Арановский), новый взгляд на
традиционную структуру жанра... Так заявил о себе создатель Концерта для
камерного оркестра (1961) - произведения, сразу поставившего Ряэтса в ряды
ведущих мастеров советского музыкального искусства.
Сегодня в активе композитора около 80 опусов самых различных жанров: 8
симфоний, 2 концерта для камерного оркестра, 2 концерта для скрипки, Концерт
для виолончели, 6 квартетов, 5 фортепианных трио, фортепианные Квинтет и
Секстет, Аллегро для фортепиано, виолончели и оркестра, 4 фортепианных
концерта (один из них - для двух фортепиано). Фортепиано занимает особое
место в творчестве Ряэтса. Кроме названных сочинений для чего написаны 9
сонат, 6 циклов по 24 пьесы (2 цикла прелюдий - один из них с камерным
хором; цикл багателей, 2 цикла _Маргиналий, Путевые тетради_). Фортепианные
опусы Ряэтса прочно вошли в репертуар как учащейся молодежи, так и зрелых
исполнителей. Показательно, что его Токката была избрана обязательной пьесой
в программе IV Международного конкурса им. П. И. Чайковского (1970). _Яан
Ряэтс - не только интересный музыкант_, - говорит К. Рандалу. - ..._каждый
раз талант композитора преподносит нам что-то новое, требующее обдумывания,
даже разгадки. Таковы, например, "Маргиналии" - своего рода фантазии в духе
музыки различных стилей от барокко до бытовых жанров современности_. Было бы
неверно ограничивать представление о Ряэтсе как о композиторе исключительно
камерно-симфоническом. Не менее плодотворны, хотя и не многочисленны
_выходы_ в другие сферы. Им созданы такие вокально-инструментальные полотна,
как декламатория _Карл Маркс; Школьная кантата_, посвященная 110-летию со
дня рождения В. И. Ленина; _Маленькая оратория_ (все на ст. Э. Ветемаа).
Хорошо известна музыка Ряэтса для кино, где он постоянно сотрудничает с
режиссером В. Кяспера. Их имена соседствуют в титрах многих фильмов (в т. ч.
_Девушка в черном; Время жить, время любить; Опасные игры; Рябиновые
ворота_).
Широкому жанровому диапазону отвечает стилистически разнообразная
языковая палитра эстонского мастера. Художник, постоянно вслушивающийся в
мир окружающих его звуков, Ряэтс смело соединяет даже в рамках одного
сочинения _старое и новое, серьезное и легкое. Сейчас в музыке сложное
время_, - сказал Ряэтс в одной из бесед. - _При множестве течений перед
композитором открываются широкие возможности в выборе того или иного способа
самовыражения. Но есть и некая общая тенденции: композиторы ищут пути к
слушателю, хотят быть ближе, понятнее ему_... Творчество самого Ряэтса
насквозь пронизано таким стремлением. Не случайно его произведения
пользуются неизменным успехом как у нас в стране, так и за ее пределами - на
Кубе, в Чехословакии, Англии, США, Японии, Франции, Финляндии и др.
Наш современник, Яан Ряэтс - в неустанном движении, поиске новых форм
существования любимого искусства. Это забота не только Ряэтса-композитора,
но Ряэтса-педагога (с 1981 г. он доцент Таллиннской консерватории), Ряэтса -
музыкально-общественного деятеля.
Находясь в гуще жизни, Ряэтс черпает вдохновение в самой жизни. В этом
залог неувядающей новизны творчества замечательного композитора, встречи с
которым всегда ждут и исполнитель, и слушатель. /Т. Фрумкис/
САЛМАНОВ Вадим Николаевич (4 XI 1912, Петербург - 27 II 1978,
Ленинград)
В. Салманов - выдающийся советский композитор, автор многих
симфонических, хоровых, камерных инструментальных и вокальных произведений.
Его оратория-поэма _Двенадцать_ (по А. Блоку) и хоровой цикл _Лебедушка_,
симфонии и квартеты стали подлинными завоеваниями советской музыки.
Салманов рос в интеллигентной семье, где постоянно звучала музыка. Его
отец, инженер-металлург по профессии, был хорошим пианистом и в свободные
часы играл дома сочинения широкого круга композиторов: от И. С. Баха до Ф.
Листа и Ф. Шопена, от М. Глинки до С. Рахманинова. Заметив способности сына,
отец начал приобщать его с 6 лет к систематическим занятиям музыкой, и
мальчик не без сопротивления подчинился воле отца. Незадолго до поступления
молодого, подававшего большие надежды музыканта в консерваторию скончался
отец, и семнадцатилетний Вадим пошел работать на завод, а позднее занялся
гидрогеологией. Но однажды, побывав на концерте Э. Гилельса, взволнованный
услышанным, он принял решение посвятить себя музыке. Встреча с композитором
А. Гладковским укрепила в нем это решение: в 1936 г. Салманов поступил в
Ленинградскую консерваторию в класс сочинения М. Гнесина и инструментовки -
М. Штейнберга.
Салманов воспитывался в традициях славной петербургской школы (что
наложило отпечаток на его ранние сочинения), но вместе с тем жадно
интересовался современной ему музыкой. Из студенческих работ выделяются 3
романса на ст. А, Блока - любимого поэта Салманова, Сюита для струнного
оркестра и Маленькая симфония, в которых уже проявляются индивидуальные
черты стиля композитора.
С началом Великой Отечественной войны Салманов уходит на фронт. Его
творческая деятельность возобновляется по окончании войны. С 1951 г.
начинается и длится вплоть до последних лет жизни педагогическая работа в
Ленинградской консерватории. За полтора десятилетия сочинены 3 струнных
квартета и 2 трио, симфоническая картина _Лес_, вокально-симфоническая поэма
_Зоя_, 2 симфонии (1952, 1959), симфоническая сюита _Поэтические картинки_
(по новеллам Г. X. Андерсена), оратория-поэма _Двенадцать_ (1957), хоровой
цикл ..._Но бьется сердце_ (на ст. Н. Хикмета), несколько тетрадей романсов
и др. В творчестве этих лет уточняется концепция художника - высокоэтическая
и оптимистическая в своей основе. Ее суть в утверждении глубоких духовных
ценностей, помогающих человеку преодолевать мучительные искания и
переживания. Параллельно определяются и оттачиваются индивидуальные черты
стиля: происходит отказ от традиционной трактовки сонатного аллегро в
сонатно-симфоническом цикле и переосмысление самого цикла; усиливается роль
полифонического, линеарно самостоятельного движения голосов в развитии тем
(что приводит автора в будущем к органичному претворению серийной техники) и
т. д. Ярко звучит русская тема в бородинской, эпической по замыслу Первой
симфонии и др. сочинениях. Гражданственная позиция отчетливо проявляется в
оратории-поэме _Двенадцать_.
Начиная с 1961 г. Салманов сочиняет целый ряд произведений с
использованием серийной техники. Это квартеты с Третьего по Шестой
(1961-1971), Третья симфония (1963), Соната для струнного оркестра и
фортепиано и др. Однако эти сочинения не провели резкой грани в творческой
эволюции Салманова: он сумел использовать новые приемы композиторской
техники не как самоцель, а органично включив их в систему средств
собственного музыкального языка, подчинив их идейно-образному и
композиционному замыслу своих произведений. Такова, к примеру, Третья,
драматическая симфония - наиболее сложное симфоническое произведение
композитора.
С середины 60-х гг. начинается новая полоса, вершинный период в
творчестве композитора. Как никогда ранее он работает интенсивно и
плодотворно, сочиняя хоры, романсы, камерно-инструментальную музыку,
Четвертую симфонию (1976). Его индивидуальный стиль достигает наибольшей
цельности, обобщающей искания многих предшествующих лет. Вновь появляется
_русская тема_, но уже в ином качестве. Композитор обращается к народным
поэтическим текстам и, отталкиваясь от них, создает собственные мелодии,
проникнутые народной песенностью. Таковы хоровые концерты _Лебедушка_ (1967)
и _Добрый молодец_ (1972). Четвертая симфония стала итогом в развитии
симфонической музыки Салманова; вместе с тем это его новый творческий взлет.
В трехчастном цикле преобладают светлые лирико-философские образы.
В середине 70-х гг. Салманов пишет романсы на слова талантливого
вологодского поэта Н. Рубцова. Это одни из последних сочинений композитора,
передающие и стремление человека к общению с природой, и философские
раздумья о жизни.
Произведения Салманова являют нам большого, серьезного и искреннего
художника, который принимает близко к сердцу и выражает в своей музыке
различные жизненные коллизии, неизменно оставаясь верным высокой
морально-этической позиции. /Т. Ершова/
САЛЬЕРИ (Salieri) Антонио (18 VIII 1750, Леньяго, близ Вероны - 7 V
1825, Вена)
Сальери... большой композитор, гордость школы Глюка, усвоивший стиль
великого маэстро, от природы получил утонченное чувство, ясный разум,
драматический талант и исключительную плодовитость.
П. Бомарше
Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из
наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа
XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время
мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень
истории. Исследователя отмечают, что известность Сальери тогда превосходила
славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого