критиков видит в Кодае только ниспровергателя традиций. дерзкого
экспериментатора и лишь немногие дальновидные музыканты связывают с его
именем будущее новой венгерской композиторской школы.
В период образования Венгерской республики (1919) Кодай был
заместителем директора Государственной высшей школы музыкального искусства
им. Ф. Листа (так была переименована музыкальная академия); вместе с
Бартоком и Э. Донаньи он вошел в состав музыкальной Директории, ставившей
своей целью преобразование музыкальной жизни страны. За эту деятельность при
хортистском режиме Кодай подвергся гонениям и был на 2 года отстранен от
работы в школе (он вновь преподавал композицию в 1921-40 гг.). 20-30-е гг. -
период расцвета творчества Кодая, он создает произведения, принесшие ему
мировую известность и признание: _Венгерский псалом_ для хора, оркестра и
солиста (1923); оперу _Секейская прядильня) (1924, 2-я ред. 1932);
героико-комическую оперу _Хари Янош_ (1926). _Те Deum Будайской крепости_
для солистов, хора, органа и оркестра (1936); Концерт для оркестра (1939);
_Танцы из Марошсека_ (1930) и _Танцы из Таланты_ (1939) для оркестра и др.
Одновременно Кодай продолжал активную научно-исследовательскую деятельность
в области фольклористики. Он разработал свой метод массового музыкального
просвещения и воспитания, основой которого стало постижение народной музыки
с самых ранних лет, впитывание ее как родного музыкального языка. Метод
Кодая получил широкое признание и развитие не только в Венгрии, но и во
многих других странах. Его перу принадлежит 200 книг, статей, методических
пособий, в том числе монография _Венгерская народная музыка_ (1937,
переведена на русск. яз.). Кодай был также президентом Международного совета
по народной музыке (1963-67).
В течение долгих лет Кодай сохранял творческую активность. Среди его
сочинений послевоенного периода получили известность опера _Цинка Панна_
(1948), Симфония (1961), кантата _Каллаи Кеттеш_ (1950). Кодай выступал
также в качестве дирижера с исполнением собственных произведений. Он побывал
во многих странах, дважды приезжал в СССР (1947, 1963).
Характеризуя творчество Кодая, его друг и соратник Бела Барток писал:
_Эти сочинения - исповедь венгерской души. Внешне это объясняется тем, что
творчество Кодая уходит своими корнями исключительно в венгерскую народную
музыку. Внутренняя же причина - безграничная вера Кодая в творческую силу
своего народа и его будущее_. /А. Малинковская/
КОЗЛОВСКИЙ Осип (Юзеф) Антонович (1757, Варшава - 11 III 1831,
Петербург)
28 апреля 1791 г. в великолепный Таврический дворец князя Потемкина в
Петербурге съехалось более трех тысяч гостей. Знатная столичная публика во
главе с самой императрицей Екатериной II собралась здесь по случаю
блистательной победы великого полководца А. Суворова в русско-турецкой войне
- взятия крепости Измаил. Для устройства торжественного празднества были
приглашены архитекторы, художники, поэты, музыканты. Знаменитый Г. Державин
писал по заказу Г. Потемкина _стихи для пения на празднике_. Известный
придворный балетмейстер француз Ле Пик ставил танцы. Сочинение же музыки и
руководство хором и оркестром поручено было никому еще не знакомому
музыканту О. Козловскому, участнику русско-турецкой войны. _Как скоро
высочайшие посетители соизволили воссесть на приуготовленные им места, то
вдруг загремела голосовая и инструментальная музыка, из трехсот человек
состоявшая_. Огромный хор и оркестр исполнили _Гром победы, раздавайся_.
Полонез произвел сильное впечатление. Общий восторг вызвали не только
прекрасные стихи Державина, но и торжественная, блестящая, полная
праздничного ликования музыка, автором которой и был Осип Козловский - тот
самый молодой офицер, поляк по национальности, прибывший в Петербург в свите
самого князя Потемкина. С этого вечера имя Козловского сделалось известным в
столице, а его полонез _Гром победы, раздавайся_ стал на долгое время
российским гимном. Кто же был этот талантливый композитор, обретший в России
вторую родину, - автор прекрасных полонезов, песен, театральной музыки?
Козловский родился в польской дворянской семье. История не сохранила
сведений о первом, польском периоде его жизни. Неизвестно, кто были его
родители. Не дошли до нас имена его первых учителей, давших ему хорошую
профессиональную школу. Практическая деятельность Козловского началась в
варшавском костеле Св. Яна, где молодой музыкант служил органистом и певчим.
В 1773 г. он был приглашен учителем музыки к детям польского дипломата
Анджея Огиньского. (Его ученик Михал Клеофас Огиньский стал впоследствии
известным композитором.) В 1786 г. Козловский вступил в русскую армию.
Молодой офицер был замечен князем Потемкиным. Пленительная наружность,
талант, приятный голос Козловского привлекали всех окружающих. В то время на
службе у Потемкина находился известный итальянский композитор Дж. Сарти,
организатор любимых князем музыкальных развлечений. В них принимал участие и
Козловский, исполняя свои песни и полонезы. После смерти Потемкина он нашел
нового покровителя в лице петербургского мецената графа Л. Нарышкина,
большого любителя искусств. В его доме на Мойке Козловский прожил несколько
лет. Здесь постоянно бывали столичные знаменитости: поэты Г. Державин и Н.
Львов, музыканты И. Прач и В. Трутовский (первые составители сборников
русских народных песен), Сарти, скрипач И. Хандошкин и многие другие.

Увы! - вот тот чертог,
Где зодчества, убранства вкус
Ввели всех зрителей в восторг
И где под сладким пеньем муз
Козловского пленяли звуки! -

писал, вспоминая о музыкальных вечерах у Нарышкина, поэт Державин. В
1796 г. Козловский вышел в отставку, и с этого времени музыка становится его
основной профессией. Он уже широко известен в Петербурге. Его полонезы
гремят на придворных балах; повсюду распевают его _российские песни_ (так
назывались тогда романсы на стихи русских поэтов). Многие из них, как,
например, _Я птичкой быть желаю, Прежестокая судьбина, Пчелка_ (ст.
Державина), пользовались особенной популярностью. Козловский явился одним из
создателей русского романса (современники называли его творителем нового
рода российских песен). Знал эти песни и М. Глинка. В 1823 г., приехав в
Новоспасское, он научил свою младшую сестренку Людмилу модной в то время
песенке Козловского _Пчелка златая, что ты жужжишь. ...Его очень забавляло,
как я это пела_... - вспоминала впоследствии Л. Шестакова.
В 1798 г. Козловский создал монументальное хоровое сочинение - Реквием,
который 25 февраля прозвучал в Петербургской католической церкви на
церемонии погребения польского короля Станислава Августа Понятовского.
В 1799 г. Козловский получил должность инспектора, а затем, с 1803 г. -
директора музыки императорских театров. Знакомство с артистической средой, с
русскими драматургами побудило его обратиться к сочинению театральной
музыки. Его привлекал возвышенный стиль русской трагедии, царившей на сцене
в начале XIX в. Здесь он мог проявить свое драматическое дарование. Музыка
Козловского, полная мужественного пафоса, усиливала строй чувств трагических
героев. Важная роль в трагедиях принадлежала оркестру. Чисто симфонические
номера (увертюры, антракты) наряду с хорами составляли основу музыкального
сопровождения. Козловский создал музыку к _героико-чувствительным_ трагедиям
В. Озерова (_Эдип в Афинах_ и _Фингал_), Я. Княжнина (_Владисан_), А.
Шаховского (_Дебора_) и А. Грузинцева (_Эдип царь_), к трагедии французского
драматурга Ж. Расина (в русском переводе П. Катенина) _Эсфирь_. Лучшим
произведением Козловского в этом жанре явилась музыка к трагедии Озерова
_Фингал_. И драматург и композитор во многом предвосхитили в ней жанры
будущей романтической драмы. Суровый колорит средневековья, образы
древнешотландского эпоса (в основу трагедии положен сюжет из песен
легендарного кельтского барда Оссиана о храбром воине Фингале) ярко
воплощены Козловским в разнообразных музыкальных эпизодах - увертюре,
антрактах, хорах, балетных сценах, мелодраме. Премьера трагедии _Фингал_
состоялась 8 декабря 1805 г. в петербургском Большом театре. Спектакль
покорил зрителей роскошью постановки, превосходными стихами Озерова. В нем
играли лучшие трагические актеры.
Служба Козловского в императорских театрах продолжалась до 1819 г.,
когда пораженный тяжелой болезнью композитор вынужден был выйти на пенсию.
Еще в 1815 г. наряду с Д. Бортнянским и другими крупными музыкантами того
времени Козловский стал почетным членом петербургского Филармонического
общества. О последних годах жизни музыканта сохранились скупые сведения.
Известно, что в 1822-23 гг. он с дочерью посетил Польшу, однако остаться там
не пожелал: Петербург давно уже стал для него родным городом. _С именем
Козловского соединяется множество воспоминаний, сладостных для русского
сердца_, - писал автор некролога в _Санкт-петербургских ведомостях. Звуки
сочиненной Козловским музыки раздавались некогда в чертогах царских, в
палатах вельмож и в домах среднего состояния. Кто не знает, кто не слыхал
славного полонеза с хором: "Гром победы, раздавайся"... Кто не помнит
полонеза, сочиненного Козловским на торжество коронации императора
Александра Павловича "Росскими летит стрелами на златых крылах молва"...
Целое поколение пело и ныне поют многие песни Козловского, сочиненные им на
слова Ю. Нелединского-Мелецкого. Не имея соперников. кроме графа Огиньского,
в сочинениях полонезов и народных мелодий, Козловский заслужил одобрение
знатоков и высшими композициями. ...Осип Антонович Козловский был человек
добрый, тихий, постоянный в дружеских связях, и оставил после себя хорошую
память. Имя его займет почетное место в истории русской музыки. Русских
композиторов вообще очень мало, а О. А. Козловский стоит в первом ряду между
ними. /А. Соколова/
КОМИТАС (Согомон Геворкович Согомонян) (8 X 1869, Кутина. Турция - 22 X
1935, Париж)

Я был всегда и останусь плененный музыкой Комитаса.

А. Хачатурян

Выдающийся армянский композитор, ученый-фольклорист, певец, хоровой
дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель, Комитас сыграл
исключительно важную роль в становлении и развитии национальной
композиторской школы. Его опыт претворения традиций европейской
профессиональной музыки на национальной почве и в частности многоголосные
обработки монодийных (одноголосных) по своей природе армянских народных
песен имели огромное значение для последующих поколений армянских
композиторов. Комитас является основоположником армянской музыкальной
этнографии, внесшим неоценимый вклад в национальную музыкальную
фольклористику, - им была собрана богатейшая антология армянской
крестьянской и древнегусанской песни (искусство певцов-сказителей).
Многогранное искусство Комитаса открыло миру все богатство армянской
народнопесенной культуры. Его музыка впечатляет удивительной чистотой и
целомудренностью. Проникновенная мелодика, тонкое преломление
ладогармонических особенностей и колорита национального фольклора,
изысканная фактура, совершенство формы характерны для его стиля.
Комитас является автором относительно небольшого числа произведений,
среди которых Литургия (_Патараг_), миниатюры для фортепиано, сольные и
хоровые обработки крестьянских и городских песен, отдельные оперные сцены
(_Ануш, Жертвы деликатности, Сасунские богатыри_). Благодаря выдающимся
музыкальным способностям и замечательному голосу рано осиротевшего мальчика
в 1881 г. зачисляют воспитанником Эчмиадзинской духовной академии. Здесь
полностью раскрывается его незаурядное дарование: Комитас знакомится с
европейской теорией музыки, записывает церковные и народные песни, делает
первые опыты хоровой (многоголосной) обработки крестьянских песен.
После окончания курса Академии в 1893 г. его возводят в сан иеромонаха
и в честь выдающегося армянского гимнотворца VII в. присваивают имя Комитас.
Вскоре Комитаса там же назначают учителем пения; параллельно он руководит
хором, организует оркестр народных инструментов.
В 1894-95 гг. появляются в печати первые комитасовские записи народных
песен и статья _Армянские церковные мелодии_. Осознавая недостаточность
своих музыкально-теоретических познаний, в 1896 г. Комитас едет в Берлин с
целью восполнить свое образование. В течение трех лет в частной
консерватории Р. Шмидта он изучает курсы композиции, берет уроки игры на
фортепиано, пения и хорового дирижирования. В университете Комитас посещает
лекции по философии, эстетике, всеобщей истории и истории музыки.
Разумеется, в центре внимания - богатая музыкальная жизнь Берлина, где он
слушает репетиции и концерты симфонического оркестра, а также оперные
спектакли. Во время пребывания в Берлине он выступает с публичными лекциями,
посвященными армянской народной и церковной музыке. Авторитет Комитаса как
фольклориста-исследователя столь высок, что Международное музыкальное
общество избирает его своим членом и публикует материалы его лекций.
В 1899 г. Комитас возвращается в Эчмиадзин. Начинаются годы его
наиболее плодотворной деятельности в различных сферах национальной
музыкальной культуры - научной, этнографической, творческой,
исполнительской, педагогической. Он работает над капитальным
_Этнографическим сборником_, записывает около 4000 армянских, курдских,
персидских и турецких церковных и светских напевов, занимается расшифровкой
армянских хазов (нотных знаков), изучением теории ладов, самих народных
песен. В эти же годы он создает отмеченные тонким художественным вкусом
обработки песен для хора без сопровождения, включаемые композитором в
программы своих концертов. Песни эти различны по образно-жанровой
принадлежности: любовно-лирические, шуточные, плясовые (_Весна, Шествуй,
Ходил, сверкал_). Есть среди них трагические монологи (_Журавль, Песня
бездомного_), трудовые (_Лорийский оровел, Песня гумна_), обрядовые картины
(_С утренним приветом_), эпико-героические (_Храбрецы Сипана_) и пейзажные
(_Луна нежна_) циклы.
В 1905-07 гг. Комитас много концертирует, возглавляя хор, ведет
активную музыкально-пропагандистскую деятельность. В 1905 г. вместе с
созданным им в Эчмиадзине хоровым коллективом он направляется в тогдашний
центр музыкальной культуры Закавказья Тифлис (Тбилиси), где с большим
успехом проводит концерты и лекции. Год спустя, в декабре 1906 г. в Париже
своими концертами и лекциями Комитас привлек внимание известных музыкантов,
представителей научного и художественного мира. Выступления имели большой
резонанс. Художественная ценность обработок и оригинальных сочинений
Комитаса столь значительна, что дала основание К. Дебюсси сказать: _Если бы
Комитас написал только "Антуни"_ ("Песня бездомного". - Д. А.), _то и это
было бы достаточно для того, чтобы считать его крупным художником_. В Париже
публикуются статьи Комитаса _Армянская крестьянская музыка_ и сборник
обработанных им песен _Армянская лира_. Позднее состоялись его концерты в
Цюрихе, Женеве, Лозанне, Берне, Венеции.
Возвратившись в Эчмиадзин (1907), Комитас в течение трех лет продолжает
свою интенсивную многогранную деятельность. Зреет план создания оперы
_Ануш_. Вместе с тем взаимоотношения между Комитасом и его церковным
окружением все более ухудшаются. Открытая вражда со стороны реакционного
духовенства, полное непонимание ими исторического значения его деятельности
заставляют композитора покинуть Эчмиадзин (1910) и обосноваться в
Константинополе с надеждой создать там армянскую консерваторию. Хотя
реализовать этот план ему не удается, тем не менее Комитас с прежней
энергией занимается педагогической и исполнительской деятельностью - в
городах Турции и Египта он проводит концерты, выступая в качестве
руководителя организуемых им хоров и солиста-певца. Граммофонные записи
пения Комитаса, осуществленные в эти годы, дают представление о его голосе
мягкого баритонального тембра, манере пения, исключительно тонко передающей
стиль исполняемой песни. По существу он явился создателем национальной школы
пения.
По-прежнему Комитаса приглашают для чтения лекций и докладов в
крупнейшие музыкальные центры Европы - Берлин, Лейпциг, Париж. Доклады об
армянской народной музыке, состоявшиеся в июне 1914г. в Париже на конгрессе
Международного музыкального общества, произвели, по его словам, громадное
впечатление на участников форума.
Творческую деятельность Комитаса прервали трагические события геноцида
- массовой резни армян, организованной турецкими властями. 11 апреля 1915 г.
после тюремного заключения он вместе с группой крупных армянских деятелей
литературы и искусства ссылается в глубь Турции. По ходатайству влиятельных
лиц Комитаса возвращают в Константинополь. Однако увиденное настолько тяжело
отразилось на его психике, что в 1916 г. он оказывается в больнице для
душевнобольных. В 1919 г. Комитаса перевозят в Париж, где он умирает.
Останки композитора погребены в Ереванском пантеоне деятелей науки и
искусства. Творчество Комитаса вошло в золотой фонд армянской музыкальной
культуры. О его кровной связи со своим народом прекрасно сказал выдающийся
армянский поэт Егише Чаренц:

Певец, народом ты вскормлен,
воспринял песню от него ты,
о радости мечтал, как он,
его страданья и заботы
ты разделял в своей судьбе -
за то, как мудрость человечья,
с младенчества далось тебе
народа чистое наречье.

/Д. Арутюнов/
КОРЕЛЛИ (Corelli) Арканджело (17 II 1653, Фузиньяно - 8 I 1713, Рим)
Творчество выдающегося итальянского композитора и скрипача А. Корелли
оказало огромное влияние на европейскую инструментальную музыку конца XVII -
первой половины XVIII в., он по праву считается основоположником итальянской
скрипичной школы. Многие крупнейшие композиторы последующей эпохи, включая
И. С. Баха и Г. Ф. Генделя, высоко ценили инструментальные сочинения
Корелли. Он проявил себя не только как композитор и замечательный
скрипач-исполнитель, но и как педагог (школа Корелли насчитывает целую
плеяду блестящих мастеров) и дирижер (он был руководителем различных
инструментальных ансамблей). Творчество Корелли и его многообразная
деятельность открыли новую страницу в истории музыки и музыкальных жанров.
О ранних годах жизни Корелли известно мало. Первые уроки музыки он
получил у священника. Сменив несколько педагогов, Корелли наконец попадает в
Болонью. Этот город был родиной целого ряда замечательных итальянских
композиторов, и пребывание там оказало, по-видимому, решающее влияние на
дальнейшую судьбу молодого музыканта. В Болонье Корелли занимается под
руководством известного педагога Дж. Бенвенути. О том, что уже в молодости
Корелли достиг выдающихся успехов в области скрипичной игры, свидетельствует
тот факт, что в 1670 г. в возрасте 17 лет он был принят в знаменитую
Болонскую академию. В 1670-х гг. Корелли переселяется в Рим. Здесь он играет
в различных оркестровых и камерных составах, руководит некоторыми
ансамблями, становится церковным капельмейстером. Из писем Корелли известно,
что в 1679 г. он поступил на службу к королеве Кристине Шведской. Будучи
музыкантом оркестра, он занимается также композицией - сочиняет сонаты для
своей покровительницы. Первый труд Корелли (12 церковных трио-сонат)
появился в 1681 г. В середине 1680-х гг. Корелли поступил на службу к
римскому кардиналу П. Оттобони, где и остался до конца жизни. После 1708 г.
он удалился от публичных выступлений и сосредоточил все свои силы на
творчестве.
Сочинения Корелли сравнительно немногочисленны: в 1685 г. вслед за
первым опусом появились его камерные трио-сонаты ор. 2, в 1689 г. - 12
церковных трио-сонат ор. 3, в 1694 - камерные трио-сонаты ор. 4, в 1700 г. -
камерные трио-сонаты ор. 5, Наконец, в 1714 г. уже после смерти Корелли в
Амстердаме были опубликованы его concerti grossi op. 6. Эти сборники, а
также несколько отдельных пьес и составляют наследие Корелли. Его сочинения
предназначены для струнных смычковых инструментов (скрипка, viola da gamba)
с участием клавесина или органа в качестве аккомпанирующих инструментов.
Творчество Корелли включает 2 основных жанра: сонаты и концерты. Жанр
сонаты именно в творчестве Корелли сформировался в том виде, в каком он
характерен для доклассической эпохи. Сонаты Корелли делятся на 2 группы:
церковные и камерные. Они различаются как по исполнительскому составу (в
церковной сонате аккомпанирует орган, в камерной - клавесин), так и по
содержанию (церковная отличается строгостью и углубленностью содержания,
камерная близка танцевальной сюите). Инструментальный состав, для которого
сочинялись подобные сонаты, включал 2 мелодических голоса (2 скрипки) и
аккомпанемент (орган, клавесин, viola da gamba). Поэтому их называют
трио-сонатами.
Концерты Корелли также стали выдающимся явлением в этом жанре. Жанр
concerto grosso существовал задолго до Корелли. Он был одним из
предшественников симфонической музыки. Идеей жанра было своеобразное
соревнование группы солирующих инструментов (в концертах Корелли эту роль
выполняют 2 скрипки и виолончель) с оркестром: концерт, таким образом,
строился как чередование solo и tutti. 12 концертов Корелли, написанные в
последние годы жизни композитора, стали одной из самых ярких страниц в
инструментальной музыке начала XVIII в. Они и сейчас являются едва ли не
самым популярным произведением Корелли. /А. Пильгун/
КРЕЙСЛЕР (Kreisler) Фриц (2 II 1875, Вена - 29 I 1962, Нью-Йорк)

Кто слышал хотя бы одно произведение Пуньяни, Картье, Франкера,
Порпоры, Луи Куперена, падре Мартини или Стамица прежде, чем я начал писать
под их именами? Они жили лишь на страницах музыкальных лексиконов, а их
сочинения пребывали в забвении в стенах монастырей или пылились на полках
библиотек. Эти имена были не более чем пустыми раковинами, старыми, забытыми
плащами, которыми я воспользовался, чтобы скрыть свою собственную личность.

Ф. Клейслер

Ф. Крейслер - последний скрипач-художник, в творчестве которого
продолжали развиваться традиции виртуозно-романтического искусства XIX в.,
преломленные через призму мировоззрения новой эпохи. Он во многом
предвосхитил интерпретаторские тенденции сегодняшнего дня, тяготеющие к
большей свободе и субъективизации трактовки. Продолжая традиции Штраусов, И.
Лайнера, венского городского фольклора, Крейслер создал многочисленные
скрипичные шедевры и обработки, широко популярные на эстраде.
Крейслер родился в семье врача, скрипача-любителя. С детства он слышал
в доме квартет, возглавляемый отцом. Здесь бывали композитор К. Гольдберг,
3. Фрейд и другие видные деятели Вены. С четырех лет Крейслер занимается у
отца, затем у Ф. Обера. Уже в 7 лет он поступает в Венскую консерваторию к
И. Хельбесбергеру. Тогда же состоялось первое выступление юного музыканта в
концерте К. Патти. По теории композиции Крейслер занимается у А. Брукнера и
уже в 8 лет сочиняет струнный квартет. Огромное впечатление производят на
него выступления А. Рубинштейна, И. Иоахима, П. Сарасате. В 9 лет Крейслер с
золотой медалью оканчивает Венскую консерваторию. С успехом проходят его
концерты. Но отец хочет дать ему более серьезную школу. И Крейслер вновь
поступает в консерваторию, но уже теперь в Париже. Его учителем по скрипке
становится Ж. Массар (учитель Г. Венявского), а по композиции Л. Делиб,
определивший его стиль композиции. И здесь через 2 года Крейслер получает
золотую медаль. Двенадцатилетним мальчиком вместе с учеником Ф. Листа М.
Розенталем он совершает гастрольную поездку по США, дебютируя в Бостоне
концертом Ф. Мендельсона.
Несмотря на большой успех маленького вундеркинда, отец настаивает на
полном гуманитарном образовании. Крейслер оставляет скрипку и поступает в
гимназию. В восемнадцатилетнем возрасте он выезжает на гастроли в Россию.
Но, вернувшись, поступает в медицинский институт, сочиняет военные марши,
играет в тирольском ансамбле с А. Шенбергом, знакомится с И. Брамсом и
участвует в первом исполнении его квартета. Наконец, Крейслер решается
держать конкурс в группу вторых скрипок Венской оперы. И - полный провал!
Обескураженный артист решает навсегда бросить скрипку. Кризис миновал лишь в
1896 г., когда Крейслер предпринимает второе турне по России, ставшее
началом его яркой артистической карьеры. Затем с огромным успехом проходят
его концерты в Берлине под управлением А. Никиша. Здесь же произошла встреча
с Э. Изаи, во многом повлиявшая на стиль Крейслера-скрипача.
В 1905 г. Крейслер создает цикл скрипичных пьес _Классические рукописи_
- 19 миниатюр, написанных как подражание классическим произведениям XVIII в.
Крейслер, в целях мистификации, скрыл свое авторство, выдав пьесы как
транскрипции. Одновременно он опубликовал и свои стилизации старинных
венских вальсов - _Радость любви, Муки любви, Прекрасный розмарин_, которые
подверглись уничтожающей критике и противопоставлялись транскрипциям как