Страница:
раскрыть первозданную природу человеческих характеров.
Монтеверди родился в семье врача. Его музыкальными занятиями руководил
М. Индженьери - опытный музыкант, капельмейстер Кремонского собора. Он
развил полифоническую технику будущего композитора, познакомил с лучшими
хоровыми произведениями Дж. Палестрины и О. Лассо. Моитеверди сочинять начал
рано. Уже в начале 1580-х гг. вышли в свет первые сборники вокальных
многоголосных произведений (мадригалов, мотетов, кантат), а к концу этого
десятилетия он становится известным в Италии композитором, членом академии
Сайта Чечилия в Риме. С 1590 г. Монтеверди - на службе в придворной капелле
герцога Мантуанского (сначала в качестве оркестранта и певца, а затем и
капельмейстера). Пышный, богатый двор Винченцо Гонзага привлекал лучшие
художественные силы того времени. По всей вероятности, Монтеверди мог
встречаться с великим итальянским поэтом Т. Тассо, фламандским художником П.
Рубенсом, членами прославленной флорентийской камераты, авторами первых опер
- Я. Пери, О. Ринуччини. Сопровождая герцога в частых путешествиях, военных
походах, композитор побывал в Праге, Вене, Инсбруке, Антверпене. В феврале
1607 г. в Мантуе с огромным успехом была поставлена первая опера Монтеверди
- _Орфей_ (либр. А. Стриджо). Пасторальную пьесу, предназначенную для
дворцовых празднеств, Монтеверди превратил в настоящую драму о страданиях и
трагической судьбе Орфея, о бессмертной красоте его искусства. (Монтеверди и
Стриджо сохранили трагический вариант развязки мифа - Орфей, покидая царство
мертвых, нарушает запрет, оглядывается на Эвридику и теряет ее навсегда.)
_Орфей_ отличается удивительным для раннего произведения богатством средств.
Экспрессивная декламация и широкая кантилена, хоры и ансамбли, балет,
развитая оркестровая партия служат воплощению глубоко лирического замысла.
До нашего времени сохранилась всего одна сцена из второй оперы Монтеверди -
_Ариадна_ (1608). Это знаменитый _Плач Ариадны (Дайте мне умереть_...),
послуживший прообразом множества арий lamento (арий жалобы) в итальянской
опере. (Плач Ариадны известен в двух вариантах - для голоса solo и в виде
пятиголосного мадригала.)
В 1613 г. Монтеверди переехал в Венецию и до конца жизни оставался на
службе капельмейстером в соборе Св. Марка. Богатая музыкальная жизнь Венеции
открыла перед композитором новые возможности. Монтеверди пишет оперы,
балеты, интермедии, мадригалы, музыку к церковным и придворным празднествам.
Одно из оригинальнейших произведений этих лет - драматическая сцена
_Поединок Танкреда и Клоринды_ на текст из поэмы Т. Тассо _Освобожденный
Иерусалим_, соединившая чтение (партия Рассказчика), актерскую игру
(речитативные партии Танкреда и Клоринды) и оркестр, который живописует ход
поединка, раскрывает эмоциональный характер сцены. В связи с _Поединком_
Монтеверди писал о новом стиле concitato (возбужденном, взволнованном),
противопоставляя его господствовавшему в то время _мягкому, умеренному_
стилю.
Остроэкспрессивным, драматическим характером отличаются и многие
мадригалы Монтеверди (в Венеции был создан последний, восьмой сборник
мадригалов, 1638). В этом жанре многоголосной вокальной музыки сформировался
стиль композитора, произошел отбор выразительных средств. Особенно
оригинален гармонический язык мадригалов (смелые тональные сопоставления,
хроматические, диссонирующие аккорды и т. п.). В конце 1630-х - начале 40-х
гг. наивысшего расцвета достигает оперное творчество Монтеверди
(_Возвращение Улисса на родину_ - 1640, _Адонис_ - 1639, _Свадьба Энея и
Лавинии_ - 1641; 2 последние оперы не сохранились).
В 1642 г. в Венеции была поставлена _Коронация Поппеи_ Монтеверди
(либр. Ф. Бузинелло по _Анналам_ Тацита). Последняя опера 75-летнего
композитора стала подлинной вершиной, итогом творческого пути. В ней
действуют конкретные, реально существовавшие исторические лица - римский
император Нерон, известный своим коварством и жестокостью, его учитель -
философ Сенека. Многое в _Коронации_ наводит на аналогии с трагедиями
гениального современника композитора - В. Шекспира. Открытость и накал
страстей, резкие, подлинно _шекспировские_ контрасты сцен возвышенных и
жанрово-бытовых, комедийных. Так, прощание Сенеки с учениками - трагическая
кульминация оаеры - сменяется веселой интермедией пажа и служанки, а затем
начинается настоящая оргия - Нерон с друзьями глумится над учителем,
празднует его смерть.
_Единственный его закон - сама жизнь_, - писал о Монтеверди Р. Роллан.
Смелостью открытий творчество Монтеверди надолго опередило свое время.
Композитор провидел очень отдаленное будущее музыкального театра: реализм
оперной драматургии В. А. Моцарта, Дж. Верди, М. Мусоргского. Может быть,
поэтому столь удивительной оказалась судьба его произведений. Долгие годы
они оставались в забвении и вновь вернулись к жизни только в наше время. /И.
Охалова/
МОНЮШКО (Moniuszko) Станислав (5 V 1819, Убель, близ Минска - 4 VI
1872, Варшава)
Выдающийся польский композитор С. Монюшко - создатель национальной
классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в
себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С
детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором
славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными
художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был
художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к
театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь.
В 8 лет Моиюшко отправился в Варшаву - начинаются годы учения. Он берет
уроки у органиста и пианиста А. Фрейера. В 1830 г. Станислав переезжает в
Минск, там поступает в гимназию и занимается композицией с Д. Стефановичем и
под его влиянием окончательно решает избрать музыку своей профессией.
Свое музыкальное образование Монюшко завершает в Берлине, в Певческой
академии (1837-40). Он осваивает работу с хором и оркестром, получает более
полное представление о музыкальной (прежде всего оперной) культуре Европы. В
эти годы появляются первые самостоятельные произведения: месса, 2 струнных
квартета, Три песни на ст. А. Мицкевича, музыка к спектаклям. В 1840-58 гг.
Монюшко живет в Вильно (Вильнюс). Здесь, вдали от крупных музыкальных
центров раскрывается его разносторонний талант. Он работает органистом
костела Св. Яна (с этим связано сочинение органных _Песен нашего костела_),
выступает как дирижер в симфонических концертах и в оперном театре, пишет
статьи, дает уроки игры на фортепиано. В числе его учеников - русский
композитор Ц. Кюи, один из участников _Могучей кучки_. Несмотря на
значительные материальные трудности, Монюшко занимался с ним бесплатно.
Индивидуальность композитора раньше всего проявилась в жанрах песни и
романса. В 1841 г. выходит первый Песенник Монюшко (всего их 12). Песни,
созданные в Вильно, во многом подготовили стиль его будущих опер.
Высшее достижение творчества Монюшко - опера _Галька_. Это трагическая
история о молодой крестьянской девушке, обманутой знатным барином.
Искренность и теплота музыки, мелодическое богатство сделали эту оперу
особенно популярной и любимой поляками. _Галька_ была поставлена в Вильно в
1848 г. Ее успех сразу принес известность провинциальному органисту. Но
только спустя 10 лет опера в новой, значительно усовершенствованной редакции
была поставлена в Варшаве. Дата этой постановки (1 января 1858г.) считается
рождением польской классической оперы.
В 1858 г. Монюшко совершил заграничную поездку по Германии, Франции,
Чехии (будучи в Веймаре, он посетил Ф. Листа). Тогда же композитора
приглашают на должность главного дирижера театра Бельки (Варшава), которую
он занимает до конца своих дней. Кроме этого Монюшко - профессор в
Музыкальном институте (1864-72), там он ведет классы композиции, гармонии и
контрапункта (среди его учеников - композитор З. Носковский). Монюшко также
автор Школы игры на фортепиано и учебника гармонии.
Частые выступления с авторскими концертами в Петербурге сблизили
Монюшко с русскими композиторами - он был другом М. Глияки и А.
Даргомыжского. Лучшее из созданного Монюшко связано прежде всего с теми
жанрами, которые не были затронуты великим польским классиком Ф. Шопеном или
не получили у него значительного развития, - с оперой и песней. Монюшко
создал 15 опер. Кроме _Гальки_, к лучшим его произведениям относится
_Зачарованный замок_ (_Страшный двор_ - 1865). Монюшко не раз обращался к
комической опере (_Явнута, Сплавщик леса_), к балету (в т. ч.
_Монте-Кристо_), оперетте, музыке к театральным постановкам (_Гамлет_ В.
Шекспира, _Разбойники_ Ф. Шиллера, водевили А. Фредро). Постоянно привлекает
композитора и жанр кантаты (_Мильда, Ниола_). В поздние годы были созданы 3
кантаты на слова А. Мицкевича: _Призраки_ (по драматической поэме _Дзяды_),
_Крымские сонеты_ и _Пани Твардовская_. Монюшко внес национальный элемент и
в церковную музыку (6 месс, 4 _Остробрамские литании_), положил начало
польскому симфонизму (программные увертюры _Сказка, Каин_ и др.). Композитор
писал и фортепианную музыку, предназначенную в основном для домашнего
музицирования: полонезы, мазурки, вальсы, 2 тетради пьес _Безделушки_.
Но особенно важным наряду с оперным творчеством было сочинение песен
(ок. 400), которые композитор объединял в сборники - _Домашние песенники_.
Их название говорит само за себя: это музыка повседневного быта, созданная в
расчете не только на профессионалов, но и любителей музыки. _Я не создаю
ничего нового. Странствуя по польским землям, я наполняюсь духом народных
песен. Из них, помимо моей воли, вдохновение переливается во все мои
сочинения_. В этих словах Монюшко раскрывается секрет удивительной
_общительности_ его музыки. /К. Зенкин/
МОСОЛОВ Александр Васильевич (11 VIII 1900, Киев - 12 VII 1973, Москва)
Сложна и необычна композиторская судьба А. Мосолова - яркого и
оригинального художника, интерес к которому в последнее время все более
возрастает. В его творчестве совершались самые невероятные стилистические
модуляции, которые отразили метаморфозы, происходившие на различных этапах
развития советской музыки. Ровесник века, он смело ворвался в искусство в
20-е гг. и органично вписался в _контекст_ эпохи, со всей своей
импульсивностью и неуемной энергией воплощая ее бунтарский дух, открытость
новым веяниям. Для Мосолова 20-е гг. стали своего рода периодом _бури и
натиска_. К этому времени уже четко определилась его жизненная позиция.
Судьба Мосолова, который в 1903 г. с родителями переехал из Киева в
Москву, была неразрывно связана с революционными событиями. Горячо
приветствуя победу Великого Октября, он в 1918 г. добровольцем уходит на
фронт; в 1920 - демобилизуется из-за контузии. И только, по всей
вероятности, в 1921 г., поступив в Московскую консерваторию, Мосолов
начинает сочинять музыку. Он занимается по классу композиции, гармонии и
контрапункта у Р. Глиэра, затем переходит в класс Н. Мясковского, у которого
и заканчивает консерваторию в 1925 г. Параллельно он занимался по фортепиано
у Г. Прокофьева, позже - у К. Игумнова. Удивителен интенсивный творческий
взлет Мосолова: уже к середине 20-х гг. он становится автором значительного
количества произведений, в которых вырабатывается его стиль. _Чудак вы
эдакий, из вас лезет, как из рога изобилия_, - писал Мосолову Н. Мясковский
10 августа 1927 г. - _Шутка ли сказать - 10 романсов, 5 каденций,
Симфоническая сюита, а вы пишете сочинил-то мало. Это, батенька,
"Универсаль"_ (издательство _Universal Edition_ в Вене. - Н. А.), _и та
взвоет от такого количества_! С 1924 по 1928 г. Мосолов создает почти 30
опусов, в числе которых - фортепианные сонаты, камерные вокальные сочинения
и инструментальные миниатюры, Симфония, камерная опера _Герой_, фортепианный
концерт, музыка к балету _Сталь_ (из которой появился знаменитый
симфонический эпизод _Завод_). В последующие годы он пишет оперетту
_Крещение Руси, Антирелигиозную симфонию_ для чтецов, хора и оркестра и др.
В 20-30-х гг. интерес к творчеству Мосолова в нашей стране и за рубежом
в наибольшей степени был связан с _Заводом_ (1926-28), в котором стихия
звукоизобразительной полиостинатности рождает ощущение работы огромного
механизма. Это сочинение во многом способствовало тому, что Мосолов
воспринимался современниками главным образом как представитель музыкального
конструктивизма, связанного с характерными тенденциями в развитии советского
драматического и музыкального театра (вспомним режиссерские работы Вс.
Мейерхольда, балет С. Прокофьева _Стальной скок_ - 1925, оркестровый эпизод
_Металлургический завод_ из оперы В. Дешевова _Лед и сталь_ - 1930). Однако
Мосолов в этот период искал и обретал другие пласты современной музыкальной
стилистики. В 1926 г. он пишет два необычайно остроумных, озорных вокальных
цикла, содержащих элемент эпатажа: _Три детские сценки_ и _Четыре газетных
объявления_ (_из Известий ВЦИКа_). Оба сочинения вызвали шумную реакцию и
неоднозначное толкование. Чего ст_о_ят только сами газетные тексты,
например: _Лично хожу крыс, мышей морить. Есть отзывы. 25 лет практики_.
Легко представить себе состояние слушателей, воспитанных в духе традиции
камерного музицирования! Находящиеся в русле современного музыкального языка
с его подчеркнутой диссонантностью, хроматическими блужданиями, циклы тем не
менее обладают четкой преемственностью с вокальным стилем М. Мусоргского
вплоть до прямых аналогий между _Тремя детскими сценками_ и _Детской_;
_Газетными объявлениями_ и _Семинаристом, Райком_. Еще одно значительное
произведение 20-х гг. - Первый фортепианный концерт (1926-27), положивший
начало новому, антиромантическому взгляду на этот жанр в советской музыке.
К началу 30-х гг. период _бури и натиска_ в творчестве Мосолова
завершается: композитор резко порывает с прежней манерой письма и начинает
_нащупывать_ новую, прямо противоположную первой. Изменение стиля музыканта
было столь радикальным, что, сравнивая его произведения, написанные до и
после начала 30-х гг., трудно поверить, что все они принадлежат одному и
тому же композитору. Стилистическая модуляция, совершив; шаяся в 30-е гг.,
определила собой все последующее творчество Мосолова. Чем же был вызван этот
резкий творческий перелом? Известную роль сыграла тенденциозная критика со
стороны РАПМ, чья деятельность характеризовалась вульгаризированным подходом
к явлениям искусства (в 1925 г. Мосолов стал действительным членом АСМ).
Были и объективные причины стремительной эволюции языка композитора: она
отвечала свойственному советскому искусству 30-х гг. тяготению к ясности и
простоте.
В 1928-37 гг. Мосолов активно осваивает среднеазиатский фольклор,
изучая его во время своих поездок, а также обращаясь к известному сборнику
В. Успенского и В. Беляева _Туркменская музыка_ (1928). Он пишет 3 пьесы для
фортепиано _Туркменские ночи_ (1928), Две пьесы на узбекские темы (1929),
которые стилистически еще относятся к предыдущему, бунтарскому периоду,
подводя ему итог. А во Втором концерте для фортепиано с оркестром (1932) и
еще более в Трех песнях для голоса с оркестром (30-е гг.) уже отчетливо
намечается новый стиль. Конец 20-х гг. ознаменовался единственным в
творчестве Мосолова опытом создания крупной оперы на гражданско-социальную
тематику - _Плотина_ (1929-30), - которую он посвятил своему учителю Н.
Мясковскому. В основе либретто Я. Задыхина лежит сюжет, созвучный периоду
рубежа 20-30-х гг.: в нем речь идет о постройке плотины для гидростанции в
одной из отдаленных деревень страны. Тема оперы была близка автору _Завода_.
Оркестровый язык _Плотины_ обнаруживает близость к стилю симфонических
сочинений Мосолова 20-х гг. Прежняя манера острогротескного выражения
сочетается здесь с попытками создать в музыке позитивные образы, отвечающие
требованиям социальной темы. Однако воплощение ее нередко страдает известным
схематизмом сюжетных коллизий и героев, для воплощения которых у Мосолова
еще не было достаточного опыта, в то время как в воплощении отрицательных
персонажей старого мира такой опыт у него был накоплен.
К сожалению, сохранилось мало сведений о творческой деятельности
Мосолова после создания _Плотины_. В конце 1937 г. он был репрессирован:
осужден на 8 лет в исправительно-трудовом лагере, однако 25 августа 1938 г.
был освобожден. В период с 1939 г. до конца 40-х гг. происходит
окончательное становление новой творческой манеры композитора. В необычайно
поэтичном Концерте для арфы с оркестром (1939) фольклорный язык сменяется
оригинальным авторским тематизмом, отличающимся простотой гармонического
языка, мелодизмом. В начале 40-х гг. творческие интересы Мосолова
направляются по нескольким руслам, одним из которых была опера. Он пишет
оперы _Сигнал_ (либр. О. Литовского) и _Маскарад_ (по М. Лермонтову).
Партитура _Сигнала_ была закончена 14 октября 1941 г. Таким образом, опера
стала одним из первых в этом жанре (возможно, и самым первым) откликом на
события Великой Отечественной войны. Другие важнейшие области творчества
Мосолова этих лет - хоровая и камерная вокальная музыка - объединены темой
патриотизма. Основной жанр хоровой музыки военных лет - песня - представлен
рядом сочинений, среди которых особенно интересны три хора в сопровождении
фортепиано на стихи Арго (А. Гольденберга), написанные в духе массовых
героических песен: _Песня про Александра Невского, Песня про Кутузова_ и
_Песня о Суворове_. Ведущую роль в камерных вокальных сочинениях начала 40-х
гг. играют жанры баллады и песни; иную сферу составляет лирический романс и,
в частности, романс-элегия (_Три элегии на стихи Дениса Давыдова_ - 1944,
_Пять стихотворений А. Блока_ - 1946).
В эти годы Мосолов вновь после многолетнего перерыва обращается к жанру
симфонии. Симфония ми мажор (1944) положила начало масштабной эпопее из 6
симфоний, создававшихся на протяжении более 20 лет. В этом жанре композитор
продолжает линию эпического симфонизма, каким он сложился в русской, а затем
в советской музыке 30-х гг. Этот жанровый тип, а также необычайно тесные
интонационно-тематические связи между симфониями дают право назвать 6
симфоний эпопеей отнюдь не метафорически.
В 1949 г. Мосолов принимает, участие в фольклорных экспедициях в
Краснодарский край, положивших начало новой, _фольклорной волне_ в его
творчестве. Появляются сюиты для оркестра русских народных инструментов
(_Кубанская_ и др.). Композитор изучает фольклор Ставрополья. В 60-е гг.
Мосолов начал писать для народного хора (в т. ч. для Северного русского
народного хора, руководимого женой композитора - народной артисткой СССР Ы.
Мешко). Он быстро овладевает стилем северной песни, делает обработки.
Длительная работа композитора с хором способствовала написанию _Народной
оратории о Г. И. Котовском_ (ст. Э. Багрицкого) для солистов, хора, чтеца и
оркестра (1969-70). В этом последнем завершенном сочинении Мосолов обратился
к событиям гражданской войны на Украине (в которой он участвовал), посвятив
ораторию памяти своего командира. В последние годы жизни Мосолов делает
эскизы к двум сочинениям - Третьему фортепианному концерту (1971) и Шестой
(фактически Восьмой) симфонии. Кроме того, он вынашивал замысел оперы _Что
делать?_ (по одноим. роману Н. Чернышевского), которому не суждено было
осуществиться.
_Меня радует, что в настоящее время творческим наследием Мосолова
заинтересовалась общественность, что издаются воспоминания о нем. ...Думаю,
что если бы все это было при жизни А. В. Мосолова, то, возможно,
возродившееся внимание к его композициям продлило бы ему жизнь и он еще
долго был бы среди нас_, - так написал о композиторе замечательный
виолончелист А. Стогорский, которому Мосолов посвятил _Элегическую поэму_
для виолончели с оркестром (1960), /Н. Алексенко/
МОЦАРТ (Mozart) Вольфганг Амадей (Иоанн Хризостом Вольфганг Теофиль)
(27 I 1756, Зальцбург - 5 XII 1791, Вена)
_По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная
точка, до которой красота досягала в сфере музыки_.
П. Чайковский
_Какая глубина! Какая смелость и какая стройность!_ Так гениально
выразил Пушкин сущность гениального искусства Моцарта. Действительно,
подобного сочетания классического совершенства с дерзновенностью мысли,
такой бесконечности индивидуальных решений на основе четких и ясных
закономерностей композиции мы не найдем, наверное, ни у одного из творцов
музыкального искусства. Солнечно ясным и непостижимо загадочным, простым и
безмерно сложным, глубоко человечным и вселенским, космическим предстает мир
моцартовской музыки.
В. А. Моцарт родился в семье Леопольда Моцарта, скрипача и композитора
при дворе зальцбургского архиепископа. Гениальная одаренность позволила
Моцарту уже с четырехлетнего возраста сочинять музыку, очень быстро овладеть
искусством игры на клавире, скрипке, органе. Отец умело руководил занятиями
сына. В 1762-71 гг. он предпринимал гастрольные поездки, во время которых
многие европейские дворы познакомились с искусством его детей (старшая,
сестра Вольфганга была одаренной клавиристкой, сам он пел, дирижировал,
виртуозно играл на разных инструментах и импровизировал), повсюду вызывавшим
восхищение. В возрасте 14 лет Моцарт был награжден папским орденом _Золотой
шпоры_, избран членом Филармонической академии в Болонье.
В поездках Вольфганг знакомился с музыкой разных стран, осваивая
характерные для эпохи жанры. Так, знакомство с И. К. Бахом, жившим в
Лондоне, вызывает к жизни первые симфонии (1764), в Вене (1768) он получает
заказы на оперы в жанре итальянской оперы-buffa (_Притворная простушка_) и
немецкого зингшпиля (_Бастьен и Бастьенна_; годом раньше в Задьцбургском
университете была поставлена школьная опера (латинская комедия) _Аполлон и
Гиацинт_. Особенно плодотворным было пребывание в Италии, где Моцарт
совершенствуется в контрапункте (полифонии) у Дж. Б. Мартини (Болонья),
ставит в Милане оперу-seria _Митридат, царь понтийский_ (1770), а в 1771 г.
- оперу _Луций Сулла_.
Гениальный юноша меньше интересовал меценатов, чем чудо-ребенок, и Л.
Моцарту не удалось найти для него места при каком-либо столичном европейском
дворе. Пришлось вернуться в Зальцбург для исполнения обязанностей
придворного концертмейстера. Творческие стремления Моцарта теперь
ограничивались заказами на сочинение духовной музыки, а также
развлекательных пьес - дивертисментов, кассаций, серенад (т. е. сюит с
танцевальными частями для разных инструментальных составов, звучавших не
только на придворных вечерах, но и на улицах, в домах австрийских горожан).
Работу в этой области Моцарт продолжил впоследствии и в Вене, где было
создано его самое известное произведение подобного рода - _Маленькая ночная
серенада_ (1787), своеобразная миниатюрная симфония, полная юмора и
изящества. Пишет Моцарт и концерты для скрипки с оркестром, клавирные и
скрипичные сонаты и др. Одна из вершин музыки этого периода - Симфония соль
минор Э 25, где отразились характерные для эпохи мятежные _вертеровские_
настроения, близкие по духу литературному течению _Бури и натиска_. Томясь в
провинциальном Зальцбурге, где его удерживали деспотические притязания
архиепископа, Моцарт предпринимает неудавшиеся попытки устроиться в Мюнхене,
Мангейме, Париже. Поездки в эти города (1777-79) принесли, однако, много
эмоциональных (первая любовь - к певице Алоизии Вебер, смерть матери) и
художественных впечатлений, отразившихся, в частности, в клавирных сонатах
(ля минор, ля мажор с вариациями и Rondo alla turca), в Концертной симфонии
для скрипки и альта с оркестром и др. Отдельные оперные постановки (_Сон
Сципиона_ - 1772, _Царь-пастух_ - 1775, обе в Зальцбурге; _Мнимая садовница_
- 1775, Мюнхен) не удовлетворили стремлений Моцарта к регулярному контакту с
оперным театром. Постановка оперы-seria _Идоменей, царь критский_ (Мюнхен,
1781) выявила полную зрелость Моцарта-художника и человека, его смелость и
независимость в вопросах жизни и творчества. Прибыв из Мюнхена в Вену, куда
направился на коронационные торжества архиепископ, Моцарт порвал с ним,
отказавшись вернуться в Зальцбург.
Прекрасным венским дебютом Моцарта стал зингшпиль _Похищение из сераля_
(1782, Бургтеатр), за премьерой которого последовала женитьба на Констанце
Вебер (младшей сестре Алоизии). Однако (впоследствии оперные заказы
поступали не столь часто. Придворный поэт Л. Да Понте содействовал
постановке на сцене Бургтеатра опер, написанных на его либретто: двух
центральных творений Моцарта - _Свадьбы Фигаро_ (1786) и _Дон-Жуана_ (1788),
а также оперы-buffа _Все они таковы_ (1790); в Шенбрунне (летней резиденции
двора) была также поставлена одноактная комедия с музыкой _Директор театра_
(1786).
Первые годы в Вене Моцарт часто выступает, создавая для своих
_академий_ (концертов, организованных по подписке среди меценатов) концерты
для клавира с оркестром. Исключительное значение для творчества композитора
имело изучение произведений И. С. Баха (а также Г. Ф. Генделя, Ф. Э. Баха),
направившее его художественные интересы в область полифонии, придавшее новую
глубину и серьезность его замыслам. Это очень ярко проявилось в Фантазии и
Монтеверди родился в семье врача. Его музыкальными занятиями руководил
М. Индженьери - опытный музыкант, капельмейстер Кремонского собора. Он
развил полифоническую технику будущего композитора, познакомил с лучшими
хоровыми произведениями Дж. Палестрины и О. Лассо. Моитеверди сочинять начал
рано. Уже в начале 1580-х гг. вышли в свет первые сборники вокальных
многоголосных произведений (мадригалов, мотетов, кантат), а к концу этого
десятилетия он становится известным в Италии композитором, членом академии
Сайта Чечилия в Риме. С 1590 г. Монтеверди - на службе в придворной капелле
герцога Мантуанского (сначала в качестве оркестранта и певца, а затем и
капельмейстера). Пышный, богатый двор Винченцо Гонзага привлекал лучшие
художественные силы того времени. По всей вероятности, Монтеверди мог
встречаться с великим итальянским поэтом Т. Тассо, фламандским художником П.
Рубенсом, членами прославленной флорентийской камераты, авторами первых опер
- Я. Пери, О. Ринуччини. Сопровождая герцога в частых путешествиях, военных
походах, композитор побывал в Праге, Вене, Инсбруке, Антверпене. В феврале
1607 г. в Мантуе с огромным успехом была поставлена первая опера Монтеверди
- _Орфей_ (либр. А. Стриджо). Пасторальную пьесу, предназначенную для
дворцовых празднеств, Монтеверди превратил в настоящую драму о страданиях и
трагической судьбе Орфея, о бессмертной красоте его искусства. (Монтеверди и
Стриджо сохранили трагический вариант развязки мифа - Орфей, покидая царство
мертвых, нарушает запрет, оглядывается на Эвридику и теряет ее навсегда.)
_Орфей_ отличается удивительным для раннего произведения богатством средств.
Экспрессивная декламация и широкая кантилена, хоры и ансамбли, балет,
развитая оркестровая партия служат воплощению глубоко лирического замысла.
До нашего времени сохранилась всего одна сцена из второй оперы Монтеверди -
_Ариадна_ (1608). Это знаменитый _Плач Ариадны (Дайте мне умереть_...),
послуживший прообразом множества арий lamento (арий жалобы) в итальянской
опере. (Плач Ариадны известен в двух вариантах - для голоса solo и в виде
пятиголосного мадригала.)
В 1613 г. Монтеверди переехал в Венецию и до конца жизни оставался на
службе капельмейстером в соборе Св. Марка. Богатая музыкальная жизнь Венеции
открыла перед композитором новые возможности. Монтеверди пишет оперы,
балеты, интермедии, мадригалы, музыку к церковным и придворным празднествам.
Одно из оригинальнейших произведений этих лет - драматическая сцена
_Поединок Танкреда и Клоринды_ на текст из поэмы Т. Тассо _Освобожденный
Иерусалим_, соединившая чтение (партия Рассказчика), актерскую игру
(речитативные партии Танкреда и Клоринды) и оркестр, который живописует ход
поединка, раскрывает эмоциональный характер сцены. В связи с _Поединком_
Монтеверди писал о новом стиле concitato (возбужденном, взволнованном),
противопоставляя его господствовавшему в то время _мягкому, умеренному_
стилю.
Остроэкспрессивным, драматическим характером отличаются и многие
мадригалы Монтеверди (в Венеции был создан последний, восьмой сборник
мадригалов, 1638). В этом жанре многоголосной вокальной музыки сформировался
стиль композитора, произошел отбор выразительных средств. Особенно
оригинален гармонический язык мадригалов (смелые тональные сопоставления,
хроматические, диссонирующие аккорды и т. п.). В конце 1630-х - начале 40-х
гг. наивысшего расцвета достигает оперное творчество Монтеверди
(_Возвращение Улисса на родину_ - 1640, _Адонис_ - 1639, _Свадьба Энея и
Лавинии_ - 1641; 2 последние оперы не сохранились).
В 1642 г. в Венеции была поставлена _Коронация Поппеи_ Монтеверди
(либр. Ф. Бузинелло по _Анналам_ Тацита). Последняя опера 75-летнего
композитора стала подлинной вершиной, итогом творческого пути. В ней
действуют конкретные, реально существовавшие исторические лица - римский
император Нерон, известный своим коварством и жестокостью, его учитель -
философ Сенека. Многое в _Коронации_ наводит на аналогии с трагедиями
гениального современника композитора - В. Шекспира. Открытость и накал
страстей, резкие, подлинно _шекспировские_ контрасты сцен возвышенных и
жанрово-бытовых, комедийных. Так, прощание Сенеки с учениками - трагическая
кульминация оаеры - сменяется веселой интермедией пажа и служанки, а затем
начинается настоящая оргия - Нерон с друзьями глумится над учителем,
празднует его смерть.
_Единственный его закон - сама жизнь_, - писал о Монтеверди Р. Роллан.
Смелостью открытий творчество Монтеверди надолго опередило свое время.
Композитор провидел очень отдаленное будущее музыкального театра: реализм
оперной драматургии В. А. Моцарта, Дж. Верди, М. Мусоргского. Может быть,
поэтому столь удивительной оказалась судьба его произведений. Долгие годы
они оставались в забвении и вновь вернулись к жизни только в наше время. /И.
Охалова/
МОНЮШКО (Moniuszko) Станислав (5 V 1819, Убель, близ Минска - 4 VI
1872, Варшава)
Выдающийся польский композитор С. Монюшко - создатель национальной
классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в
себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С
детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором
славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными
художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был
художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к
театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь.
В 8 лет Моиюшко отправился в Варшаву - начинаются годы учения. Он берет
уроки у органиста и пианиста А. Фрейера. В 1830 г. Станислав переезжает в
Минск, там поступает в гимназию и занимается композицией с Д. Стефановичем и
под его влиянием окончательно решает избрать музыку своей профессией.
Свое музыкальное образование Монюшко завершает в Берлине, в Певческой
академии (1837-40). Он осваивает работу с хором и оркестром, получает более
полное представление о музыкальной (прежде всего оперной) культуре Европы. В
эти годы появляются первые самостоятельные произведения: месса, 2 струнных
квартета, Три песни на ст. А. Мицкевича, музыка к спектаклям. В 1840-58 гг.
Монюшко живет в Вильно (Вильнюс). Здесь, вдали от крупных музыкальных
центров раскрывается его разносторонний талант. Он работает органистом
костела Св. Яна (с этим связано сочинение органных _Песен нашего костела_),
выступает как дирижер в симфонических концертах и в оперном театре, пишет
статьи, дает уроки игры на фортепиано. В числе его учеников - русский
композитор Ц. Кюи, один из участников _Могучей кучки_. Несмотря на
значительные материальные трудности, Монюшко занимался с ним бесплатно.
Индивидуальность композитора раньше всего проявилась в жанрах песни и
романса. В 1841 г. выходит первый Песенник Монюшко (всего их 12). Песни,
созданные в Вильно, во многом подготовили стиль его будущих опер.
Высшее достижение творчества Монюшко - опера _Галька_. Это трагическая
история о молодой крестьянской девушке, обманутой знатным барином.
Искренность и теплота музыки, мелодическое богатство сделали эту оперу
особенно популярной и любимой поляками. _Галька_ была поставлена в Вильно в
1848 г. Ее успех сразу принес известность провинциальному органисту. Но
только спустя 10 лет опера в новой, значительно усовершенствованной редакции
была поставлена в Варшаве. Дата этой постановки (1 января 1858г.) считается
рождением польской классической оперы.
В 1858 г. Монюшко совершил заграничную поездку по Германии, Франции,
Чехии (будучи в Веймаре, он посетил Ф. Листа). Тогда же композитора
приглашают на должность главного дирижера театра Бельки (Варшава), которую
он занимает до конца своих дней. Кроме этого Монюшко - профессор в
Музыкальном институте (1864-72), там он ведет классы композиции, гармонии и
контрапункта (среди его учеников - композитор З. Носковский). Монюшко также
автор Школы игры на фортепиано и учебника гармонии.
Частые выступления с авторскими концертами в Петербурге сблизили
Монюшко с русскими композиторами - он был другом М. Глияки и А.
Даргомыжского. Лучшее из созданного Монюшко связано прежде всего с теми
жанрами, которые не были затронуты великим польским классиком Ф. Шопеном или
не получили у него значительного развития, - с оперой и песней. Монюшко
создал 15 опер. Кроме _Гальки_, к лучшим его произведениям относится
_Зачарованный замок_ (_Страшный двор_ - 1865). Монюшко не раз обращался к
комической опере (_Явнута, Сплавщик леса_), к балету (в т. ч.
_Монте-Кристо_), оперетте, музыке к театральным постановкам (_Гамлет_ В.
Шекспира, _Разбойники_ Ф. Шиллера, водевили А. Фредро). Постоянно привлекает
композитора и жанр кантаты (_Мильда, Ниола_). В поздние годы были созданы 3
кантаты на слова А. Мицкевича: _Призраки_ (по драматической поэме _Дзяды_),
_Крымские сонеты_ и _Пани Твардовская_. Монюшко внес национальный элемент и
в церковную музыку (6 месс, 4 _Остробрамские литании_), положил начало
польскому симфонизму (программные увертюры _Сказка, Каин_ и др.). Композитор
писал и фортепианную музыку, предназначенную в основном для домашнего
музицирования: полонезы, мазурки, вальсы, 2 тетради пьес _Безделушки_.
Но особенно важным наряду с оперным творчеством было сочинение песен
(ок. 400), которые композитор объединял в сборники - _Домашние песенники_.
Их название говорит само за себя: это музыка повседневного быта, созданная в
расчете не только на профессионалов, но и любителей музыки. _Я не создаю
ничего нового. Странствуя по польским землям, я наполняюсь духом народных
песен. Из них, помимо моей воли, вдохновение переливается во все мои
сочинения_. В этих словах Монюшко раскрывается секрет удивительной
_общительности_ его музыки. /К. Зенкин/
МОСОЛОВ Александр Васильевич (11 VIII 1900, Киев - 12 VII 1973, Москва)
Сложна и необычна композиторская судьба А. Мосолова - яркого и
оригинального художника, интерес к которому в последнее время все более
возрастает. В его творчестве совершались самые невероятные стилистические
модуляции, которые отразили метаморфозы, происходившие на различных этапах
развития советской музыки. Ровесник века, он смело ворвался в искусство в
20-е гг. и органично вписался в _контекст_ эпохи, со всей своей
импульсивностью и неуемной энергией воплощая ее бунтарский дух, открытость
новым веяниям. Для Мосолова 20-е гг. стали своего рода периодом _бури и
натиска_. К этому времени уже четко определилась его жизненная позиция.
Судьба Мосолова, который в 1903 г. с родителями переехал из Киева в
Москву, была неразрывно связана с революционными событиями. Горячо
приветствуя победу Великого Октября, он в 1918 г. добровольцем уходит на
фронт; в 1920 - демобилизуется из-за контузии. И только, по всей
вероятности, в 1921 г., поступив в Московскую консерваторию, Мосолов
начинает сочинять музыку. Он занимается по классу композиции, гармонии и
контрапункта у Р. Глиэра, затем переходит в класс Н. Мясковского, у которого
и заканчивает консерваторию в 1925 г. Параллельно он занимался по фортепиано
у Г. Прокофьева, позже - у К. Игумнова. Удивителен интенсивный творческий
взлет Мосолова: уже к середине 20-х гг. он становится автором значительного
количества произведений, в которых вырабатывается его стиль. _Чудак вы
эдакий, из вас лезет, как из рога изобилия_, - писал Мосолову Н. Мясковский
10 августа 1927 г. - _Шутка ли сказать - 10 романсов, 5 каденций,
Симфоническая сюита, а вы пишете сочинил-то мало. Это, батенька,
"Универсаль"_ (издательство _Universal Edition_ в Вене. - Н. А.), _и та
взвоет от такого количества_! С 1924 по 1928 г. Мосолов создает почти 30
опусов, в числе которых - фортепианные сонаты, камерные вокальные сочинения
и инструментальные миниатюры, Симфония, камерная опера _Герой_, фортепианный
концерт, музыка к балету _Сталь_ (из которой появился знаменитый
симфонический эпизод _Завод_). В последующие годы он пишет оперетту
_Крещение Руси, Антирелигиозную симфонию_ для чтецов, хора и оркестра и др.
В 20-30-х гг. интерес к творчеству Мосолова в нашей стране и за рубежом
в наибольшей степени был связан с _Заводом_ (1926-28), в котором стихия
звукоизобразительной полиостинатности рождает ощущение работы огромного
механизма. Это сочинение во многом способствовало тому, что Мосолов
воспринимался современниками главным образом как представитель музыкального
конструктивизма, связанного с характерными тенденциями в развитии советского
драматического и музыкального театра (вспомним режиссерские работы Вс.
Мейерхольда, балет С. Прокофьева _Стальной скок_ - 1925, оркестровый эпизод
_Металлургический завод_ из оперы В. Дешевова _Лед и сталь_ - 1930). Однако
Мосолов в этот период искал и обретал другие пласты современной музыкальной
стилистики. В 1926 г. он пишет два необычайно остроумных, озорных вокальных
цикла, содержащих элемент эпатажа: _Три детские сценки_ и _Четыре газетных
объявления_ (_из Известий ВЦИКа_). Оба сочинения вызвали шумную реакцию и
неоднозначное толкование. Чего ст_о_ят только сами газетные тексты,
например: _Лично хожу крыс, мышей морить. Есть отзывы. 25 лет практики_.
Легко представить себе состояние слушателей, воспитанных в духе традиции
камерного музицирования! Находящиеся в русле современного музыкального языка
с его подчеркнутой диссонантностью, хроматическими блужданиями, циклы тем не
менее обладают четкой преемственностью с вокальным стилем М. Мусоргского
вплоть до прямых аналогий между _Тремя детскими сценками_ и _Детской_;
_Газетными объявлениями_ и _Семинаристом, Райком_. Еще одно значительное
произведение 20-х гг. - Первый фортепианный концерт (1926-27), положивший
начало новому, антиромантическому взгляду на этот жанр в советской музыке.
К началу 30-х гг. период _бури и натиска_ в творчестве Мосолова
завершается: композитор резко порывает с прежней манерой письма и начинает
_нащупывать_ новую, прямо противоположную первой. Изменение стиля музыканта
было столь радикальным, что, сравнивая его произведения, написанные до и
после начала 30-х гг., трудно поверить, что все они принадлежат одному и
тому же композитору. Стилистическая модуляция, совершив; шаяся в 30-е гг.,
определила собой все последующее творчество Мосолова. Чем же был вызван этот
резкий творческий перелом? Известную роль сыграла тенденциозная критика со
стороны РАПМ, чья деятельность характеризовалась вульгаризированным подходом
к явлениям искусства (в 1925 г. Мосолов стал действительным членом АСМ).
Были и объективные причины стремительной эволюции языка композитора: она
отвечала свойственному советскому искусству 30-х гг. тяготению к ясности и
простоте.
В 1928-37 гг. Мосолов активно осваивает среднеазиатский фольклор,
изучая его во время своих поездок, а также обращаясь к известному сборнику
В. Успенского и В. Беляева _Туркменская музыка_ (1928). Он пишет 3 пьесы для
фортепиано _Туркменские ночи_ (1928), Две пьесы на узбекские темы (1929),
которые стилистически еще относятся к предыдущему, бунтарскому периоду,
подводя ему итог. А во Втором концерте для фортепиано с оркестром (1932) и
еще более в Трех песнях для голоса с оркестром (30-е гг.) уже отчетливо
намечается новый стиль. Конец 20-х гг. ознаменовался единственным в
творчестве Мосолова опытом создания крупной оперы на гражданско-социальную
тематику - _Плотина_ (1929-30), - которую он посвятил своему учителю Н.
Мясковскому. В основе либретто Я. Задыхина лежит сюжет, созвучный периоду
рубежа 20-30-х гг.: в нем речь идет о постройке плотины для гидростанции в
одной из отдаленных деревень страны. Тема оперы была близка автору _Завода_.
Оркестровый язык _Плотины_ обнаруживает близость к стилю симфонических
сочинений Мосолова 20-х гг. Прежняя манера острогротескного выражения
сочетается здесь с попытками создать в музыке позитивные образы, отвечающие
требованиям социальной темы. Однако воплощение ее нередко страдает известным
схематизмом сюжетных коллизий и героев, для воплощения которых у Мосолова
еще не было достаточного опыта, в то время как в воплощении отрицательных
персонажей старого мира такой опыт у него был накоплен.
К сожалению, сохранилось мало сведений о творческой деятельности
Мосолова после создания _Плотины_. В конце 1937 г. он был репрессирован:
осужден на 8 лет в исправительно-трудовом лагере, однако 25 августа 1938 г.
был освобожден. В период с 1939 г. до конца 40-х гг. происходит
окончательное становление новой творческой манеры композитора. В необычайно
поэтичном Концерте для арфы с оркестром (1939) фольклорный язык сменяется
оригинальным авторским тематизмом, отличающимся простотой гармонического
языка, мелодизмом. В начале 40-х гг. творческие интересы Мосолова
направляются по нескольким руслам, одним из которых была опера. Он пишет
оперы _Сигнал_ (либр. О. Литовского) и _Маскарад_ (по М. Лермонтову).
Партитура _Сигнала_ была закончена 14 октября 1941 г. Таким образом, опера
стала одним из первых в этом жанре (возможно, и самым первым) откликом на
события Великой Отечественной войны. Другие важнейшие области творчества
Мосолова этих лет - хоровая и камерная вокальная музыка - объединены темой
патриотизма. Основной жанр хоровой музыки военных лет - песня - представлен
рядом сочинений, среди которых особенно интересны три хора в сопровождении
фортепиано на стихи Арго (А. Гольденберга), написанные в духе массовых
героических песен: _Песня про Александра Невского, Песня про Кутузова_ и
_Песня о Суворове_. Ведущую роль в камерных вокальных сочинениях начала 40-х
гг. играют жанры баллады и песни; иную сферу составляет лирический романс и,
в частности, романс-элегия (_Три элегии на стихи Дениса Давыдова_ - 1944,
_Пять стихотворений А. Блока_ - 1946).
В эти годы Мосолов вновь после многолетнего перерыва обращается к жанру
симфонии. Симфония ми мажор (1944) положила начало масштабной эпопее из 6
симфоний, создававшихся на протяжении более 20 лет. В этом жанре композитор
продолжает линию эпического симфонизма, каким он сложился в русской, а затем
в советской музыке 30-х гг. Этот жанровый тип, а также необычайно тесные
интонационно-тематические связи между симфониями дают право назвать 6
симфоний эпопеей отнюдь не метафорически.
В 1949 г. Мосолов принимает, участие в фольклорных экспедициях в
Краснодарский край, положивших начало новой, _фольклорной волне_ в его
творчестве. Появляются сюиты для оркестра русских народных инструментов
(_Кубанская_ и др.). Композитор изучает фольклор Ставрополья. В 60-е гг.
Мосолов начал писать для народного хора (в т. ч. для Северного русского
народного хора, руководимого женой композитора - народной артисткой СССР Ы.
Мешко). Он быстро овладевает стилем северной песни, делает обработки.
Длительная работа композитора с хором способствовала написанию _Народной
оратории о Г. И. Котовском_ (ст. Э. Багрицкого) для солистов, хора, чтеца и
оркестра (1969-70). В этом последнем завершенном сочинении Мосолов обратился
к событиям гражданской войны на Украине (в которой он участвовал), посвятив
ораторию памяти своего командира. В последние годы жизни Мосолов делает
эскизы к двум сочинениям - Третьему фортепианному концерту (1971) и Шестой
(фактически Восьмой) симфонии. Кроме того, он вынашивал замысел оперы _Что
делать?_ (по одноим. роману Н. Чернышевского), которому не суждено было
осуществиться.
_Меня радует, что в настоящее время творческим наследием Мосолова
заинтересовалась общественность, что издаются воспоминания о нем. ...Думаю,
что если бы все это было при жизни А. В. Мосолова, то, возможно,
возродившееся внимание к его композициям продлило бы ему жизнь и он еще
долго был бы среди нас_, - так написал о композиторе замечательный
виолончелист А. Стогорский, которому Мосолов посвятил _Элегическую поэму_
для виолончели с оркестром (1960), /Н. Алексенко/
МОЦАРТ (Mozart) Вольфганг Амадей (Иоанн Хризостом Вольфганг Теофиль)
(27 I 1756, Зальцбург - 5 XII 1791, Вена)
_По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная
точка, до которой красота досягала в сфере музыки_.
П. Чайковский
_Какая глубина! Какая смелость и какая стройность!_ Так гениально
выразил Пушкин сущность гениального искусства Моцарта. Действительно,
подобного сочетания классического совершенства с дерзновенностью мысли,
такой бесконечности индивидуальных решений на основе четких и ясных
закономерностей композиции мы не найдем, наверное, ни у одного из творцов
музыкального искусства. Солнечно ясным и непостижимо загадочным, простым и
безмерно сложным, глубоко человечным и вселенским, космическим предстает мир
моцартовской музыки.
В. А. Моцарт родился в семье Леопольда Моцарта, скрипача и композитора
при дворе зальцбургского архиепископа. Гениальная одаренность позволила
Моцарту уже с четырехлетнего возраста сочинять музыку, очень быстро овладеть
искусством игры на клавире, скрипке, органе. Отец умело руководил занятиями
сына. В 1762-71 гг. он предпринимал гастрольные поездки, во время которых
многие европейские дворы познакомились с искусством его детей (старшая,
сестра Вольфганга была одаренной клавиристкой, сам он пел, дирижировал,
виртуозно играл на разных инструментах и импровизировал), повсюду вызывавшим
восхищение. В возрасте 14 лет Моцарт был награжден папским орденом _Золотой
шпоры_, избран членом Филармонической академии в Болонье.
В поездках Вольфганг знакомился с музыкой разных стран, осваивая
характерные для эпохи жанры. Так, знакомство с И. К. Бахом, жившим в
Лондоне, вызывает к жизни первые симфонии (1764), в Вене (1768) он получает
заказы на оперы в жанре итальянской оперы-buffa (_Притворная простушка_) и
немецкого зингшпиля (_Бастьен и Бастьенна_; годом раньше в Задьцбургском
университете была поставлена школьная опера (латинская комедия) _Аполлон и
Гиацинт_. Особенно плодотворным было пребывание в Италии, где Моцарт
совершенствуется в контрапункте (полифонии) у Дж. Б. Мартини (Болонья),
ставит в Милане оперу-seria _Митридат, царь понтийский_ (1770), а в 1771 г.
- оперу _Луций Сулла_.
Гениальный юноша меньше интересовал меценатов, чем чудо-ребенок, и Л.
Моцарту не удалось найти для него места при каком-либо столичном европейском
дворе. Пришлось вернуться в Зальцбург для исполнения обязанностей
придворного концертмейстера. Творческие стремления Моцарта теперь
ограничивались заказами на сочинение духовной музыки, а также
развлекательных пьес - дивертисментов, кассаций, серенад (т. е. сюит с
танцевальными частями для разных инструментальных составов, звучавших не
только на придворных вечерах, но и на улицах, в домах австрийских горожан).
Работу в этой области Моцарт продолжил впоследствии и в Вене, где было
создано его самое известное произведение подобного рода - _Маленькая ночная
серенада_ (1787), своеобразная миниатюрная симфония, полная юмора и
изящества. Пишет Моцарт и концерты для скрипки с оркестром, клавирные и
скрипичные сонаты и др. Одна из вершин музыки этого периода - Симфония соль
минор Э 25, где отразились характерные для эпохи мятежные _вертеровские_
настроения, близкие по духу литературному течению _Бури и натиска_. Томясь в
провинциальном Зальцбурге, где его удерживали деспотические притязания
архиепископа, Моцарт предпринимает неудавшиеся попытки устроиться в Мюнхене,
Мангейме, Париже. Поездки в эти города (1777-79) принесли, однако, много
эмоциональных (первая любовь - к певице Алоизии Вебер, смерть матери) и
художественных впечатлений, отразившихся, в частности, в клавирных сонатах
(ля минор, ля мажор с вариациями и Rondo alla turca), в Концертной симфонии
для скрипки и альта с оркестром и др. Отдельные оперные постановки (_Сон
Сципиона_ - 1772, _Царь-пастух_ - 1775, обе в Зальцбурге; _Мнимая садовница_
- 1775, Мюнхен) не удовлетворили стремлений Моцарта к регулярному контакту с
оперным театром. Постановка оперы-seria _Идоменей, царь критский_ (Мюнхен,
1781) выявила полную зрелость Моцарта-художника и человека, его смелость и
независимость в вопросах жизни и творчества. Прибыв из Мюнхена в Вену, куда
направился на коронационные торжества архиепископ, Моцарт порвал с ним,
отказавшись вернуться в Зальцбург.
Прекрасным венским дебютом Моцарта стал зингшпиль _Похищение из сераля_
(1782, Бургтеатр), за премьерой которого последовала женитьба на Констанце
Вебер (младшей сестре Алоизии). Однако (впоследствии оперные заказы
поступали не столь часто. Придворный поэт Л. Да Понте содействовал
постановке на сцене Бургтеатра опер, написанных на его либретто: двух
центральных творений Моцарта - _Свадьбы Фигаро_ (1786) и _Дон-Жуана_ (1788),
а также оперы-buffа _Все они таковы_ (1790); в Шенбрунне (летней резиденции
двора) была также поставлена одноактная комедия с музыкой _Директор театра_
(1786).
Первые годы в Вене Моцарт часто выступает, создавая для своих
_академий_ (концертов, организованных по подписке среди меценатов) концерты
для клавира с оркестром. Исключительное значение для творчества композитора
имело изучение произведений И. С. Баха (а также Г. Ф. Генделя, Ф. Э. Баха),
направившее его художественные интересы в область полифонии, придавшее новую
глубину и серьезность его замыслам. Это очень ярко проявилось в Фантазии и