Страница:
лет провел в армии. Впечатления военного времени вылились в _Трех жалобах
солдата_ - камерном вокальном произведении на собственные стихи (Жоливе
обладал прекрасным литературным талантом и в молодости даже колебался,
какому из искусств отдать предпочтение). 40-е гг. - время перемен в стиле
Жоливе. Первая соната для фортепиано (1945), посвященная венгерскому
композитору Б. Бартоку, отличается от ранних _заклинаний_ энергией и
четкостью ритма. Расширяется круг жанров здесь и опера (_Долорес, или Чудо
безобразной женщины_), и 4 балета. Лучший из них _Гиньоль и Пандор_ (1944)
воскрешает дух балаганных марионеточных представлений. Жоливе пишет 3
симфонии, оркестровые сюиты (_Трансокеанская и Французская_), но самым
любимым его жанром в 40-60-е гг. стал концерт. Один только перечень
солирующих инструментов в концертах Жоливе говорит о неустанных поисках
тембровой выразительности. Свой первый концерт Жоливе написал для волн
Мартено с оркестром (1947). Затем последовали концерты для трубы (2),
флейты, фортепиано, арфы, фагота, виолончели (Второй виолончельный концерт
посвящен М. Ростроповичу). Есть даже концерт, где солируют ударные
инструменты! Во Втором концерте для трубы с оркестром слышны джазовые
интонации, а в фортепианном наряду с джазом звучат отголоски африканской и
полинезийской музыки. Многие французские композиторы (К. Дебюсси, А.
Руссель, О. Мессиан) обращали взоры к экзотическим культурам. Но вряд ли кто
может сравниться с Жоливе в постоянстве этого интереса, его вполне можно
назвать _Гогеном в музыке_.
Деятельность Жоливе как музыканта очень разнообразна. Долгое время
(1945-59) он был музыкальным директором парижского театра Comedie Francaise;
за эти годы он создал музыку к 13 спектаклям (среди них _Мнимый больной_ Ж.
Б. Мольера, _Ифигения в Авлиде_ Еврипида). В качестве дирижера Жоливе
выступал во многих странах мира и неоднократно приезжал в СССР. Его
литературный талант проявился в книге о Л. Бетховене (1955); постоянно
стремясь к общению с публикой, Жоливе выступал как лектор и журналист, был
главным консультантом по музыкальным вопросам в Министерстве культуры
Франции.
В последние годы жизни Жоливе отдает себя педагогике. С 1966 р. и до
конца своих дней композитор занимает должность профессора Парижской
консерватории, где ведет класс композиции.
Говоря о музыке и ее магическом воздействии, Жоливе делает акцент на
общении, чувстве единства людей и всего мироздания: _Музыка это прежде всего
акт общения... Общение композитора и природы... в момент создания
произведения, а затем - общение между композитором и публикой в момент
исполнения произведения_. Достичь такого единения композитору удалось в
одном из крупнейших своих сочинений - оратории _Правда о Жанне_. Она была
исполнена впервые в 1956 г, (через 500 лет после судебного процесса,
оправдавшего Жанну д'Арк) на родине героини - в селении Домреми. Жоливе
использовал тексты протоколов этого процесса, а также стихи средневековых
поэтов (в т. ч. Шарля Орлеанского). Оратория исполнялась не в концертном
зале, а на открытом воздухе, в присутствии нескольких тысяч человек. /К.
Зенкин/
ЖОСКЕН ДЕПРЕ (Josquin Despres) (ок. 1440 - 27 VIII 1521,
Конде-сюр-л'Эско)
Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы
полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни
исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в.
Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях
композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем. Первое
документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о
певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В
миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г.
Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы.
Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится
к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно
60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI
в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь
Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную
пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца миг участвовать в ее
исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому
Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта
история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете
Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов
светского общества.
В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно,
что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время
колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу
последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное
место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г.
эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения
покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в
начале 1505 г.
Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе
Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого
периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой.
Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его
творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые
известные - _Вооруженный человек, Pange lingua_ и _Месса о благословенной
Деве_), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось
органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной
техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал
также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты
- т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе
подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на
народные песню и танец.
Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы
ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф.
Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем:
_Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы,
наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты_. /С. Лебедев/
ЖУБАНОВА Газиза Ахметовна (р. 2 XII 1927, колхоз Жана-Турмыс
Актюбинской обл.)
Существует такое изречение: "Философия начинается с удивления". А если
человек, тем более композитор, не испытывает удивления, радости открытия, он
многое теряет в поэтическом осмыслении мира.
Г. Жубанова
Г. Жубанову по праву можно назвать лидером композиторской школы
Казахстана. Она также вносит значительный вклад в современную казахскую
музыкальную культуру своей научной, педагогической и общественной
деятельностью. Основы музыкального воспитания заложил отец будущего
композитора - академик А. Жубанов, один из основоположников казахской
советской музыки. Формирование самостоятельного музыкального мышления
произошло в студенческие и аспирантские годы (училище им. Гнесиных, 1945-49
и Московская консерватория, 1949-57). Напряженные творческие опыты вылились
в скрипичный Концерт (1958), который открыл первую страницу истории этого
жанра в республике. Сочинение показательно тем, что в нем ярко проявилась
концепция всего последующего творчества: отклик на извечные вопросы бытия,
жизнь духа, преломленные сквозь призму современного музыкального языка в
органичном сочетании с художественным переосмыслением традиционного
музыкального наследия.
Жанровый спектр творчества Жубановой многообразен. Ею созданы 3 оперы,
4 балета, 3 симфонии, 3 концерта, 6 ораторий, 5 кантат, свыше 30
произведений камерной музыки, песенные и хоровые сочинения, музыка к
спектаклям и кинофильмам. Большинству из этих опусов присущи философская
глубина и поэтическое осмысление мира, который в сознании композитора не
ограничен пространственно-временными рамками. Художественная мысль автора
обращается как в глубь времен, так и к актуальным проблемам современности.
Вклад Жубановой в современную казахскую культуру огромен. Она не только
использует или продолжает сложившуюся в течение многих веков национальную
музыкальную традицию своего народа, но и сама существенно влияет на
формирование ее новых признаков, адекватных этническому сознанию казахов
конца XX в.; сознанию, не замкнутому в своем Пространстве, а включенному в
общечеловеческий мировой Космос.
Поэтический мир Жубановой - это мир Социума и мир Этоса, с его
противоречиями и ценностями. Таковы обобщенно-эпический струнный Квартет
(1973); Вторая симфония с ее противостоянием двух антимиров - красоты
человеческого _Я_ и социальных бурь (1983); фортепианное Трио _Памяти Юрия
Шапорина_, где образы Учителя и художественного _Я_ построены на ярком
психологическом параллелизме (1985).
Будучи глубоко национальным композитором, Жубанова сказала свое слово
большого мастера в таких сочинениях, как симфоническая поэма _Аксак-Кулан_
(1954), оперы _Енлик и Кебек_ (по одноим. драме М. Ауэзова, 1975) и
_Курмангазы_ (1986), симфония _Жигер_ (_Энергия_, памяти отца, 1973),
оратория _Письмо Татьяны_ (на ст. и песни Абая, 1983), кантата _Сказ о
Мухтаре Ауэзове_ (1965), балет _Карагоз_ (1987) и др. Помимо плодотворного
диалога с традиционной культурой, композитор представила яркие образцы
обращения к современной тематике с ее трагическими и незабываемыми
страницами: камерно-инструментальная поэма _Толгау_ (1973) посвящена памяти
Алии Молдагуловой; опера _Двадцать восемь_ (_За нами Москва_) - подвигу
панфиловцев (1981); в балетах _Акканат_ (_Легенда о белой птице_, 1966) и
_Хиросима_ (1966) выражена боль трагедии японского народа. Духовная
сопричастность нашей эпохе с ее катаклизмами и величием идей отразилась в
трилогии о В. И. Ленине - оратория _Ленин_ (1969) и кантаты _Аральская быль_
(_Письмо Ленина_, 1978), _Ленин с нами_ (1970).
Жубанова успешно сочетает творческую работу с активной общественной и
педагогической деятельностью. Будучи ректором АлмаАтинской консерватории
(1975-87), она много сил отдала воспитанию современной плеяды талантливых
казахских композиторов, музыковедов, исполнителей. В течение многих лет
Жубанова является членом правления Комитета советских женщин, а в 1988 г.
избрана членом Советского фонда милосердия.
Широта проблем, которая проявляется в творчестве Жубановой, находит
отражение и в сфере ее научных интересов: в публикациях статей и очерков, в
выступлениях на всесоюзных и международных симпозиумах в Москве, Самарканде,
Италии, Японии и др. И все же главным для нее является вопрос о путях
дальнейшего развития культуры Казахстана. _Истинная традиция живет в
развитии_, - в этих словах выражена и гражданская, и творческая позиция
Газизы Жубановой, человека с удивительно добрым взглядом и в жизни, и в
музыке. /С. Амангильдина/
ЗАРИНЬ Маргер Оттович (р. 24 V 1910 - Яунпиебалга)
_Мы можем гордиться, что принадлежим к самой прогрессивной, самой
могучей музыкальной семье в мире, что мы тесно сблизились с народом_, -
считает выдающийся латышский композитор М. Заринь. Страстная любовь к
Родине, к своему народу пронизывает все его творчество, известное в нашей
стране и за рубежом.
Среди основных произведений композитора 7 опер, 10
вокально-симфонических и вокально-инструментальных произведений, 12
инструментальных концертов, 23 кантаты и хора, музыка к более 50 спектаклям
и 20 кинофильмам.
Заринь рос в музыкальной семье. Его отец (сельский учитель) был хорошим
органистом. Мать пела в хоре Рижского оперного театра, часто выступала
солисткой в концертах. Неудивительно, что с ранних лет мальчик горячо
полюбил музыку.
Его первым учителем по органу и фортепиано был отец. Благодаря своим
выдающимся способностям и завидному трудолюбию в 13 лет Маргер становится
студентом Рижской консерватории по классу фортепиано. Однако вскоре он
должен был прекратить занятия и вернуться домой: семья не имела средств для
его обучения в Риге. В 1929 г. Маргер окончил педагогический институт в
Елгаве и, получив диплом школьного учителя, снова приехал в Ригу. Работая в
вечерней школе, он в то же время занимался в консерватории по трем
специальностям: композиции (в классе Я. Витолса), органа и фортепиано.
Первое произведение Зариня - хоровая песня _Радость_ на собственные
стихи - была премирована на конкурсе Праздника песни. За ней последовали
другие песни и кантаты, также имевшие большой успех. _В молодости я очень
увлекался музыкальным импрессионизмом. Дебюсси, Равель были моими,
кумирами_, - говорил Заринь. - _Занимаясь же в классе фортепиано, я
благоговел перед Бахом. Думаю, эти пристрастия отражаются в моем творчестве
до сих пор_.
Новым, важным этапом в жизни Зариня стал 1940 г., когда после
восстановления Советской власти Латвия вошла в состав братских республик
нашей страны. Зариня пригласили в качестве музыкального руководителя и
дирижера в Рижский Художественный театр Дайлес. Маргер безмерно счастлив!
Ведь теперь он работает рядом с художественным руководителем театра Э.
Смильгисом, вписавшим неповторимую страницу в историю латышской культуры.
Смильгис учил Зариня искать новые средства выражения, воспитывать в себе
чувство формы, постоянно обогащать свою музыкальную мысль. _Театр, его
волнующую атмосферу люблю с юных лет_, - вспоминает композитор, - _годами
стараюсь постичь специфику этого удивительного вида искусства_. За 10 лет
работы в театре Дайлес Заринь написал музыку к спектаклям _Ромео и
Джульетта, Много шума из ничего, Двенадцатая ночь_ В. Шекспира; _Мария
Стюарт_ Ф. Шиллера; _Дубровский_ А. Пушкина; _Анна Каренина_ Л. Толстого; к
пьесам А. Н. Островского, М. Горького, Вс. Иванова, Н. Погодина, К. Тренева,
Б. Лавренева. Но особо следует выделить спектакли латышской классики и
только что зарождавшейся латышской советской драматургии с музыкой Зариня:
_Золотой конь, Огонь и ночь_ Я. Райниса, _Проделки Трины_ Р. Блауманиса,
_1905 год_ и _Спартак_ А. Упита.
В полную силу музыкально-театральный талант Зариня раскрылся в оперном
творчестве: ..._Мне ближе всего героико-эпический оперный жанр, раскрывающий
такие моменты истории, когда общественные и личные конфликты разрешались
наиболее драматично_. 20 июня 1955 г. с большим успехом прошла премьера его
оперы _К новому берегу_ (либр. Ф. Рокпельниса по роману В. Лациса), ставшей
первой советской латышской оперой. Это сочинение выдержано в классических
традициях большой оперы; в нем национально яркие латышские элементы
лирической, массовой, народной песенности тонко сочетаются с традиционным
оперным стилем.
В ином ключе написана _Опера нищих_ (1964, либр. собств. по рассказу Ж.
Гривы _В тени голубой мечети_). В либретто включены стихи Н. Хикмета и О.
Хайяма. События развертываются в Стамбуле: тема борьбы против империализма
удачно переплетается с колоритными жанровыми эпизодами и лирическими
зарисовками из жизни простых людей Турции. В опере использованы
драматургические приемы музыкального, драматического театров и кино.
По-своему оригинальна сатирическая опера-балет Зариня _Чудо Святого
Маврикия_ (либр, собств.). Произведение было написано в 1964 г., однако его
премьера состоялась лишь в 1974 г. Сюжет заимствован из истории Риги XVI в.
Значительный интерес представляет _Опера на площади_, посвященная
100-летию со дня рождения В. И. Ленина (по мотивам поэм В. Маяковского и
документальным рассказам Дж. Рида). Это сочинение синтезирует черты оперы,
оратории и грандиозного массового действа. В нем занят огромный состав
исполнителей: 7 хоров, 10 солистов и большой симфонический оркестр. _Я
поставил своей целью в этом произведении говорить с аудиторией очень
демократическим языком, так как адресат мой на этот раз - широкие массы
слушателей, собранные не в театре, а под небесным сводом... В своей музыке я
стремился опираться на интонационную основу советской массовой песни с ее
характерными фанфарными линиями-мотивами, эмоционально-приподнятыми и
одновременно очень простыми, лапидарными_. Театральное мышление Зариня
получило яркое выражение в его ораториях: _Герои Валмиеры_ (1950), _Борьба с
Чертовым болотом_ (1951), _Махагони_ (1965).
_Махагони_ (либр. А. Круклиса) повествует о судьбах конголезского
народа, столетиями томившегося под игом иноземцев, о самоотверженной борьбе
за свободу своего народа и трагической гибели П. Лумумбы, о могучей силе
пробуждающейся Африки. Литературной основой оратории послужили стихи
известного негритянского поэта Л. Хьюза. Музыка, проникнутая национальным
колоритом, захватывает драматизмом и напряженностью развития. Одна из
наиболее впечатляющих страниц оратории - плач по П. Лумумбе, обреченном на
смерть. Финал этого величественного произведения исполнен огромной
жизнеутверждающей силы.
Богатством содержания и красочностью музыкального языка отмечены
вокальные циклы Зариня: _Советская женщина в борьбе за мир_ (1951, ст.
латышских советских поэтов), _Серебристый свет_ (1952, ст. Я. Райниса),
_Четыре японские миниатюры_ (1963, ст. М. Басе), _Песни на слова Я. Порука_
(1971) и др.
Заринь неоднократно обращался и к сочинениям других жанров - к
инструментальным концертам, фортепианным миниатюрам, сочинениям для органа,
к киномузыке. Из кинофильмов с его музыкой наиболее значительны _Эдгар и
Кристина, Времена землемеров, В тени смерти, Афера Цеплиса_.
Начиная с 70-х гг. член Союза писателей Латвии, Заринь активно работает
и на литературном поприще: ..._свою работу литератора считаю продолжением
деятельности композитора, ибо в моем творчестве - как в литературном, так и
в музыке - есть общие принципы. В последние годы моя писательская и
композиторская работа как бы слились в одно целое_. По словам композитора, в
его литературных сочинениях очень много из собственной биографии, из
биографии его поколения. В основном он пишет о музыке и музыкантах. Первый
рассказ он посвятил Ж. Оффенбаху. Среди литературных сочинений Зариня -
рассказы, эссе, новеллы. Оригинальны его романы _Лже-Фауст, Мистерии и
хеппенинги, Чудесные приключения старого Тайзеля, Календарь капельмейстера
Коциня_, композитор написал интереснейшие воспоминания _Оптимистическая
энциклопедия жизни_.
Жизнь Зариня наполнена постоянным творческим трудом: _Ужасен день, в
котором нет значительных моментов, - впустую прожитые часы. С годами все
яснее сознаешь, как страшно дорого время_. /М. Комиссарская/
ИВАНОВ Янис Андреевич (9 X 1906, Прейли - 27 III 1983, Рига)
Среди основоположников советского симфонизма одно из видных мест по
праву занимает Я. Иванов. С его именем связано становление и расцвет
латышской симфонии, которой он отдал почти всю свою творческую жизнь, -
Первая возникла в 1936 г., последнюю - Двадцать первую - композитор не успел
завершить. Наследие Иванова жанрово разнообразно: наряду с симфониями им
создано несколько программно-симфонических произведений (поэмы, увертюры и
др.), 3 концерта, 2 поэмы для хора с оркестром, ряд камерных ансамблей (в т.
ч. 3 струнных квартета, фортепианное Трио), сочинения для фортепиано
(сонаты, вариации, цикл _Двадцать четыре эскиза_), песни, киномузыка. Но
именно в симфонии Иванов высказался ярче и полнее всего. В этом смысле
творческая личность композитора очень близка Н. Мясковскому. Талант Иванова
развивался длительно, постепенно совершенствуясь и открывая все новые грани.
Художественные принципы сложились на основе классических европейских и
русских традиций, обогащенных национальным своеобразием, опорой на латышский
фольклор.
В сердце композитора навсегда запечатлелась родная Латгалия, край
голубых озер, где он родился в крестьянской семье. Образы Родины позднее
ожили в Шестой (_Латгальской_) симфонии (1949), одной из лучших в его
наследии. В юные годы Иванов был вынужден пойти в батраки, но благодаря
упорному труду и целеустремленности сумел поступить в Рижскую консерваторию,
которую окончил, в 1933 г. по классу композиции у Я. Витолса и по классу
дирижирования у Г. Шнефогта. Много сил композитор отдал просветительской и
педагогической деятельности. Почти 30 лет (до 1961) он работал на радио, в
послевоенное время возглавлял руководство музыкальным вещанием республики.
Неоценим вклад Иванова в воспитание композиторской молодежи Латвии. Из его
консерваторского класса, который он вел с 1944 г., вышло немало крупных
мастеров латышской музыки: среди них Ю. Карлсоне, О. Гравитис, Р. Паулс и
др.
Весь жизненный путь Иванова определялся пафосом творчества, где
ведущими вехами становились его симфонии. Подобно симфониям Д. Шостаковича,
их можно назвать _летописью эпохи_. Нередко композитор вводит в них элементы
программности - дает подробные пояснения (Шестая), заголовки к циклу или его
частям (Четвертая, _Атлантида_ - 1941; Двенадцатая, _Sinfonia energica_
-1967; Тринадцатая, _Symphonia humana_ - 1969), варьирует жанровый облик
симфонии (Четырнадцатая, _Sinfonia da camera_ для струнных - 1971;
Тринадцатая, на ст. З. Пурвса, с участием чтеца и т. п.), обновляет ее
внутреннюю структуру. Своеобразие творческого почерка Иванова во многом
определяет его широкий мелодизм, истоки которого лежат в латышской народной
песне, но близки и славянской песенности.
Симфонизм латышского мастера многогранен: как и у Мясковского, он
объединяет обе ветви русской симфонии - эпическую и драматическую. В ранний
период в сочинениях Иванова преобладает эпическая картинность, лирическая
жанровость, со временем его стиль все больше обогащается конфликтностью,
драматизмом, достигая в конце пути высокой простоты и мудрой философичности.
Мир музыки Иванова богат и разнообразен: здесь - картины природы, бытовые
зарисовки, лирика и трагедийность. Подлинный сын своего народа, композитор
всей душой откликался на его горе и радости. Одно из важнейших мест в
творчестве композитора занимает гражданская тема. Уже в 1941 г. он первым в
Латвии откликнулся на события войны симфонией-аллегорией _Атлантида_, а
позже углубил эту тему в Пятой (1945) и особенно в Девятой (1960) симфониях.
Первооткрывателем Иванов стал и в раскрытии ленинской темы, посвятив
100-летнему юбилею вождя Тринадцатую симфонию. Композитору всегда было
присуще чувство долга, высокой ответственности за судьбу своего народа,
которому он верно служил не только творчеством, но и своей общественной
деятельностью. Когда 3 мая 1984 г. в Риге прозвучала завершенная учеником
Иванова Ю. Карлсонсом Двадцать первая симфония композитора, она была
воспринята как завещание большого художника, его последний _искренний
рассказ о времени и о себе_. /Г. Жданова/
ИЗАИ (Ysaye) Эжен (16 VII 1858, Льеж - 12 V 1931, Брюссель)
Искусство - результат совершенного сочетания мыслей и чувств.
Э. Изаи
Э. Изаи был последним наряду с Ф. Клейслером виртуозом-композитором,
продолжавшим и развивавшим традиции романтического искусства выдающихся
скрипачей XIX в. Огромный масштаб мыслей и чувств, богатство фантазии,
импровизационная свобода выражения, виртуозное мастерство выдвинули Изаи в
число выдающихся интерпретаторов, определили самобытный характер его
исполнительского и композиторского творчества. Его вдохновенные
интерпретации во многом помогли популярности творчества С. Франка, К.
Сен-Санса, Г. Форе, Э. Шоссона.
Изаи родился в семье скрипача, который стал обучать сына в 4 года.
Семилетний мальчик уже играл в театральном оркестре и одновременно обучался
в Льежокой консерватории у Р. Массара, затем в Брюссельской у Г. Венявского
и А. Вьетана. Путь Изаи на концертную эстраду оказался нелегким. Вплоть до
1882г. он продолжал работать в оркестрах - был концертмейстером берлинского
оркестра Бильзе, выступления которого проходили в кафе. Лишь по настоянию А.
Рубинштейна, которого Изаи называл _своим истинным учителем интерпретации_,
он уходит из оркестра и принимает участие в совместном с Рубинштейном турне
по Скандинавии, что и определило его карьеру одного из лучших скрипачей
мира.
В Париже исполнительское искусство Изаи вызывает всеобщее восхищение,
как и первые сочинения, среди которых _Элегическая поэма_. Франк посвящает
ему свою знаменитую скрипичную Сонату, Сен-Санс - Квартет, Форе -
фортепианный Квинтет, Дебюсси - Квартет и скрипичный вариант _Ноктюрнов_.
Под влиянием _Элегической поэмы_ для Изаи создает _Поэму_ Шоссон. В 1886 г.
Изаи поселяется в Брюсселе. Здесь он создает квартет, ставший одним из
лучших в Европе, организует симфонические концерты (получившие название
_Концерты Изаи_), где выступают лучшие исполнители, преподает в
консерватории.
Более 40 лет продолжалась концертная деятельность Изаи. С огромным
успехом он выступает не только как скрипач, но и как выдающийся дирижер,
особенно прославившийся исполнением сочинений Л. Бетховена, французских
композиторов. В Covent Garden он дирижирует _Фиделио_ Бетховена, в 1918-22
гг. становится главным дирижером оркестра в Цинциннати (США).
солдата_ - камерном вокальном произведении на собственные стихи (Жоливе
обладал прекрасным литературным талантом и в молодости даже колебался,
какому из искусств отдать предпочтение). 40-е гг. - время перемен в стиле
Жоливе. Первая соната для фортепиано (1945), посвященная венгерскому
композитору Б. Бартоку, отличается от ранних _заклинаний_ энергией и
четкостью ритма. Расширяется круг жанров здесь и опера (_Долорес, или Чудо
безобразной женщины_), и 4 балета. Лучший из них _Гиньоль и Пандор_ (1944)
воскрешает дух балаганных марионеточных представлений. Жоливе пишет 3
симфонии, оркестровые сюиты (_Трансокеанская и Французская_), но самым
любимым его жанром в 40-60-е гг. стал концерт. Один только перечень
солирующих инструментов в концертах Жоливе говорит о неустанных поисках
тембровой выразительности. Свой первый концерт Жоливе написал для волн
Мартено с оркестром (1947). Затем последовали концерты для трубы (2),
флейты, фортепиано, арфы, фагота, виолончели (Второй виолончельный концерт
посвящен М. Ростроповичу). Есть даже концерт, где солируют ударные
инструменты! Во Втором концерте для трубы с оркестром слышны джазовые
интонации, а в фортепианном наряду с джазом звучат отголоски африканской и
полинезийской музыки. Многие французские композиторы (К. Дебюсси, А.
Руссель, О. Мессиан) обращали взоры к экзотическим культурам. Но вряд ли кто
может сравниться с Жоливе в постоянстве этого интереса, его вполне можно
назвать _Гогеном в музыке_.
Деятельность Жоливе как музыканта очень разнообразна. Долгое время
(1945-59) он был музыкальным директором парижского театра Comedie Francaise;
за эти годы он создал музыку к 13 спектаклям (среди них _Мнимый больной_ Ж.
Б. Мольера, _Ифигения в Авлиде_ Еврипида). В качестве дирижера Жоливе
выступал во многих странах мира и неоднократно приезжал в СССР. Его
литературный талант проявился в книге о Л. Бетховене (1955); постоянно
стремясь к общению с публикой, Жоливе выступал как лектор и журналист, был
главным консультантом по музыкальным вопросам в Министерстве культуры
Франции.
В последние годы жизни Жоливе отдает себя педагогике. С 1966 р. и до
конца своих дней композитор занимает должность профессора Парижской
консерватории, где ведет класс композиции.
Говоря о музыке и ее магическом воздействии, Жоливе делает акцент на
общении, чувстве единства людей и всего мироздания: _Музыка это прежде всего
акт общения... Общение композитора и природы... в момент создания
произведения, а затем - общение между композитором и публикой в момент
исполнения произведения_. Достичь такого единения композитору удалось в
одном из крупнейших своих сочинений - оратории _Правда о Жанне_. Она была
исполнена впервые в 1956 г, (через 500 лет после судебного процесса,
оправдавшего Жанну д'Арк) на родине героини - в селении Домреми. Жоливе
использовал тексты протоколов этого процесса, а также стихи средневековых
поэтов (в т. ч. Шарля Орлеанского). Оратория исполнялась не в концертном
зале, а на открытом воздухе, в присутствии нескольких тысяч человек. /К.
Зенкин/
ЖОСКЕН ДЕПРЕ (Josquin Despres) (ок. 1440 - 27 VIII 1521,
Конде-сюр-л'Эско)
Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы
полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни
исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в.
Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях
композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем. Первое
документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о
певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В
миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г.
Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы.
Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится
к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно
60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI
в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь
Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную
пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца миг участвовать в ее
исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому
Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта
история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете
Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов
светского общества.
В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно,
что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время
колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу
последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное
место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г.
эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения
покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в
начале 1505 г.
Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе
Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого
периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой.
Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его
творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые
известные - _Вооруженный человек, Pange lingua_ и _Месса о благословенной
Деве_), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось
органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной
техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал
также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты
- т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе
подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на
народные песню и танец.
Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы
ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф.
Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем:
_Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы,
наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты_. /С. Лебедев/
ЖУБАНОВА Газиза Ахметовна (р. 2 XII 1927, колхоз Жана-Турмыс
Актюбинской обл.)
Существует такое изречение: "Философия начинается с удивления". А если
человек, тем более композитор, не испытывает удивления, радости открытия, он
многое теряет в поэтическом осмыслении мира.
Г. Жубанова
Г. Жубанову по праву можно назвать лидером композиторской школы
Казахстана. Она также вносит значительный вклад в современную казахскую
музыкальную культуру своей научной, педагогической и общественной
деятельностью. Основы музыкального воспитания заложил отец будущего
композитора - академик А. Жубанов, один из основоположников казахской
советской музыки. Формирование самостоятельного музыкального мышления
произошло в студенческие и аспирантские годы (училище им. Гнесиных, 1945-49
и Московская консерватория, 1949-57). Напряженные творческие опыты вылились
в скрипичный Концерт (1958), который открыл первую страницу истории этого
жанра в республике. Сочинение показательно тем, что в нем ярко проявилась
концепция всего последующего творчества: отклик на извечные вопросы бытия,
жизнь духа, преломленные сквозь призму современного музыкального языка в
органичном сочетании с художественным переосмыслением традиционного
музыкального наследия.
Жанровый спектр творчества Жубановой многообразен. Ею созданы 3 оперы,
4 балета, 3 симфонии, 3 концерта, 6 ораторий, 5 кантат, свыше 30
произведений камерной музыки, песенные и хоровые сочинения, музыка к
спектаклям и кинофильмам. Большинству из этих опусов присущи философская
глубина и поэтическое осмысление мира, который в сознании композитора не
ограничен пространственно-временными рамками. Художественная мысль автора
обращается как в глубь времен, так и к актуальным проблемам современности.
Вклад Жубановой в современную казахскую культуру огромен. Она не только
использует или продолжает сложившуюся в течение многих веков национальную
музыкальную традицию своего народа, но и сама существенно влияет на
формирование ее новых признаков, адекватных этническому сознанию казахов
конца XX в.; сознанию, не замкнутому в своем Пространстве, а включенному в
общечеловеческий мировой Космос.
Поэтический мир Жубановой - это мир Социума и мир Этоса, с его
противоречиями и ценностями. Таковы обобщенно-эпический струнный Квартет
(1973); Вторая симфония с ее противостоянием двух антимиров - красоты
человеческого _Я_ и социальных бурь (1983); фортепианное Трио _Памяти Юрия
Шапорина_, где образы Учителя и художественного _Я_ построены на ярком
психологическом параллелизме (1985).
Будучи глубоко национальным композитором, Жубанова сказала свое слово
большого мастера в таких сочинениях, как симфоническая поэма _Аксак-Кулан_
(1954), оперы _Енлик и Кебек_ (по одноим. драме М. Ауэзова, 1975) и
_Курмангазы_ (1986), симфония _Жигер_ (_Энергия_, памяти отца, 1973),
оратория _Письмо Татьяны_ (на ст. и песни Абая, 1983), кантата _Сказ о
Мухтаре Ауэзове_ (1965), балет _Карагоз_ (1987) и др. Помимо плодотворного
диалога с традиционной культурой, композитор представила яркие образцы
обращения к современной тематике с ее трагическими и незабываемыми
страницами: камерно-инструментальная поэма _Толгау_ (1973) посвящена памяти
Алии Молдагуловой; опера _Двадцать восемь_ (_За нами Москва_) - подвигу
панфиловцев (1981); в балетах _Акканат_ (_Легенда о белой птице_, 1966) и
_Хиросима_ (1966) выражена боль трагедии японского народа. Духовная
сопричастность нашей эпохе с ее катаклизмами и величием идей отразилась в
трилогии о В. И. Ленине - оратория _Ленин_ (1969) и кантаты _Аральская быль_
(_Письмо Ленина_, 1978), _Ленин с нами_ (1970).
Жубанова успешно сочетает творческую работу с активной общественной и
педагогической деятельностью. Будучи ректором АлмаАтинской консерватории
(1975-87), она много сил отдала воспитанию современной плеяды талантливых
казахских композиторов, музыковедов, исполнителей. В течение многих лет
Жубанова является членом правления Комитета советских женщин, а в 1988 г.
избрана членом Советского фонда милосердия.
Широта проблем, которая проявляется в творчестве Жубановой, находит
отражение и в сфере ее научных интересов: в публикациях статей и очерков, в
выступлениях на всесоюзных и международных симпозиумах в Москве, Самарканде,
Италии, Японии и др. И все же главным для нее является вопрос о путях
дальнейшего развития культуры Казахстана. _Истинная традиция живет в
развитии_, - в этих словах выражена и гражданская, и творческая позиция
Газизы Жубановой, человека с удивительно добрым взглядом и в жизни, и в
музыке. /С. Амангильдина/
ЗАРИНЬ Маргер Оттович (р. 24 V 1910 - Яунпиебалга)
_Мы можем гордиться, что принадлежим к самой прогрессивной, самой
могучей музыкальной семье в мире, что мы тесно сблизились с народом_, -
считает выдающийся латышский композитор М. Заринь. Страстная любовь к
Родине, к своему народу пронизывает все его творчество, известное в нашей
стране и за рубежом.
Среди основных произведений композитора 7 опер, 10
вокально-симфонических и вокально-инструментальных произведений, 12
инструментальных концертов, 23 кантаты и хора, музыка к более 50 спектаклям
и 20 кинофильмам.
Заринь рос в музыкальной семье. Его отец (сельский учитель) был хорошим
органистом. Мать пела в хоре Рижского оперного театра, часто выступала
солисткой в концертах. Неудивительно, что с ранних лет мальчик горячо
полюбил музыку.
Его первым учителем по органу и фортепиано был отец. Благодаря своим
выдающимся способностям и завидному трудолюбию в 13 лет Маргер становится
студентом Рижской консерватории по классу фортепиано. Однако вскоре он
должен был прекратить занятия и вернуться домой: семья не имела средств для
его обучения в Риге. В 1929 г. Маргер окончил педагогический институт в
Елгаве и, получив диплом школьного учителя, снова приехал в Ригу. Работая в
вечерней школе, он в то же время занимался в консерватории по трем
специальностям: композиции (в классе Я. Витолса), органа и фортепиано.
Первое произведение Зариня - хоровая песня _Радость_ на собственные
стихи - была премирована на конкурсе Праздника песни. За ней последовали
другие песни и кантаты, также имевшие большой успех. _В молодости я очень
увлекался музыкальным импрессионизмом. Дебюсси, Равель были моими,
кумирами_, - говорил Заринь. - _Занимаясь же в классе фортепиано, я
благоговел перед Бахом. Думаю, эти пристрастия отражаются в моем творчестве
до сих пор_.
Новым, важным этапом в жизни Зариня стал 1940 г., когда после
восстановления Советской власти Латвия вошла в состав братских республик
нашей страны. Зариня пригласили в качестве музыкального руководителя и
дирижера в Рижский Художественный театр Дайлес. Маргер безмерно счастлив!
Ведь теперь он работает рядом с художественным руководителем театра Э.
Смильгисом, вписавшим неповторимую страницу в историю латышской культуры.
Смильгис учил Зариня искать новые средства выражения, воспитывать в себе
чувство формы, постоянно обогащать свою музыкальную мысль. _Театр, его
волнующую атмосферу люблю с юных лет_, - вспоминает композитор, - _годами
стараюсь постичь специфику этого удивительного вида искусства_. За 10 лет
работы в театре Дайлес Заринь написал музыку к спектаклям _Ромео и
Джульетта, Много шума из ничего, Двенадцатая ночь_ В. Шекспира; _Мария
Стюарт_ Ф. Шиллера; _Дубровский_ А. Пушкина; _Анна Каренина_ Л. Толстого; к
пьесам А. Н. Островского, М. Горького, Вс. Иванова, Н. Погодина, К. Тренева,
Б. Лавренева. Но особо следует выделить спектакли латышской классики и
только что зарождавшейся латышской советской драматургии с музыкой Зариня:
_Золотой конь, Огонь и ночь_ Я. Райниса, _Проделки Трины_ Р. Блауманиса,
_1905 год_ и _Спартак_ А. Упита.
В полную силу музыкально-театральный талант Зариня раскрылся в оперном
творчестве: ..._Мне ближе всего героико-эпический оперный жанр, раскрывающий
такие моменты истории, когда общественные и личные конфликты разрешались
наиболее драматично_. 20 июня 1955 г. с большим успехом прошла премьера его
оперы _К новому берегу_ (либр. Ф. Рокпельниса по роману В. Лациса), ставшей
первой советской латышской оперой. Это сочинение выдержано в классических
традициях большой оперы; в нем национально яркие латышские элементы
лирической, массовой, народной песенности тонко сочетаются с традиционным
оперным стилем.
В ином ключе написана _Опера нищих_ (1964, либр. собств. по рассказу Ж.
Гривы _В тени голубой мечети_). В либретто включены стихи Н. Хикмета и О.
Хайяма. События развертываются в Стамбуле: тема борьбы против империализма
удачно переплетается с колоритными жанровыми эпизодами и лирическими
зарисовками из жизни простых людей Турции. В опере использованы
драматургические приемы музыкального, драматического театров и кино.
По-своему оригинальна сатирическая опера-балет Зариня _Чудо Святого
Маврикия_ (либр, собств.). Произведение было написано в 1964 г., однако его
премьера состоялась лишь в 1974 г. Сюжет заимствован из истории Риги XVI в.
Значительный интерес представляет _Опера на площади_, посвященная
100-летию со дня рождения В. И. Ленина (по мотивам поэм В. Маяковского и
документальным рассказам Дж. Рида). Это сочинение синтезирует черты оперы,
оратории и грандиозного массового действа. В нем занят огромный состав
исполнителей: 7 хоров, 10 солистов и большой симфонический оркестр. _Я
поставил своей целью в этом произведении говорить с аудиторией очень
демократическим языком, так как адресат мой на этот раз - широкие массы
слушателей, собранные не в театре, а под небесным сводом... В своей музыке я
стремился опираться на интонационную основу советской массовой песни с ее
характерными фанфарными линиями-мотивами, эмоционально-приподнятыми и
одновременно очень простыми, лапидарными_. Театральное мышление Зариня
получило яркое выражение в его ораториях: _Герои Валмиеры_ (1950), _Борьба с
Чертовым болотом_ (1951), _Махагони_ (1965).
_Махагони_ (либр. А. Круклиса) повествует о судьбах конголезского
народа, столетиями томившегося под игом иноземцев, о самоотверженной борьбе
за свободу своего народа и трагической гибели П. Лумумбы, о могучей силе
пробуждающейся Африки. Литературной основой оратории послужили стихи
известного негритянского поэта Л. Хьюза. Музыка, проникнутая национальным
колоритом, захватывает драматизмом и напряженностью развития. Одна из
наиболее впечатляющих страниц оратории - плач по П. Лумумбе, обреченном на
смерть. Финал этого величественного произведения исполнен огромной
жизнеутверждающей силы.
Богатством содержания и красочностью музыкального языка отмечены
вокальные циклы Зариня: _Советская женщина в борьбе за мир_ (1951, ст.
латышских советских поэтов), _Серебристый свет_ (1952, ст. Я. Райниса),
_Четыре японские миниатюры_ (1963, ст. М. Басе), _Песни на слова Я. Порука_
(1971) и др.
Заринь неоднократно обращался и к сочинениям других жанров - к
инструментальным концертам, фортепианным миниатюрам, сочинениям для органа,
к киномузыке. Из кинофильмов с его музыкой наиболее значительны _Эдгар и
Кристина, Времена землемеров, В тени смерти, Афера Цеплиса_.
Начиная с 70-х гг. член Союза писателей Латвии, Заринь активно работает
и на литературном поприще: ..._свою работу литератора считаю продолжением
деятельности композитора, ибо в моем творчестве - как в литературном, так и
в музыке - есть общие принципы. В последние годы моя писательская и
композиторская работа как бы слились в одно целое_. По словам композитора, в
его литературных сочинениях очень много из собственной биографии, из
биографии его поколения. В основном он пишет о музыке и музыкантах. Первый
рассказ он посвятил Ж. Оффенбаху. Среди литературных сочинений Зариня -
рассказы, эссе, новеллы. Оригинальны его романы _Лже-Фауст, Мистерии и
хеппенинги, Чудесные приключения старого Тайзеля, Календарь капельмейстера
Коциня_, композитор написал интереснейшие воспоминания _Оптимистическая
энциклопедия жизни_.
Жизнь Зариня наполнена постоянным творческим трудом: _Ужасен день, в
котором нет значительных моментов, - впустую прожитые часы. С годами все
яснее сознаешь, как страшно дорого время_. /М. Комиссарская/
ИВАНОВ Янис Андреевич (9 X 1906, Прейли - 27 III 1983, Рига)
Среди основоположников советского симфонизма одно из видных мест по
праву занимает Я. Иванов. С его именем связано становление и расцвет
латышской симфонии, которой он отдал почти всю свою творческую жизнь, -
Первая возникла в 1936 г., последнюю - Двадцать первую - композитор не успел
завершить. Наследие Иванова жанрово разнообразно: наряду с симфониями им
создано несколько программно-симфонических произведений (поэмы, увертюры и
др.), 3 концерта, 2 поэмы для хора с оркестром, ряд камерных ансамблей (в т.
ч. 3 струнных квартета, фортепианное Трио), сочинения для фортепиано
(сонаты, вариации, цикл _Двадцать четыре эскиза_), песни, киномузыка. Но
именно в симфонии Иванов высказался ярче и полнее всего. В этом смысле
творческая личность композитора очень близка Н. Мясковскому. Талант Иванова
развивался длительно, постепенно совершенствуясь и открывая все новые грани.
Художественные принципы сложились на основе классических европейских и
русских традиций, обогащенных национальным своеобразием, опорой на латышский
фольклор.
В сердце композитора навсегда запечатлелась родная Латгалия, край
голубых озер, где он родился в крестьянской семье. Образы Родины позднее
ожили в Шестой (_Латгальской_) симфонии (1949), одной из лучших в его
наследии. В юные годы Иванов был вынужден пойти в батраки, но благодаря
упорному труду и целеустремленности сумел поступить в Рижскую консерваторию,
которую окончил, в 1933 г. по классу композиции у Я. Витолса и по классу
дирижирования у Г. Шнефогта. Много сил композитор отдал просветительской и
педагогической деятельности. Почти 30 лет (до 1961) он работал на радио, в
послевоенное время возглавлял руководство музыкальным вещанием республики.
Неоценим вклад Иванова в воспитание композиторской молодежи Латвии. Из его
консерваторского класса, который он вел с 1944 г., вышло немало крупных
мастеров латышской музыки: среди них Ю. Карлсоне, О. Гравитис, Р. Паулс и
др.
Весь жизненный путь Иванова определялся пафосом творчества, где
ведущими вехами становились его симфонии. Подобно симфониям Д. Шостаковича,
их можно назвать _летописью эпохи_. Нередко композитор вводит в них элементы
программности - дает подробные пояснения (Шестая), заголовки к циклу или его
частям (Четвертая, _Атлантида_ - 1941; Двенадцатая, _Sinfonia energica_
-1967; Тринадцатая, _Symphonia humana_ - 1969), варьирует жанровый облик
симфонии (Четырнадцатая, _Sinfonia da camera_ для струнных - 1971;
Тринадцатая, на ст. З. Пурвса, с участием чтеца и т. п.), обновляет ее
внутреннюю структуру. Своеобразие творческого почерка Иванова во многом
определяет его широкий мелодизм, истоки которого лежат в латышской народной
песне, но близки и славянской песенности.
Симфонизм латышского мастера многогранен: как и у Мясковского, он
объединяет обе ветви русской симфонии - эпическую и драматическую. В ранний
период в сочинениях Иванова преобладает эпическая картинность, лирическая
жанровость, со временем его стиль все больше обогащается конфликтностью,
драматизмом, достигая в конце пути высокой простоты и мудрой философичности.
Мир музыки Иванова богат и разнообразен: здесь - картины природы, бытовые
зарисовки, лирика и трагедийность. Подлинный сын своего народа, композитор
всей душой откликался на его горе и радости. Одно из важнейших мест в
творчестве композитора занимает гражданская тема. Уже в 1941 г. он первым в
Латвии откликнулся на события войны симфонией-аллегорией _Атлантида_, а
позже углубил эту тему в Пятой (1945) и особенно в Девятой (1960) симфониях.
Первооткрывателем Иванов стал и в раскрытии ленинской темы, посвятив
100-летнему юбилею вождя Тринадцатую симфонию. Композитору всегда было
присуще чувство долга, высокой ответственности за судьбу своего народа,
которому он верно служил не только творчеством, но и своей общественной
деятельностью. Когда 3 мая 1984 г. в Риге прозвучала завершенная учеником
Иванова Ю. Карлсонсом Двадцать первая симфония композитора, она была
воспринята как завещание большого художника, его последний _искренний
рассказ о времени и о себе_. /Г. Жданова/
ИЗАИ (Ysaye) Эжен (16 VII 1858, Льеж - 12 V 1931, Брюссель)
Искусство - результат совершенного сочетания мыслей и чувств.
Э. Изаи
Э. Изаи был последним наряду с Ф. Клейслером виртуозом-композитором,
продолжавшим и развивавшим традиции романтического искусства выдающихся
скрипачей XIX в. Огромный масштаб мыслей и чувств, богатство фантазии,
импровизационная свобода выражения, виртуозное мастерство выдвинули Изаи в
число выдающихся интерпретаторов, определили самобытный характер его
исполнительского и композиторского творчества. Его вдохновенные
интерпретации во многом помогли популярности творчества С. Франка, К.
Сен-Санса, Г. Форе, Э. Шоссона.
Изаи родился в семье скрипача, который стал обучать сына в 4 года.
Семилетний мальчик уже играл в театральном оркестре и одновременно обучался
в Льежокой консерватории у Р. Массара, затем в Брюссельской у Г. Венявского
и А. Вьетана. Путь Изаи на концертную эстраду оказался нелегким. Вплоть до
1882г. он продолжал работать в оркестрах - был концертмейстером берлинского
оркестра Бильзе, выступления которого проходили в кафе. Лишь по настоянию А.
Рубинштейна, которого Изаи называл _своим истинным учителем интерпретации_,
он уходит из оркестра и принимает участие в совместном с Рубинштейном турне
по Скандинавии, что и определило его карьеру одного из лучших скрипачей
мира.
В Париже исполнительское искусство Изаи вызывает всеобщее восхищение,
как и первые сочинения, среди которых _Элегическая поэма_. Франк посвящает
ему свою знаменитую скрипичную Сонату, Сен-Санс - Квартет, Форе -
фортепианный Квинтет, Дебюсси - Квартет и скрипичный вариант _Ноктюрнов_.
Под влиянием _Элегической поэмы_ для Изаи создает _Поэму_ Шоссон. В 1886 г.
Изаи поселяется в Брюсселе. Здесь он создает квартет, ставший одним из
лучших в Европе, организует симфонические концерты (получившие название
_Концерты Изаи_), где выступают лучшие исполнители, преподает в
консерватории.
Более 40 лет продолжалась концертная деятельность Изаи. С огромным
успехом он выступает не только как скрипач, но и как выдающийся дирижер,
особенно прославившийся исполнением сочинений Л. Бетховена, французских
композиторов. В Covent Garden он дирижирует _Фиделио_ Бетховена, в 1918-22
гг. становится главным дирижером оркестра в Цинциннати (США).