Страница:
за другой композитор создает песни. Но в душе жила мечта об опере, и,
отказавшись от ряда заманчивых предложений Мосфильма, композитор в течение 5
лет работал над оперой _Оптимистическая трагедия_ (по пьесе Вс.
Вишневского), завершив ее в 1964 г. С этого времени опера становится ведущим
жанром в творчестве Холминова. До 1987 г. их создано 11, причем во всех
композитор обратился к сюжетам национальным, черпая их в произведениях
русских и советских писателей. _Очень люблю русскую литературу за ее
нравственную этическую высоту, художественное совершенство, мысль, глубину.
На вес золота почитаю слово Гоголя_, - говорит композитор.
В оперном творчестве ясно прослеживается связь с традициями русской
классической школы. Русский народ в переломные моменты истории страны
(_Оптимистическая трагедия, Чапаев_), проблема русского трагического
осознания жизни (Б. Асафьев) через судьбы человеческой личности в ракурсе
индивидуальном, психологическом (_Братья Карамазовы_ по Ф. Достоевскому;
_Шинель_ по Н. Гоголю; _Ванька, Свадьба_ по А. Чехову; _Двенадцатая серия_
по В. Шукшину) - такова направленность оперного творчества Холминова. А в
1987 г. он написал оперу _Сталевары_ (по одноим. пьесе Г. Бокарева). _Возник
профессиональный интерес - попытаться воплотить в музыкальном театре
современную производственную тему_.
Весьма плодотворным для творчества композитора явилось многолетнее
сотрудничество с московским Камерным музыкальным театром и его
художественным руководителем Б. Покровским, начавшееся в 1975 г..
постановкой двух опер по Гоголю - _Шинель_ и _Коляска_. Опыт Холминова
получил развитие в творчестве других советских композиторов, стимулировал
интерес к камерному театру. _Для меня Холминов ближе всего как композитор,
сочиняющий камерные оперы_, - говорит Покровский. - _Особенно дорого то, что
он пишет их не по заказу, а по велению сердца. Поэтому, вероятно, те
произведения, которые он предлагает нашему театру, всегда оригинальны_.
Режиссер очень точно подметил главную особенность творческой натуры
композитора, заказчиком которого всякий раз является его собственная душа.
_Я должен верить, что именно это произведение сейчас я должен написать. Себя
стараюсь не тиражировать, не повторяться, ищу всякий раз какие-то иные
звуковые закономерности. Однако делаю это только по своей внутренней
потребности. Вначале было стремление к масштабным сценическим музыкальных
фрескам, затем увлекла идея камерной оперы, позволяющей погрузиться в
глубины человеческой души. Только в зрелом возрасте написал свою первую
симфонию, когда почувствовал, что возникла неодолимая потребность
высказаться именно в крупной симфонической форме. Позже обратился к жанру
квартета (тоже появилась потребность!_)
Действительно, симфония и камерно-инструментальная музыка, кроме
отдельных произведений, появляются в творчестве Холминова в 7080-е гг. Это 3
симфонии (Первая - 1973; Вторая, посвященная отцу, - 1975; Третья, в честь
600-летия _Куликовской битвы_, - 1977), _Приветственная увертюра_ (1977),
_Праздничная поэма_ (1980), Концерт-симфония для флейты и струнных (1978),
Концерт для виолончели и камерного хора (1980), 3 струнных квартета (1980,
1985, 1986) и др. Есть у Холминова музыка к кинофильмам, ряд
вокально-симфонических произведений, обаятельный _Детский альбом_ для
фортепиано.
Холминов не замыкается только на собственном творчестве. Его интересует
литература, живопись, архитектура, привлекает общение с людьми различных
профессий. Композитор находится в постоянном творческом поиске, много и
упорно работает над новыми сочинениями - в конце 1988 г. были завершены
_Музыка для струнных_ и Concerto grosso для камерного оркестра. Он считает,
что только повседневный напряженный творческий труд рождает истинное
вдохновение, приносящее радость художественных открытий. /О. Аверьянова/
ХРЕННИКОВ Тихон Николаевич (р. 10 VI 1913, г. Елец)
_О чем я пишу? О любви к жизни. Я люблю жизнь во всех ее проявлениях и
высоко ценю в людях жизнеутверждающее начало_. В этих словах - главное
качество личности замечательного советского композитора, пианиста, крупного
общественного деятеля.
_Моей мечтой всегда была музыка_. Осуществление этой мечты началось в
детстве, когда будущий композитор жил с родителями и многочисленными
братьями и сестрами (он был последним, десятым ребенком в семье) в Ельце.
Правда, музыкальные занятия в то время носили довольно случайный характер.
Серьезная профессиональная учеба началась в Москве, в 1929 г. в музыкальном
техникуме им. Гнесиных у М. Гнесина и Г. Литинского и продолжалась затем в
Московской консерватории в классе композиции В. Шебалина (1932-36) и в
классе фортепиано Г. Нейгауза. Еще будучи студентом, Хренников создал свой
Первый фортепианный концерт (1933) и Первую симфонию (1935), сразу же
завоевавшие единодушное признание как слушателей, так и профессиональных
музыкантов. _Горе, радость, страдание и счастье_ - так определил замысел
Первой симфонии сам композитор, и это жизнеутверждающее начало стало главной
чертой его музыки, всегда сохраняющей юношеское ощущение полнокровности
бытия. Присущая этой симфонии яркая театральность музыкальных образов
явилась еще одной характерной особенностью стиля композитора, определившей в
будущем постоянный интерес к музыкально-сценическим жанрам. (В биографии
Хренникова имеется даже... актерское выступление! В кинофильме режиссера Ю.
Райзмана _Поезд идет на Восток_ (1947) он сыграл роль Матроса.) Дебют
Хренникова - театрального композитора состоялся в Московском театре для
детей, руководимом Н. Сац (пьеса _Мик_, 1934), но настоящий успех пришел,
когда в Театре им. Е. Вахтангова была поставлена комедия В. Шекспира _Много
шума из ничего_ (1936) с музыкой Хренникова.
Именно в этой работе впервые в полной мере раскрылся щедрый
мелодический дар композитора, в котором заключается главный секрет его
музыки. Песни, прозвучавшие здесь, сразу же сделались необычайно
популярными. И в последующих работах для театра и кино неизменно появлялись
новые песни, тут же уходившие в быт и до сих пор не утратившие своего
обаяния. _Песня о Москве, Как соловей о розе. Лодочка, Колыбельная Светланы,
Что так сердце растревожено, Марш артиллеристов_ - эти и многие другие песни
Хренникова начинали свою жизнь в спектаклях и фильмах.
Песенность стала основой музыкального стиля композитора, а
театральность во многом определила принципы музыкального развития.
Музыкальные темы-образы в его произведениях легко трансформируются, свободно
подчиняются законам различных жанров - будь то опера, балет, симфония,
концерт. Этой способностью к всевозможным метаморфозам объясняется и такая
характерная черта творчества Хренникова, как неоднократное возвращение к
одному и тому же сюжету и, соответственно, музыке в различных жанровых
вариантах. Например, на основе музыки к спектаклю _Много шума из ничего_
создается комическая опера _Много шума из-за... сердец_ (1972) и балет
_Любовью за любовь_ (1982); музыка к спектаклю _Давным-давно_ (1942)
возникает в фильме _Гусарская баллада_ (1962) и в одноименном балете (1979);
музыка к кинофильму _Дуэнья_ (1978) используется в опере-мюзикле _Доротея_
(1983).
Один из наиболее близких Хренникову жанров - музыкальная комедия. Это
естественно, ибо композитор любит шутку, юмор, легко и непринужденно
включается в комедийные ситуации, остроумно их импровизирует, как бы
предлагая всем разделить радость веселья и принять условия игры. Однако при
этом он нередко обращается и к темам, далеко не только комедийным. Так.
либретто оперетты _Сто чертей и одна девушка_ (1963) составлено по
материалам из жизни религиозных сектантов-изуверов. С серьезными проблемами
нашей современности перекликается замысел оперы _Золотой теленок_ (по
одноим. роману И. Ильфа и Е. Петрова), ее премьера состоялась в 1985 г.
Еще во время учебы в консерватории у Хренникова возникла мысль написать
оперу на революционную тему. Он осуществил ее позже, создав своеобразную
сценическую трилогию: оперы _В бурю_ (1939) на сюжет романа Н. Вирты.
_Одиночество_ о событиях революции, _Мать_ по М. Горькому (1957),
музыкальную хронику _Белая ночь_ (1967), где в сложном переплетении событий
показана русская жизнь в канун Великой Октябрьской социалистической
революции.
Наряду с музыкально-сценическими жанрами важное место в творчестве
Хренникова занимает инструментальная музыка. Он автор трех симфоний (1935,
1942, 1974), трех фортепианных (1933, 1972, 1983), двух скрипичных (1959,
1975), двух виолончельных (1964, 1986) концертов. Жанр концерта особенно
привлекает композитора и предстает у него в изначальном классическом
предназначении-как увлекательное праздничное состязание солиста и оркестра,
близкое столь любимому Хренниковым театральному действу. Присущая жанру
демократическая направленность совпадает с художественными намерениями
автора, всегда стремящегося к общению с людьми в самых разнообразных формах.
Одна из таких форм - концертная пианистическая деятельность, которая
началась 21 июня 1933 г. в Большом зале Московской консерватории и
продолжается уже более полувека. В молодости, будучи студентом
консерватории, Хренников написал в одном из писем: _Сейчас обратили внимание
на повышение культурного уровня... Мне страшно хочется заняться... большой
общественной работой именно в этом направлении_.
Слова оказались пророческими. В 1948 г. Хренников был избран
Генеральным, с 1957 г. - первым секретарем правления Союза композиторов
СССР.
Наряду с огромной общественной деятельностью Хренников долгие годы
преподает в Московской консерватории (с 1961). Кажется, что этот музыкант
живет в каком-то особом ощущении времени, бесконечно раздвигая его рамки и
наполняя огромным количеством дел, которые трудно представить в масштабах
жизни одного человека. /О. Аверьянова/
ЦИНЦАДЗЕ Сулхан Федорович (р. 23 VIII 1925, Гори)
Талант Силхана Цинцадзе удивительно гармоничен и многолик. Каждое новое
сочинение этого композитора - музыкальное событие.
А. Эшпай
С. Цинцадзе принадлежит к числу ведущих современных грузинских
композиторов, чье творчество широко известно не только у нас в стране, но и
за рубежом. Яркий мелодический дар (люди старшего поколения и сейчас еще
порой с удовольствием напевают задорные мотивы из кинофильмов 50-х гг.
_Стрекоза, Заноза_, музыка к которым написана композитором), артистичность и
изящество формы, внешняя сдержанность чувств при большом внутреннем
эмоциональном напоре - вот качества, которыми прежде всего отмечена
многожанровая палитра этого мастера.
Цинцадзе родился в Гори. Когда мальчику исполнилось 7 лет, семья
переехала в Тбилиси. Отец будущего композитора был назначен главным
инспектором Закавказья по овцеводству (в 1937 г. он был арестован и
незаконно репрессирован). Вскоре после переезда Сулхан поступает в Первое
тбилисское музыкальное училище в класс виолончели профессора Э.
Капельницкого. Незаурядное дарование юного виолончелиста было замечено, и
его перевели в Группу одаренных детей при Тбилисской консерватории - будущую
республиканскую Центральную музыкальную школу-десятилетку, - где он
продолжил занятия у того же педагога. В 1942 г. Цинцадзе был принят на
оркестровый факультет консерватории в класс К. Миньяра. Параллельно с учебой
он работал в Государственном симфоническом оркестре Грузии и оркестре радио.
С 1943 г. Сулхан - участник, впервые организованного при филармонии столицы
республики Государственного квартета Грузии.
В 1946 г. талантливый юноша перевелся в Московскую консерваторию в
класс виолончели знаменитого С. Козолупова. На выпускном экзамене (1950) он
играл собственный виолончельный Концерт, написанный в 1947 г.! Во время
исполнения этого произведения произошел забавный эпизод. Публика, видимо,
услышала вместо непривычной фамилии Цинцадзе вполне известное имя... К.
Сен-Санса, и последующее объявление _исполняет автор_ зал встретил громким
смехом... С виолончелью и квартетом связаны и другие работы начинающего
композитора, в частности Первый квартет (1947), обработки грузинских
народных мелодий _Лала, Инди-минди, Сачидао_. В 1948-53 гг. Цинцадзе
занимался в Московской консерватории в классе композиции С. Богатырева. В
период учебы им написаны многие камерные сочинения, среди которых - Второй
квартет и Три квартетные миниатюры, принесшие автору-студенту в 1950 г.
высокую награду - Государственную премию СССР. Случай редчайший, если не
уникальный! К квартетному жанру Цинцадзе обращается с тех пор регулярно,
примерно раз в 5-6 лет. Сам композитор не раз говорил, что все его струнные
квартеты (в настоящее время их 11) в какой-то мере автобиографичны. Их
охотно включают в свой репертуар многие ансамбли мира. Пятый (1965) был
отмечен на Международном конкурсе современной музыки ЮНЕСКО в Париже. Шестой
(1966) написан по заказу знаменитого Джульярдского квартета (США). Недавно
созданный Одиннадцатый (1987) с успехом исполнялся на Третьем международном
музыкальном фестивале в Ленинграде (1988).
Композитор активно работает и в области театральной музыки. Им созданы
2 оперы, 3 оперетты и 5 балетов. Лучшие из них составили важную веху в
грузинском искусстве наряду с работами в этих жанрах А. Баланчивадзе, Р.
Габичвадзе, А. Мачавариани (например, балет _Демон_ (1958) - ярчайший
результат содружества композитора с выдающимся танцовщиком и балетмейстером
В. Чабукиани).
Широко известны и многие произведения Цинцадзе, связанные с
драматическим театром. Выполнив свою функцию в праздничных, искрометных
спектаклях, лучшие номера из музыки к пьесам _Дон Сезар де Базан_ (1954),
_Испанский священник_ (1955), _Венецианский купец_ (1984) живут
самостоятельной жизнью на концертной эстраде. Композитор всегда находит
драматургически точные, интонационно характерные штрихи для важнейших
эпизодов и персонажей драматического действия, о чем свидетельствует и его
музыка к кинофильмам (вспомним, в частности, известнейшие киноленты _Отарова
вдова, Отец солдата_). Театральность мышления, умение выявить
остроконтрастные состояния, запечатлеть развитие конфликта сказались и в 5
симфониях Цинцадзе, хотя в них и преобладают лирико-психологические образы.
Рецензенты, как правило, отмечают лаконизм и отточенность музыкальной мысли,
национальную почвенность языка, полифоническое богатство фактуры, в которой
каждый оркестровый голос дышит, живет самостоятельной жизнью.
Как и в юности, композитор часто обращается к своим любимым струнным
инструментам. Наряду с многочисленными квартетными миниатюрами, пьесами для
виолончели, альта, скрипки им созданы целые циклы из 24 прелюдий для
виолончели и фортепиано (1980), для скрипки и камерного оркестра (1987). Им
предшествовали 24 прелюдии для фортепиано (1976). Разнообразие красок,
приемов звукоизвлечения, современное экспрессивное претворение фольклорных
элементов способствуют раскрытию новых выразительных возможностей
традиционного инструментария.
Цинцадзе не ограничивает свою деятельность творчеством. С 1964 г. он в
течение 19 лет возглавлял Тбилисскую консерваторию, профессором которой
остается и поныне (композитор ведет класс оркестровки). Коллеги избрали его
председателем СК Грузии. В одном из писем к Цинцадзе выдающийся мастер А.
Хачатурян писал: _Мы еще многого ждем от Вас и уверены в Вашем огромном
даровании. В истории советской грузинской музыки Вы уже сыграли значительную
роль. Но главное еще впереди_. /В. Лихт/
ЧАВЕС (Chavez) Карлос (наст. фам. и имя Падуа Чавес-и-Рамирес Карлос
Антонио де) (13 VI 1899, Кальсадо-де-Такула, близ Мехико - 2 VIII 1978,
Мехико)
К. Чавес - выдающийся деятель мексиканской культуры. Его творчество,
сформировавшееся под непосредственным влиянием мексиканской революции
1910-17 гг., сыграло огромную роль в формировании национального музыкального
искусства не только его страны, но и всей Латинской Америки. На протяжении
всего творческого пути композитор обращался к различным музыкальным жанрам
(от миниатюры - до оперы, симфонии), к разнообразным стилистическим явлениям
музыки XX в. Но, как правило, ведущей темой его сочинений была тема родины.
Он воспевал ее природу, людей, стремился передать характер, мировоззрение,
душу своего народа, историю, традиции, легенды своей страны.
Выходец из креольской семьи, Чавес уже в 8 лет проявил живой интерес к
композиции. Как и многие латиноамериканские музыканты того времени, он не
получил академического музыкального образования. В детстве его учителем был
старший брат, затем - уроки фортепиано у Мануэля Понсе (1910-14) и Педро
Луиса Огасона (1915-20). С необыкновенным упорством юноша самостоятельно
овладевал теоретическими знаниями, изучая наследие европейской музыки, это
непосредственно отразилось на его сочинениях (Прелюдия и фуга,
Соната-фантазия, _Карнавал_, этюды, вальсы для фортепиано, струнный квартет
и секстет, Первая симфония).
В 20-30-х гг. Чавес активно включается в бурные преобразования,
происходившие в Мексике. В 1925 г. он организует серию концертов современной
музыки, в 1928 - уже приобретя заметный авторитет среди соотечественников,
становится главным дирижером Мексиканского симфонического оркестра (на этом
посту он плодотворно работал 20 лет) и директором национальной
консерватории, в 1933-34 гг. Чавес - директор департамента изящных искусств
министерства просвещения. Преодолевая множество трудностей, с редкой волей и
целеустремленностью он открывает самому широкому кругу слушателей шедевры
классической и современной музыки, богатства национального фольклора.
В 20-х гг. Чавес совершает поездки в Европу и США. Их результатом стали
не только контакты с выдающимися деятелями искусства и приобщение к самым
разнообразным эстетическим и стилистическим новациям - молодой композитор
окончательно утверждается в своем стремлении создать новую, истинно
мексиканскую музыку, основанную на народных индейских истоках. По мнению
композитора, мексиканцы даже не подозревали, насколько близок им индейский
элемент в восприятии мира, в пластике, в народной музыке. (Далекие предки
самого Чавеса были индейцами.) За балетом _Новый огонь_, открывшим наиболее
мексиканский период творчества композитора (1921-36), последовали
_индихенистские_ балет _Четыре солнца, Индейская симфония_. В них запечатлен
гордый, воинственный, непреклонный характер древних мексиканцев, оживают их
мифы и верования, наивно-архаические мелодии, _колючие_ монотонные
ритуальные ритмы. В звучание современного оркестра, полное дерзких
диссонансов, врываются древние голоса ацтекских инструментов. Другой
музыкально-стилистической линией этого периода была современность в разных
ее проявлениях. С одной стороны, - это сочинения 1933-35 гг., отражающие
бурное время революционных перемен и связанные с креольской, демократической
музыкой, с народной рабочей поэзией: _Песни Мексики, Солнце, Призывы,
Республиканская увертюра_. С другой - камерные сочинения, иногда явно
экспериментального характера, такие, как Соната для четырех валторн,
фортепианные сочинения _Шестиугольники, Многоугольники_, Третья соната,
пьеса _Энергия_ для камерного состава. Заметно увлечение композитора джазом
(_Блюз, Соло, Фокстрот_), неоклассицистскими веяниями (балет _Антигона_).
Есть и намеренное противопоставление гармоничной, жизнерадостной музыки
креольского Юга механистической антимузыке американского Севера (балет
_Лошадиная сила_ (1928) с декорациями Д. Риверы).
В конце 30-40-х гг. Чавес продолжает активную организаторскую
деятельность. В 1946 г. он основывает общество и журнал _Наша музыка_, в
1947 - становится директором Национального института изящных искусств
(фактически министром культуры), пропагандируя мексиканскую музыку на родине
и за рубежом. Он удостаивается высших правительственных наград Мексики,
Италии, Франции, Швеции, званий почетного члена Академии искусств Бостона и
Нью-Йорка. В это время он сочиняет сравнительно мало, в основном продолжая
_индихенистскую_ линию: _Хочипилли Макуилхочитл_ для ацтекских инструментов,
_Токката_ для ударных, хоровая _Песнь земле_ и др. В фортепианном Концерте
(1938) - одном из лучших сочинений композитора - во многом предвосхищаются
его более поздние достижения.
С 50-х гг. Чавес целиком посвящает себя композиции, не прекращая,
однако, дирижерской и музыковедческой деятельности. _За все прошедшие годы,
думаю, я сделал все, что было в моих силах для общего развития музыкальной
жизни в Мексике. Сейчас мне остается удовлетворить огромную личную
необходимость в творчестве и в этой форме служить обществу_.
50-70-е гг. - мощный всплеск творчества Чавеса, период синтеза исканий
прошлых лет. Замыслы его отличаются большей серьезностью, обобщенностью,
облекаются в монументальные формы (опера _Благотворная любовь_.
Третья-Шестая симфонии). Все разнообразнее становится содержание его музыки,
уравновешеннее стиль, гармоничнее и совершеннее - форма, все убедительнее -
созвучие между некоторыми чертами мексиканского фольклора и новациями
современной европейской музыки. Сочетание национального и интернационального
позволили Чавесу преодолеть рамки локальности, сделать музыку своей родины
достоянием мировой культуры, а самому композитору - автору произведений
интеллектуально и эстетически богатых, с постоянно бьющимся в них пульсом
жизни - занять достойное место в музыке XX в. /З. Карташева/
ЧАЙКОВСКИЙ Борис Александрович (р. 10 IX 1925, Москва)
Это композитор глубоко русский. Его душевный мир - это мир чистых и
возвышенных страстей. В этой музыке много чего-то недосказанного, какой-то
затаенной нежности, большого душевного целомудрия.
Г. Свиридов
Б. Чайковский - яркий и своеобразный мастер, в творчестве которого
органично сплелись оригинальность, неповторимость и глубокая почвенность
музыкального мышления. В течение нескольких десятилетий композитор, вопреки
соблазнам моды и прочим привходящим обстоятельствам, бескомпромиссно идет
своим путем в искусстве. Показательно, как смело вводит он в свои
произведения самые простые, порой даже примелькавшиеся попевки и
ритмоформулы. Ибо пройдя сквозь фильтр его поразительного звукоощущения,
неистощимой изобретательности, умения сопрягать, казалось бы, несовместимое,
его свежей, прозрачной инструментовки, графически четкой, но колористически
богатой фактуры, обычнейшая интонационная молекула предстает перед
слушателем словно заново родившейся, обнаруживает свою суть, свою
сердцевину...
Б. Чайковский родился в семье, где музыку очень любили и поощряли
занятия ею сыновей, которые оба избрали музыку своей профессией. В детские
годы Б. Чайковский сочинил первые фортепианные пьесы. Некоторые из них до
сих пор входят в репертуар юных пианистов. В прославленной школе Гнесиных он
занимался по классу фортепиано у одной из ее основательниц Е. Гнесиной и у
А. Головиной, а его первым педагогом по композиции был Е. Месснер - человек,
воспитавший многих прославленных музыкантов, удивительно безошибочно умевший
подвести ребенка к решению достаточно сложных композиционных задач, раскрыть
ему содержательный смысл интонационных превращений и сопряжений.
В училище и в Московской консерватории Б. Чайковский занимался в
классах прославленных советских мастеров - В. Шебалина, Д. Шостаковича, Н.
Мясковского. Уже тогда вполне отчетливо заявили о себе важные особенности
творческой личности молодого музыканта, которые Мясковский сформулировал
так: _Своеобразный русский склад, исключительная серьезность, хорошая
композиторская техника_... Одновременно Б. Чайковский занимался в классе
замечательного советского пианиста Л. Оборина. Композитор и сегодня
выступает интерпретатором своих сочинений. В его исполнении записаны на
грампластинки фортепианный Концерт, Трио, скрипичная и виолончельная сонаты,
фортепианный Квинтет.
В ранний период творчества композитор создал ряд крупных произведений:
Первую симфонию (1947), Фантазию на русские народные темы (1950),
_Славянскую рапсодию_ (1951). Симфониетту для струнного оркестра (1953). В
каждом из них автор обнаруживает оригинальный, глубоко индивидуальный подход
к, казалось бы, известным интонационно-мелодическим и
содержательно-смысловым идеям, к традиционным формам, нигде не сбиваясь на
распространенные в те годы трафаретные, ходульные решения. Недаром его
сочинения включали в свой репертуар такие дирижеры, как С. Самосуд и А.
Гаук. В десятилетие 1954-64 гг., ограничившись преимущественно областью
камерно-инструментальных жанров (фортепианное Трио - 1953; Первый квартет -
1954; струнное Трио - 1955; Соната для виолончели и фортепиано, Концерт для
кларнета и камерного оркестра - 1957; Соната для скрипки и фортепиано -
1959; Второй квартет - 1961; Фортепианный квинтет - 1962), композитор не
только выработал безошибочно узнаваемую на слух музыкальную лексику, но и
определил важнейшие черты собственного образного мира, где красота,
воплощенная в мелодических темах, по-русски вольных, неспешных,
_немногословных_, предстает как символ нравственной чистоты и стойкости
отказавшись от ряда заманчивых предложений Мосфильма, композитор в течение 5
лет работал над оперой _Оптимистическая трагедия_ (по пьесе Вс.
Вишневского), завершив ее в 1964 г. С этого времени опера становится ведущим
жанром в творчестве Холминова. До 1987 г. их создано 11, причем во всех
композитор обратился к сюжетам национальным, черпая их в произведениях
русских и советских писателей. _Очень люблю русскую литературу за ее
нравственную этическую высоту, художественное совершенство, мысль, глубину.
На вес золота почитаю слово Гоголя_, - говорит композитор.
В оперном творчестве ясно прослеживается связь с традициями русской
классической школы. Русский народ в переломные моменты истории страны
(_Оптимистическая трагедия, Чапаев_), проблема русского трагического
осознания жизни (Б. Асафьев) через судьбы человеческой личности в ракурсе
индивидуальном, психологическом (_Братья Карамазовы_ по Ф. Достоевскому;
_Шинель_ по Н. Гоголю; _Ванька, Свадьба_ по А. Чехову; _Двенадцатая серия_
по В. Шукшину) - такова направленность оперного творчества Холминова. А в
1987 г. он написал оперу _Сталевары_ (по одноим. пьесе Г. Бокарева). _Возник
профессиональный интерес - попытаться воплотить в музыкальном театре
современную производственную тему_.
Весьма плодотворным для творчества композитора явилось многолетнее
сотрудничество с московским Камерным музыкальным театром и его
художественным руководителем Б. Покровским, начавшееся в 1975 г..
постановкой двух опер по Гоголю - _Шинель_ и _Коляска_. Опыт Холминова
получил развитие в творчестве других советских композиторов, стимулировал
интерес к камерному театру. _Для меня Холминов ближе всего как композитор,
сочиняющий камерные оперы_, - говорит Покровский. - _Особенно дорого то, что
он пишет их не по заказу, а по велению сердца. Поэтому, вероятно, те
произведения, которые он предлагает нашему театру, всегда оригинальны_.
Режиссер очень точно подметил главную особенность творческой натуры
композитора, заказчиком которого всякий раз является его собственная душа.
_Я должен верить, что именно это произведение сейчас я должен написать. Себя
стараюсь не тиражировать, не повторяться, ищу всякий раз какие-то иные
звуковые закономерности. Однако делаю это только по своей внутренней
потребности. Вначале было стремление к масштабным сценическим музыкальных
фрескам, затем увлекла идея камерной оперы, позволяющей погрузиться в
глубины человеческой души. Только в зрелом возрасте написал свою первую
симфонию, когда почувствовал, что возникла неодолимая потребность
высказаться именно в крупной симфонической форме. Позже обратился к жанру
квартета (тоже появилась потребность!_)
Действительно, симфония и камерно-инструментальная музыка, кроме
отдельных произведений, появляются в творчестве Холминова в 7080-е гг. Это 3
симфонии (Первая - 1973; Вторая, посвященная отцу, - 1975; Третья, в честь
600-летия _Куликовской битвы_, - 1977), _Приветственная увертюра_ (1977),
_Праздничная поэма_ (1980), Концерт-симфония для флейты и струнных (1978),
Концерт для виолончели и камерного хора (1980), 3 струнных квартета (1980,
1985, 1986) и др. Есть у Холминова музыка к кинофильмам, ряд
вокально-симфонических произведений, обаятельный _Детский альбом_ для
фортепиано.
Холминов не замыкается только на собственном творчестве. Его интересует
литература, живопись, архитектура, привлекает общение с людьми различных
профессий. Композитор находится в постоянном творческом поиске, много и
упорно работает над новыми сочинениями - в конце 1988 г. были завершены
_Музыка для струнных_ и Concerto grosso для камерного оркестра. Он считает,
что только повседневный напряженный творческий труд рождает истинное
вдохновение, приносящее радость художественных открытий. /О. Аверьянова/
ХРЕННИКОВ Тихон Николаевич (р. 10 VI 1913, г. Елец)
_О чем я пишу? О любви к жизни. Я люблю жизнь во всех ее проявлениях и
высоко ценю в людях жизнеутверждающее начало_. В этих словах - главное
качество личности замечательного советского композитора, пианиста, крупного
общественного деятеля.
_Моей мечтой всегда была музыка_. Осуществление этой мечты началось в
детстве, когда будущий композитор жил с родителями и многочисленными
братьями и сестрами (он был последним, десятым ребенком в семье) в Ельце.
Правда, музыкальные занятия в то время носили довольно случайный характер.
Серьезная профессиональная учеба началась в Москве, в 1929 г. в музыкальном
техникуме им. Гнесиных у М. Гнесина и Г. Литинского и продолжалась затем в
Московской консерватории в классе композиции В. Шебалина (1932-36) и в
классе фортепиано Г. Нейгауза. Еще будучи студентом, Хренников создал свой
Первый фортепианный концерт (1933) и Первую симфонию (1935), сразу же
завоевавшие единодушное признание как слушателей, так и профессиональных
музыкантов. _Горе, радость, страдание и счастье_ - так определил замысел
Первой симфонии сам композитор, и это жизнеутверждающее начало стало главной
чертой его музыки, всегда сохраняющей юношеское ощущение полнокровности
бытия. Присущая этой симфонии яркая театральность музыкальных образов
явилась еще одной характерной особенностью стиля композитора, определившей в
будущем постоянный интерес к музыкально-сценическим жанрам. (В биографии
Хренникова имеется даже... актерское выступление! В кинофильме режиссера Ю.
Райзмана _Поезд идет на Восток_ (1947) он сыграл роль Матроса.) Дебют
Хренникова - театрального композитора состоялся в Московском театре для
детей, руководимом Н. Сац (пьеса _Мик_, 1934), но настоящий успех пришел,
когда в Театре им. Е. Вахтангова была поставлена комедия В. Шекспира _Много
шума из ничего_ (1936) с музыкой Хренникова.
Именно в этой работе впервые в полной мере раскрылся щедрый
мелодический дар композитора, в котором заключается главный секрет его
музыки. Песни, прозвучавшие здесь, сразу же сделались необычайно
популярными. И в последующих работах для театра и кино неизменно появлялись
новые песни, тут же уходившие в быт и до сих пор не утратившие своего
обаяния. _Песня о Москве, Как соловей о розе. Лодочка, Колыбельная Светланы,
Что так сердце растревожено, Марш артиллеристов_ - эти и многие другие песни
Хренникова начинали свою жизнь в спектаклях и фильмах.
Песенность стала основой музыкального стиля композитора, а
театральность во многом определила принципы музыкального развития.
Музыкальные темы-образы в его произведениях легко трансформируются, свободно
подчиняются законам различных жанров - будь то опера, балет, симфония,
концерт. Этой способностью к всевозможным метаморфозам объясняется и такая
характерная черта творчества Хренникова, как неоднократное возвращение к
одному и тому же сюжету и, соответственно, музыке в различных жанровых
вариантах. Например, на основе музыки к спектаклю _Много шума из ничего_
создается комическая опера _Много шума из-за... сердец_ (1972) и балет
_Любовью за любовь_ (1982); музыка к спектаклю _Давным-давно_ (1942)
возникает в фильме _Гусарская баллада_ (1962) и в одноименном балете (1979);
музыка к кинофильму _Дуэнья_ (1978) используется в опере-мюзикле _Доротея_
(1983).
Один из наиболее близких Хренникову жанров - музыкальная комедия. Это
естественно, ибо композитор любит шутку, юмор, легко и непринужденно
включается в комедийные ситуации, остроумно их импровизирует, как бы
предлагая всем разделить радость веселья и принять условия игры. Однако при
этом он нередко обращается и к темам, далеко не только комедийным. Так.
либретто оперетты _Сто чертей и одна девушка_ (1963) составлено по
материалам из жизни религиозных сектантов-изуверов. С серьезными проблемами
нашей современности перекликается замысел оперы _Золотой теленок_ (по
одноим. роману И. Ильфа и Е. Петрова), ее премьера состоялась в 1985 г.
Еще во время учебы в консерватории у Хренникова возникла мысль написать
оперу на революционную тему. Он осуществил ее позже, создав своеобразную
сценическую трилогию: оперы _В бурю_ (1939) на сюжет романа Н. Вирты.
_Одиночество_ о событиях революции, _Мать_ по М. Горькому (1957),
музыкальную хронику _Белая ночь_ (1967), где в сложном переплетении событий
показана русская жизнь в канун Великой Октябрьской социалистической
революции.
Наряду с музыкально-сценическими жанрами важное место в творчестве
Хренникова занимает инструментальная музыка. Он автор трех симфоний (1935,
1942, 1974), трех фортепианных (1933, 1972, 1983), двух скрипичных (1959,
1975), двух виолончельных (1964, 1986) концертов. Жанр концерта особенно
привлекает композитора и предстает у него в изначальном классическом
предназначении-как увлекательное праздничное состязание солиста и оркестра,
близкое столь любимому Хренниковым театральному действу. Присущая жанру
демократическая направленность совпадает с художественными намерениями
автора, всегда стремящегося к общению с людьми в самых разнообразных формах.
Одна из таких форм - концертная пианистическая деятельность, которая
началась 21 июня 1933 г. в Большом зале Московской консерватории и
продолжается уже более полувека. В молодости, будучи студентом
консерватории, Хренников написал в одном из писем: _Сейчас обратили внимание
на повышение культурного уровня... Мне страшно хочется заняться... большой
общественной работой именно в этом направлении_.
Слова оказались пророческими. В 1948 г. Хренников был избран
Генеральным, с 1957 г. - первым секретарем правления Союза композиторов
СССР.
Наряду с огромной общественной деятельностью Хренников долгие годы
преподает в Московской консерватории (с 1961). Кажется, что этот музыкант
живет в каком-то особом ощущении времени, бесконечно раздвигая его рамки и
наполняя огромным количеством дел, которые трудно представить в масштабах
жизни одного человека. /О. Аверьянова/
ЦИНЦАДЗЕ Сулхан Федорович (р. 23 VIII 1925, Гори)
Талант Силхана Цинцадзе удивительно гармоничен и многолик. Каждое новое
сочинение этого композитора - музыкальное событие.
А. Эшпай
С. Цинцадзе принадлежит к числу ведущих современных грузинских
композиторов, чье творчество широко известно не только у нас в стране, но и
за рубежом. Яркий мелодический дар (люди старшего поколения и сейчас еще
порой с удовольствием напевают задорные мотивы из кинофильмов 50-х гг.
_Стрекоза, Заноза_, музыка к которым написана композитором), артистичность и
изящество формы, внешняя сдержанность чувств при большом внутреннем
эмоциональном напоре - вот качества, которыми прежде всего отмечена
многожанровая палитра этого мастера.
Цинцадзе родился в Гори. Когда мальчику исполнилось 7 лет, семья
переехала в Тбилиси. Отец будущего композитора был назначен главным
инспектором Закавказья по овцеводству (в 1937 г. он был арестован и
незаконно репрессирован). Вскоре после переезда Сулхан поступает в Первое
тбилисское музыкальное училище в класс виолончели профессора Э.
Капельницкого. Незаурядное дарование юного виолончелиста было замечено, и
его перевели в Группу одаренных детей при Тбилисской консерватории - будущую
республиканскую Центральную музыкальную школу-десятилетку, - где он
продолжил занятия у того же педагога. В 1942 г. Цинцадзе был принят на
оркестровый факультет консерватории в класс К. Миньяра. Параллельно с учебой
он работал в Государственном симфоническом оркестре Грузии и оркестре радио.
С 1943 г. Сулхан - участник, впервые организованного при филармонии столицы
республики Государственного квартета Грузии.
В 1946 г. талантливый юноша перевелся в Московскую консерваторию в
класс виолончели знаменитого С. Козолупова. На выпускном экзамене (1950) он
играл собственный виолончельный Концерт, написанный в 1947 г.! Во время
исполнения этого произведения произошел забавный эпизод. Публика, видимо,
услышала вместо непривычной фамилии Цинцадзе вполне известное имя... К.
Сен-Санса, и последующее объявление _исполняет автор_ зал встретил громким
смехом... С виолончелью и квартетом связаны и другие работы начинающего
композитора, в частности Первый квартет (1947), обработки грузинских
народных мелодий _Лала, Инди-минди, Сачидао_. В 1948-53 гг. Цинцадзе
занимался в Московской консерватории в классе композиции С. Богатырева. В
период учебы им написаны многие камерные сочинения, среди которых - Второй
квартет и Три квартетные миниатюры, принесшие автору-студенту в 1950 г.
высокую награду - Государственную премию СССР. Случай редчайший, если не
уникальный! К квартетному жанру Цинцадзе обращается с тех пор регулярно,
примерно раз в 5-6 лет. Сам композитор не раз говорил, что все его струнные
квартеты (в настоящее время их 11) в какой-то мере автобиографичны. Их
охотно включают в свой репертуар многие ансамбли мира. Пятый (1965) был
отмечен на Международном конкурсе современной музыки ЮНЕСКО в Париже. Шестой
(1966) написан по заказу знаменитого Джульярдского квартета (США). Недавно
созданный Одиннадцатый (1987) с успехом исполнялся на Третьем международном
музыкальном фестивале в Ленинграде (1988).
Композитор активно работает и в области театральной музыки. Им созданы
2 оперы, 3 оперетты и 5 балетов. Лучшие из них составили важную веху в
грузинском искусстве наряду с работами в этих жанрах А. Баланчивадзе, Р.
Габичвадзе, А. Мачавариани (например, балет _Демон_ (1958) - ярчайший
результат содружества композитора с выдающимся танцовщиком и балетмейстером
В. Чабукиани).
Широко известны и многие произведения Цинцадзе, связанные с
драматическим театром. Выполнив свою функцию в праздничных, искрометных
спектаклях, лучшие номера из музыки к пьесам _Дон Сезар де Базан_ (1954),
_Испанский священник_ (1955), _Венецианский купец_ (1984) живут
самостоятельной жизнью на концертной эстраде. Композитор всегда находит
драматургически точные, интонационно характерные штрихи для важнейших
эпизодов и персонажей драматического действия, о чем свидетельствует и его
музыка к кинофильмам (вспомним, в частности, известнейшие киноленты _Отарова
вдова, Отец солдата_). Театральность мышления, умение выявить
остроконтрастные состояния, запечатлеть развитие конфликта сказались и в 5
симфониях Цинцадзе, хотя в них и преобладают лирико-психологические образы.
Рецензенты, как правило, отмечают лаконизм и отточенность музыкальной мысли,
национальную почвенность языка, полифоническое богатство фактуры, в которой
каждый оркестровый голос дышит, живет самостоятельной жизнью.
Как и в юности, композитор часто обращается к своим любимым струнным
инструментам. Наряду с многочисленными квартетными миниатюрами, пьесами для
виолончели, альта, скрипки им созданы целые циклы из 24 прелюдий для
виолончели и фортепиано (1980), для скрипки и камерного оркестра (1987). Им
предшествовали 24 прелюдии для фортепиано (1976). Разнообразие красок,
приемов звукоизвлечения, современное экспрессивное претворение фольклорных
элементов способствуют раскрытию новых выразительных возможностей
традиционного инструментария.
Цинцадзе не ограничивает свою деятельность творчеством. С 1964 г. он в
течение 19 лет возглавлял Тбилисскую консерваторию, профессором которой
остается и поныне (композитор ведет класс оркестровки). Коллеги избрали его
председателем СК Грузии. В одном из писем к Цинцадзе выдающийся мастер А.
Хачатурян писал: _Мы еще многого ждем от Вас и уверены в Вашем огромном
даровании. В истории советской грузинской музыки Вы уже сыграли значительную
роль. Но главное еще впереди_. /В. Лихт/
ЧАВЕС (Chavez) Карлос (наст. фам. и имя Падуа Чавес-и-Рамирес Карлос
Антонио де) (13 VI 1899, Кальсадо-де-Такула, близ Мехико - 2 VIII 1978,
Мехико)
К. Чавес - выдающийся деятель мексиканской культуры. Его творчество,
сформировавшееся под непосредственным влиянием мексиканской революции
1910-17 гг., сыграло огромную роль в формировании национального музыкального
искусства не только его страны, но и всей Латинской Америки. На протяжении
всего творческого пути композитор обращался к различным музыкальным жанрам
(от миниатюры - до оперы, симфонии), к разнообразным стилистическим явлениям
музыки XX в. Но, как правило, ведущей темой его сочинений была тема родины.
Он воспевал ее природу, людей, стремился передать характер, мировоззрение,
душу своего народа, историю, традиции, легенды своей страны.
Выходец из креольской семьи, Чавес уже в 8 лет проявил живой интерес к
композиции. Как и многие латиноамериканские музыканты того времени, он не
получил академического музыкального образования. В детстве его учителем был
старший брат, затем - уроки фортепиано у Мануэля Понсе (1910-14) и Педро
Луиса Огасона (1915-20). С необыкновенным упорством юноша самостоятельно
овладевал теоретическими знаниями, изучая наследие европейской музыки, это
непосредственно отразилось на его сочинениях (Прелюдия и фуга,
Соната-фантазия, _Карнавал_, этюды, вальсы для фортепиано, струнный квартет
и секстет, Первая симфония).
В 20-30-х гг. Чавес активно включается в бурные преобразования,
происходившие в Мексике. В 1925 г. он организует серию концертов современной
музыки, в 1928 - уже приобретя заметный авторитет среди соотечественников,
становится главным дирижером Мексиканского симфонического оркестра (на этом
посту он плодотворно работал 20 лет) и директором национальной
консерватории, в 1933-34 гг. Чавес - директор департамента изящных искусств
министерства просвещения. Преодолевая множество трудностей, с редкой волей и
целеустремленностью он открывает самому широкому кругу слушателей шедевры
классической и современной музыки, богатства национального фольклора.
В 20-х гг. Чавес совершает поездки в Европу и США. Их результатом стали
не только контакты с выдающимися деятелями искусства и приобщение к самым
разнообразным эстетическим и стилистическим новациям - молодой композитор
окончательно утверждается в своем стремлении создать новую, истинно
мексиканскую музыку, основанную на народных индейских истоках. По мнению
композитора, мексиканцы даже не подозревали, насколько близок им индейский
элемент в восприятии мира, в пластике, в народной музыке. (Далекие предки
самого Чавеса были индейцами.) За балетом _Новый огонь_, открывшим наиболее
мексиканский период творчества композитора (1921-36), последовали
_индихенистские_ балет _Четыре солнца, Индейская симфония_. В них запечатлен
гордый, воинственный, непреклонный характер древних мексиканцев, оживают их
мифы и верования, наивно-архаические мелодии, _колючие_ монотонные
ритуальные ритмы. В звучание современного оркестра, полное дерзких
диссонансов, врываются древние голоса ацтекских инструментов. Другой
музыкально-стилистической линией этого периода была современность в разных
ее проявлениях. С одной стороны, - это сочинения 1933-35 гг., отражающие
бурное время революционных перемен и связанные с креольской, демократической
музыкой, с народной рабочей поэзией: _Песни Мексики, Солнце, Призывы,
Республиканская увертюра_. С другой - камерные сочинения, иногда явно
экспериментального характера, такие, как Соната для четырех валторн,
фортепианные сочинения _Шестиугольники, Многоугольники_, Третья соната,
пьеса _Энергия_ для камерного состава. Заметно увлечение композитора джазом
(_Блюз, Соло, Фокстрот_), неоклассицистскими веяниями (балет _Антигона_).
Есть и намеренное противопоставление гармоничной, жизнерадостной музыки
креольского Юга механистической антимузыке американского Севера (балет
_Лошадиная сила_ (1928) с декорациями Д. Риверы).
В конце 30-40-х гг. Чавес продолжает активную организаторскую
деятельность. В 1946 г. он основывает общество и журнал _Наша музыка_, в
1947 - становится директором Национального института изящных искусств
(фактически министром культуры), пропагандируя мексиканскую музыку на родине
и за рубежом. Он удостаивается высших правительственных наград Мексики,
Италии, Франции, Швеции, званий почетного члена Академии искусств Бостона и
Нью-Йорка. В это время он сочиняет сравнительно мало, в основном продолжая
_индихенистскую_ линию: _Хочипилли Макуилхочитл_ для ацтекских инструментов,
_Токката_ для ударных, хоровая _Песнь земле_ и др. В фортепианном Концерте
(1938) - одном из лучших сочинений композитора - во многом предвосхищаются
его более поздние достижения.
С 50-х гг. Чавес целиком посвящает себя композиции, не прекращая,
однако, дирижерской и музыковедческой деятельности. _За все прошедшие годы,
думаю, я сделал все, что было в моих силах для общего развития музыкальной
жизни в Мексике. Сейчас мне остается удовлетворить огромную личную
необходимость в творчестве и в этой форме служить обществу_.
50-70-е гг. - мощный всплеск творчества Чавеса, период синтеза исканий
прошлых лет. Замыслы его отличаются большей серьезностью, обобщенностью,
облекаются в монументальные формы (опера _Благотворная любовь_.
Третья-Шестая симфонии). Все разнообразнее становится содержание его музыки,
уравновешеннее стиль, гармоничнее и совершеннее - форма, все убедительнее -
созвучие между некоторыми чертами мексиканского фольклора и новациями
современной европейской музыки. Сочетание национального и интернационального
позволили Чавесу преодолеть рамки локальности, сделать музыку своей родины
достоянием мировой культуры, а самому композитору - автору произведений
интеллектуально и эстетически богатых, с постоянно бьющимся в них пульсом
жизни - занять достойное место в музыке XX в. /З. Карташева/
ЧАЙКОВСКИЙ Борис Александрович (р. 10 IX 1925, Москва)
Это композитор глубоко русский. Его душевный мир - это мир чистых и
возвышенных страстей. В этой музыке много чего-то недосказанного, какой-то
затаенной нежности, большого душевного целомудрия.
Г. Свиридов
Б. Чайковский - яркий и своеобразный мастер, в творчестве которого
органично сплелись оригинальность, неповторимость и глубокая почвенность
музыкального мышления. В течение нескольких десятилетий композитор, вопреки
соблазнам моды и прочим привходящим обстоятельствам, бескомпромиссно идет
своим путем в искусстве. Показательно, как смело вводит он в свои
произведения самые простые, порой даже примелькавшиеся попевки и
ритмоформулы. Ибо пройдя сквозь фильтр его поразительного звукоощущения,
неистощимой изобретательности, умения сопрягать, казалось бы, несовместимое,
его свежей, прозрачной инструментовки, графически четкой, но колористически
богатой фактуры, обычнейшая интонационная молекула предстает перед
слушателем словно заново родившейся, обнаруживает свою суть, свою
сердцевину...
Б. Чайковский родился в семье, где музыку очень любили и поощряли
занятия ею сыновей, которые оба избрали музыку своей профессией. В детские
годы Б. Чайковский сочинил первые фортепианные пьесы. Некоторые из них до
сих пор входят в репертуар юных пианистов. В прославленной школе Гнесиных он
занимался по классу фортепиано у одной из ее основательниц Е. Гнесиной и у
А. Головиной, а его первым педагогом по композиции был Е. Месснер - человек,
воспитавший многих прославленных музыкантов, удивительно безошибочно умевший
подвести ребенка к решению достаточно сложных композиционных задач, раскрыть
ему содержательный смысл интонационных превращений и сопряжений.
В училище и в Московской консерватории Б. Чайковский занимался в
классах прославленных советских мастеров - В. Шебалина, Д. Шостаковича, Н.
Мясковского. Уже тогда вполне отчетливо заявили о себе важные особенности
творческой личности молодого музыканта, которые Мясковский сформулировал
так: _Своеобразный русский склад, исключительная серьезность, хорошая
композиторская техника_... Одновременно Б. Чайковский занимался в классе
замечательного советского пианиста Л. Оборина. Композитор и сегодня
выступает интерпретатором своих сочинений. В его исполнении записаны на
грампластинки фортепианный Концерт, Трио, скрипичная и виолончельная сонаты,
фортепианный Квинтет.
В ранний период творчества композитор создал ряд крупных произведений:
Первую симфонию (1947), Фантазию на русские народные темы (1950),
_Славянскую рапсодию_ (1951). Симфониетту для струнного оркестра (1953). В
каждом из них автор обнаруживает оригинальный, глубоко индивидуальный подход
к, казалось бы, известным интонационно-мелодическим и
содержательно-смысловым идеям, к традиционным формам, нигде не сбиваясь на
распространенные в те годы трафаретные, ходульные решения. Недаром его
сочинения включали в свой репертуар такие дирижеры, как С. Самосуд и А.
Гаук. В десятилетие 1954-64 гг., ограничившись преимущественно областью
камерно-инструментальных жанров (фортепианное Трио - 1953; Первый квартет -
1954; струнное Трио - 1955; Соната для виолончели и фортепиано, Концерт для
кларнета и камерного оркестра - 1957; Соната для скрипки и фортепиано -
1959; Второй квартет - 1961; Фортепианный квинтет - 1962), композитор не
только выработал безошибочно узнаваемую на слух музыкальную лексику, но и
определил важнейшие черты собственного образного мира, где красота,
воплощенная в мелодических темах, по-русски вольных, неспешных,
_немногословных_, предстает как символ нравственной чистоты и стойкости